Hva er keramikk? Hva er keramikk og dens typer Hva er keramikkhistorie.

Keramikk er et stykke leire som har blitt brent. Det tok tusenvis av år med menneskelig utvikling å danne en så kort definisjon. Folk skulpturerte den eldste gjenstanden fra bakt leire så langt tilbake som 29 tusen år f.Kr. En stillesittende livsstil ble årsaken til en persons interesse for å lage retter fra leire, eller omvendt - det er umulig å bestemme nøyaktig, men det var en persons tilknytning til hjemmet som bidro til utviklingen av håndverk. Ferdigheten med å lage keramikk ble overført fra munn til munn, fra de eldste til de yngre i familien.

Ordet keramikk kommer fra "keramos", som betyr "leire" på gresk. Men faktisk er keramikk en blanding av leire, sand, zirkon og andre naturlige materialer. En dag lærte en mann å smelte organiske partikler ved en temperatur som nådde 2500 ° C. Det er kjent at det kreves svært høye temperaturer for å brenne leire og lage glasurer. Det er i brann at hvit og rød leire får keramikkens kvaliteter. Produkter laget av fin hvit leire kalles porselen, de som er laget av hvit leire med urenheter av kvartssand kalles fajanse, og de som er laget av rød leire kalles keramikk.

Leirkeramikk har helbredende egenskaper. Dette forklares med de naturlige egenskapene til leire og absorpsjon av store mengder solenergi. Produkter i keramikkkrukker er godt bevart, da temperaturen reguleres naturlig. For eksempel varmes ikke kald melk opp i lang tid, og varm te avkjøles ikke så raskt. Retter tilberedt i keramiske retter er mykere og saftigere.

I hendene på kunstneren er leire et plastisk naturmateriale som er i stand til å overføre ikke bare form, men også avgi varme. Leiremodellering lar deg uttrykke humør, skape skjønnhet og utvikle evner. Leirkanner lages ved hjelp av et pottemakerhjul eller for hånd. I tillegg til kanner og andre leireredskaper kan det lages fliser i ulike størrelser og konfigurasjoner. Mosaikkpanelet var og forblir hoveddekorasjonen til huset i landene i Midtøsten. I mange århundrer brukte innbyggerne små leirplater og firkanter for å dekorere ytre og indre vegger i boligene sine. Den geometriske basen til mosaikken ble rullet ut av leire og deretter brent i en ovn. Ved hjelp av glasur ble ruter og plater malt i ulike lyse farger. Det unike ornamentet ble laget av mesteren, og valgte nøye matchende eller kontrasterende farger. Mosaikk ble mye brukt til å dekorere templer, søyler og graver.

I det moderne samfunnet brukes keramikk ikke bare som et dekorativt element i interiøret, men også til tekniske formål: konstruksjon, industri, medisin. Keramiske kroner anbefales av tannleger, selv om ikke bare naturlig leire brukes i deres produksjon, men også zirkonium, metalllegeringer. Takket være teknologier som gjør det mulig å gi spesiell styrke til legeringen av metall og porselen, kan folk smile lykkelig i mange år. Dette beviser nok en gang at keramisk produksjonsteknologi er i konstant utvikling.

Industriell keramikk - produkter oppnådd ved sintring av uorganiske, ikke-metalliske materialer og som har industrielle eller tekniske anvendelser. Komponentene i disse materialene er vanligvis stoffer med høyt smelte- eller mykningspunkt.

Industriell keramikk er en stor gruppe materialer som har andre spesielle bruksområder enn husholdnings- eller dekorative. Som regel inkluderer det ikke glass, emaljer, byggematerialer og enkelte sementer og ildfaste materialer.

Keramikk oppnås ved oppvarming til høytemperaturprodukter dannet av komprimert pulver. Når det gjelder tradisjonelle materialer, er pulveret vanligvis en blanding av leire og andre naturlig forekommende mineraler. Produksjonsprosessen er i hovedsak den samme for alle typer industriell keramikk. Vanligvis blir et fint pulver (partikkelstørrelse på ca. 1 µm) tatt, oppnådd ved sliping eller fra løsninger ved kjemisk utfelling, spraying eller frysetørking, og komprimert ved trykk i en form, vanligvis wolframkarbid eller stål. Litt organisk bindemiddel (som voks) kan tilsettes pulveret for å gi den kompakte styrke og formbevaring. Deretter, under avfyring, brennes bunten ut. Formen på arbeidsstykket kan deretter endres ved kutting, boring eller annen form for maskinering.

Større jevnhet av pulveremballasje kan oppnås ved å bruke væsketrykk for å komprimere den til en fleksibel gummi- eller plastform. På denne måten kan store pulverpreformer oppnås. Tilsetningen av en betydelig mengde mykner (opptil 50%) til pulveret gjør blandingen plastisk nok til at den ved moderate temperaturer (fra 50 til 200 ° C) kan presses eller sprøytestøpes under trykk. Sprøytestøpeprosessen er godt egnet for rask produksjon av små, komplekse former.

Suspensjoner av pulvere i vann, eller oppslemminger, med lav viskositet, men som inneholder store volumer faste stoffer, fremstilles lett ved å tilsette en liten mengde av et overflateaktivt middel (deflokkuleringsmiddel eller dispergeringsmiddel). Vann strømmer inn i formens porøse vegger, og arbeidsstykket forblir inne i det i form av et fuktig, men godt komprimert pulver. Denne metoden er mye brukt i produksjon av servise. Det brukes også til å lage turbinblader av silisiumnitrid eller silisiumkarbidpulver.

Alle prosessene beskrevet ovenfor gir et komprimert og formet pulver (produktemne). De fortettede partiklene sintres deretter ved oppvarming, typisk i en elektrisk ovn, for å danne et fast produkt. Ved høye temperaturer (fra 1000 til 1700°C) klistrer partikler av faste materialer sammen som honningpartikler ved romtemperatur. Behandlingstiden varierer fra flere minutter til flere timer. Partikkelsintring resulterer i et tettere produkt, og produktet kan krympe med 20 %.

Komprimeringen kan akselereres ved å bruke høyere temperaturer og finere partikler av samme størrelse. Den kan også forsterkes ved å påføre trykk under oppvarming. Denne metoden brukes når maksimal styrke er nødvendig. Vanligvis, avhengig av temperaturen, som kan nå 2000 ° C og over, brukes former og stanser laget av grafitt eller nikkellegeringer. En inert gass som argon eller nitrogen kan brukes til å overføre trykk til pulveret. I dette tilfellet er pulveret ofte innelukket i et tynt glasskall, som mykner ved pressetemperaturen, eller forvarmes til en tilstand der det er ugjennomtrengelig for gass.

En mye brukt metode for å akselerere komprimering er å innføre i blandingen en liten mengde av et stoff som danner et flytende løsningsmiddel for basiskomponenten ved ovnstemperatur. Produksjon av alumina-keramikk ved bruk av silikater er et eksempel på anvendelsen av denne metoden; silikater av magnesium og yttrium er mye brukt i produksjonen av silisiumnitrid.

Oppvarmings- og presseprosesser skaper en fullstendig komprimert finkornet homogen struktur. Innholdet av side- og intergranulære faser reduseres vanligvis til et minimum. Et bemerkelsesverdig unntak er den forsettlige inkorporeringen av sekundærfasepartikler, som zirkoniumoksid, for å forsterke materialet og gjøre det hardt.

Ulempen med intergranulære faser, spesielt de som blir glassaktige ved avkjøling, er at de kan endre egenskapene til materialet i en uønsket retning. Væskefasen må fjernes under komprimeringsprosessen. Det fjernes under krystallisering av den intergranulære fasen eller ved overgang til en fast løsning; begge metodene ble brukt for sialoner (materialer basert på silisiumnitrid som inneholder silisium, aluminium, oksygen, nitrogen og andre grunnstoffer). Det har vært forsøk på å bruke forseglingsadditiver som ikke danner en flytende fase. Et eksempel på et slikt tilsetningsstoff er magnesiumoksid, hvorav en liten mengde bidrar til komprimering av alumina som brukes til fremstilling av gjennomsiktige pærer for høytrykksnatriumlamper.

Tynne keramiske belegg som er sterkt festet til overflaten av metaller og andre materialer kan oppnås ved flamme- eller plasmasprøyting av pulver. I dette tilfellet oppnås svært høye temperaturer og partikkelhastigheter til pulveret. Den kinetiske energien til de myknede partiklene som treffer substratet er tilstrekkelig til å få dem til å smelte ytterligere og gi adhesjon til substratet, som forblir kaldt. Plasmatemperaturen når 15 000°C og høyere, flammetemperaturen er nær 2500°C.

For å oppnå et keramisk materiale med gode egenskaper er det nødvendig at mikrostrukturen er finkornet, homogen, fri for defekter og reproduserbar. Hovedbetingelsen for dette er produksjon av passende pulver av høy kvalitet. For å nå dette målet har to tilnærminger blitt utforsket. Den første er bruken av pulvere av ekstremt små partikler (10–100 nm i størrelse). Det er imidlertid vanskelig å jobbe med slike pulver, pga partiklene deres har en tendens til å holde seg sammen. Den andre tilnærmingen er å oppnå sfæriske partikler med en diameter på ~1 μm, som har en tendens til å ordne seg på en regelmessig og tilsvarende måte, noe som fører til dannelsen av en vanlig kornstruktur. Implementeringen av begge tilnærmingene krever teknologiske forhold som er vanskelige å oppnå i tradisjonelle grener av den keramiske industrien.

Hovedområdene for nåværende og potensielle anvendelser av industriell keramikk er maskinteknikk, elektroteknikk og elektronikk. To innenlandsapplikasjoner med sterk markedsetterspørsel er ferritiske keramiske magneter som brukes i alle TV-er og videoterminaler og slitesterke O-ringer (aluminiumoksidkeramikk) for vannpumper for sentralvarmesystemer. De to eksemplene nedenfor illustrerer mangfoldet av bruksområder for keramikk og hvilke typer keramiske materialer som er utviklet.

maskinteknikk

Interessen for keramikk er basert på dens høye temperaturstyrke og krypemotstand. Keramikk basert på silisiumnitrid, silisiumkarbid og zirkoniumdioksid brukes i diesel- og gassturbinmotorer. Den helkeramiske motoren, som opererer ved svært høye temperaturer, har blitt testet med suksess i laboratoriet.

Industriell keramikk er mye brukt ved normale temperaturer under forhold som krever hardhet, slitestyrke og seighet fra materialet. Silisiumkarbid og alumina-keramikk brukes til pumpetetninger og ventildeler som utsettes for den slitende virkningen av slam og væsker. Verktøy med korund keramisk skjærekant har erstattet wolframkarbidverktøy på mange områder innen metallbearbeiding. Den harde, seige silisiumnitrid sialonkeramikken er utviklet for spesialiserte bruksområder som høyhastighetsmaskinering av nikkellegeringer og støpejern, rørvalsing og kullstansing.

Det er stor etterspørsel etter keramiske filamentmaterialer med høye mekaniske egenskaper. Dette er elementer av tekstilindustriutstyr: trådledere - øyne, bøssinger, ringer, plater. Arbeidsressursen - minst 1 år - er 3-5 ganger høyere enn ressursen til lignende porselensprodukter.

Slitebestandige elementer av roterende sentrifugalmaskiner, slitebestandige elementer av lagre, arbeidsplater til skjæreverktøy.

elektro og elektronikk

Keramiske materialer brukes til å lage isolatorer til ulike formål. Tynne plater av alumina-keramikk er mye brukt som underlag for montering av mikroprosessorer og relaterte elementer og kretser. Alumina keramikk har god langsiktig elektrisk og kjemisk stabilitet når de utsettes for høyfrekvente strømmer. Den er sterk nok til å motstå de høye termiske og mekaniske belastningene som oppstår ved temperaturer opp til 250 ° C, som kan skapes av enkelte elektriske apparater. Alumina keramiske isolatorer brukes i klystroner og magnetroner. Varmespredning, spesielt fra flerlags keramiske enheter, forbedres ved å bruke keramikk med høy varmeledningsevne, som berylliumoksid og aluminiumnitrid.

Tynne isolasjonsfilmer laget av keramiske materialer gjør det mulig å lagre store elektriske ladninger i et svært lite volum. Ferroelektrisk keramikk, som bariumtitanat og strontiumtitanat, samt lignende materialer som inneholder små tilsetninger av oksider, som lantan og neodym, er inkludert i denne kategorien. Dielektriske keramiske materialer, som gjør det mulig å miniatyrisere kondensatorer, spiller en viktig rolle i utviklingen av teknologien til halvleder elektroniske enheter.

Påføringen av et elektrisk felt på ferroelektriske krystaller av en bestemt type fører til en endring i deres form og omvendt. Denne egenskapen til blyzirkonattitanater er svært verdifull for enheter som svingere, strekkmålere, akselerometre, trykksensorer, mikrofoner, lydhoder, ekkolodd og ultralydrensere. Ferroelektriske keramiske materialer brukes også som pyroelektriske sensorer i termiske synsenheter og i elektrooptiske enheter, der det påførte elektriske feltet endrer materialets optiske egenskaper.

Samt diffuse reflektorer av laser og andre installasjoner, spredende og absorberende belegg for kolber med høyintensitets lyskilder.

Magnetiske materialer

Ferritter som inneholder barium eller strontium er mye brukt som et billig materiale for permanente magneter i ulike enheter, for eksempel elektriske motorer. Store mengder slike ferritter brukes også i video-, radio- og mikrobølgeutstyr. Jernoksidferritter med tilsetning av andre oksider brukes i tilfeller hvor høy følsomhet for endringer i det påførte elektriske feltet er nødvendig. Mangan-sinkferritter brukes som materialer for transformatorkjerner, innstillingsenheter og magnetiske opptakshoder. Nikkel-sinkferritter brukes i mikrobølgeovner. Ferritter i pulverform danner grunnlaget for mange typer magnetiske opptaksbånd, magnetiske disker og tavler som brukes til informasjonslagring.

Biokeramikk

Bruken av keramiske erstatninger for menneskelige kroppsdeler har økt jevnt de siste tiårene. Ren (99,9 %) alumina keramikk brukes til proteser av hofteledd og tenner. Spesiallaget porøs alumina-keramikk kan kombineres med levende vev. Keramikk som kalsiumhydrokofosfat er motstandsdyktig mot biologisk nedbrytning og er også forenlig med beinvev. Ortopediske og tannimplantater brukes til å rekonstruere bein i tilfeller av delvis bentap på grunn av skade eller sykdom. Keramikk basert på natrium- og kalsiumfosfater brytes sakte ned og absorberes av normale biokjemiske prosesser i kroppen til det kun er naturlig ben igjen.

Rustning

Svært harde og sterke keramiske plater og plater laget av aluminiumoksyd, borkarbid eller silisiumnitrid absorberer mesteparten av slagenergien til et høyhastighetsprosjektil som en kule. Keramiske plater er montert på en bakside laget av aluminium eller annet lett, fleksibelt materiale. Keramiske panserplater og -plater brukes til å beskytte menneskekroppen så vel som militære fly og helikoptre.

vindusmaterialer

Krystallinsk keramikk er sterkere og mer brannbestandig enn vanlig glass. Alumina keramiske vindusmaterialer brukes under forhold med høye temperaturer og høy mekanisk belastning, for eksempel som pærer for høytrykksnatriumlamper. Ripefrie "briller" for armbåndsur er laget av gjennomsiktige aluminiumoksid-enkelkrystaller. Enkeltkrystall aluminiumoksid som inneholder ulike urenheter er også et lasermateriale.

Kjernekraft

Keramikk brukes i stedet for metaller i atomreaktorer. Brenselpellets av urandioksid brukes i reaktorer hvis driftstemperaturer er for høye for uranmetall. Alumina skiveavstandsstykker er plassert mellom drivstoffblokken og bunnen av metallbeholderen som en varmeisolator. Reaktorkontrollsystemet må inkludere nøytronabsorbere som bor, så borkarbid brukes i mange slike systemer.

Sensorer og startere

Det er et økende antall applikasjoner som krever kontroll av forurensende gasser i luft og andre gassblandinger. Overvåkingssystemer bør gi kontinuerlige data om konsentrasjonene av alle forurensende gasser. Keramiske gasssensorer brukes til dette formålet. De er vanligvis laget av halvledende oksidkeramikk som titandioksid, tinnoksid eller sinkoksid. Slike sensorer kan oppdage lave konsentrasjoner av gasser som karbonmonoksid, oksygen, hydrogensulfid og nitrogenoksider og utløse kontrollsystemer.

Metallurgi

Digler, dispensere, skaft, stempler, støpeformer, presisjonsverktøy for støping og stansing av metaller og legeringer, skåler for glassbøyning, glass for kontinuerlig støping av stål.

glassindustrien

Stålstøpingsdyser for kontinuerlig støping av stål er fastbunnet eller åpne, med to eller flere sideinnløp.

i forsvarsindustrien

Av strategisk betydning i produksjonen av radiotransparente vinduer og koøyer, neseinnsatser for missiler i luftforsvars- og missilforsvarssystemer, radiotransparente missilkapper, luftsamlere laget av kvarts og keramisk keramikk.

Kjemisk industri

Pakninger, mørtler, stamper Elementer av termisk beskyttelse av ovner, installasjoner av pulserende moduser, isolasjonselementer i høyintensive termiske installasjoner, utløpskamre til høyintensitetsgeneratorer.

Byggesektor

Vel, her er det, uten keramikk ville det ikke engang vært halvparten av den enorme listen over byggematerialer som bygningene våre er bygget av!

Keramikk er et av de eldste materialene som brukes til å lage tallerkener og andre produkter. Den har en rekke positive egenskaper: styrke, varmebestandighet, miljø- og kjemisk sikkerhet, produkter laget av den har et høyt estetisk potensial, og dette bestemmer dens utbredte bruk.

Keramikk er produkter laget av leire (eller leirestoffer) med eller uten mineralske tilsetningsstoffer, oppnådd ved støping og påfølgende brenning. For å forbedre forbrukernes estetiske egenskaper, er keramikk glasert.

Materialene som brukes i produksjonen av keramikk er vanligvis delt inn i plastmaterialer: leire (polymineralbergarter bestående av kaolinitter, brus, silisiumoksider, feltspat, jern, etc.); kaolin (en monomineral bergart bestående av kaolinitt); avmagrede materialer - reduser krymping under tørking og brenning: kvartssand, alumina, porselen og keramikk, ildleire; flukser - reduser sintringstemperaturen og skap en glassfase (feltspat og pegmatitt); glasur materialer.

Som faktorer som former forbrukeregenskapene og kvaliteten til keramiske husholdningsvarer, skilles de samme ut som for glassprodukter: typen keramikk, støpemetoden og typen dekorasjon.

Avhengig av strukturen skilles finkeramikk (glass- eller finkornet skår) og grovt (grovkornet skår). Hovedtypene av fin keramikk er: porselen, semi-porselen, fajanse, majolica og grov keramikk.

Porselen - har en tett sintret kropp av hvit farge (noen ganger med en blåaktig fargetone) med lav vannabsorpsjon (opptil 0,2%), når den slås avgir den en høy melodisk lyd, i tynne lag kan den være gjennomskinnelig. Med tanke på den doble brenningen av produkter, er kanten på siden eller bunnen av produktet ikke dekket med glasur.

Skille mellom hardt og mykt porselen. Hardt porselen brukes til produksjon av servise og te- og kafferedskaper til daglig bruk. Mykt porselen kan være: kjeks (ikke dekket med glasur, brukt til å lage kunstneriske og dekorative produkter), bein (beinmel er introdusert i sammensetningen, det ligner hvit marmor i utseende, er preget av høy hvithet og gjennomsiktighet, brukes til produksjon av te- og kaffeservise av et festlig sortiment ), feltspat ("tynnvegget", lignende egenskaper og formål med bein, men dens hvite farge har en blåaktig fargetone); lav temperatur ("frit" - varmebestandig, mekanisk sterk, den er vanligvis dekket med fargede glasurer, i utlandet en av hovedtypene keramikk for produksjon av hverdagsretter).

Råvarene for produksjon av porselen er kaolin, sand, feltspat og andre tilsetningsstoffer.

Semi-porselen inntar en mellomposisjon mellom porselen og fajanse i egenskaper, skårene er hvite, vannabsorpsjonen er 3 ~ 5%, og brukes til produksjon av husholdningsredskaper.

Fajanse har et hvitt skår med en gulaktig fargetone, porøsiteten til skåret er 9-12%. På grunn av den høye porøsiteten er fajanseprodukter fullstendig dekket med en fargeløs glasur. Glasur har lav varmebestandighet, så denne typen keramikk brukes i produksjon av servise til daglig bruk. Den er produsert av hvitbrennende leire med tilsetning av kritt og kvartssand.

Majolica har en porøs skår (vannabsorpsjon er ca. 15%), produktene har en glatt overflate, høy glans, liten veggtykkelse (som bestemmes av støpemetoden - støping), dekk dem med fargede glasurer, de kan ha dekorative relieffdekorasjoner . For produksjon av majolica brukes hvitbrennende leire (fajanse majolica) eller rødbrennende leire (keramikkmajolika), flomsletter, kritt og kvartssand.

Keramikkkeramikk - skjæret har en rødbrun farge (det brukes rødbrennende leire), høy porøsitet (vannabsorpsjon opptil 18%). Produktene kan dekkes med fargeløse glasurer, malt med farget leirmaling - engobe. Sortimentet er representert av kjøkken- og husholdningsredskaper (gryter for steking, melkekannene) og pyntegjenstander.

Prosessen med produksjon av keramiske husholdningsvarer i en forenklet form kan representeres av følgende trinn: forberedelse av råvarer; oppnå en keramisk masse; produkt molding; tørking og retting; brennende; glass; dekorasjon.

De viktigste metodene for støping av keramiske produkter er: plaststøpingsmetode; støping, halvtørrpressing.

Ved støping av produkter på en plastisk måte brukes en keramisk masse med et fuktighetsinnhold på 22-24%, dannelsen utføres på automatiske maskiner eller halvautomatiske maskiner. Med denne metoden legges den keramiske massen på bunnen av formen og rulles ut med en mal, et produkt dannes i gapet mellom formen og malen. Denne metoden brukes til å skaffe produkter fra hardt porselen, fajanse, keramikk.

Støpemetoden innebærer bruk av en keramisk masse (slip) med et fuktighetsinnhold på 32-36 % (kremaktig konsistens), som helles i porøse gips- eller PVC-former. Denne metoden brukes til produksjon av produkter fra mykt porselen (unntatt fritte), hardt porselen (produkter med kompleks form), majolica.

For flate produkter med enkel form brukes en halvtørr pressemetode. Samtidig har den keramiske massen et restfuktighetsinnhold på 2-3%, pressing utføres i metallformer. Denne metoden brukes til fremstilling av produkter fra fajanse, halvporselen, lavtemperaturporselen. Fordelene med denne metoden er en økning i produksjonshastigheten og en reduksjon i energikostnader (tørke- og retteprosesser er ekskludert), men den brukes til et begrenset antall typer produkter: små tallerkener, tallerkener, etc.

Den endelige keramikken dannes under brenningsprosessen. Det er to typer fyring: varm og hellet. Utelbrenning går foran innglassingen, og danner dermed et skår som er motstandsdyktig mot bløtlegging. Den støpte brenningen utføres etter glasering for å danne strukturen til glasuren.

Når du dekorerer keramiske husholdningsartikler, brukes en rekke metoder: maling, stripedekorasjon, sjablong, silketrykk, dekal. De spesifikke typene dekorasjon av keramiske husholdningsvarer inkluderer følgende:

Dekke - dekke overflaten av produktet med maling (skill mellom fast; delvis; med rengjøring; med rengjøring og etterbehandling; synkende og stigende) ved hjelp av en airbrush, sjablong, spesielle maler;

Stempel - et lite enfarget overflatemønster påført med maling og gullpreparater ved hjelp av gummistempler eller bånd; det brukes vanligvis i kombinasjon med andre typer smykker;

Utskrift - en konturtegning dannet av prikker, streker, streker (blekket fra utskriften overføres til produktet, eller først til silkepapir og deretter til produktet); tegninger er ensfarget, kan være overglasur og underglasur, supplert med maling (med ekstra tegning), sjablong;

Foto på keramikk - brukt til dekorative (gave)produkter;

Dekorasjoner med dekorative glasurer: farget, flytende, krystallinsk, matt, blonder, glans, knitring.

Reliefkuttede dekorasjoner: åpen kant, utskåret kant, preget kant (og deres kombinasjoner); dekorative relieffer;

Ytterligere dekorasjoner med maling og gullforberedelse: utsmøring - et kontinuerlig belegg av et element av produktet; variegation - en delvis skisse (slag), som legger vekt på individuelle elementer i produktet.

Alle tegninger i henhold til plasseringen av produktet er delt inn i ombord; fast; bukett (opptil tre skulpturer); spre seg med en stor bukett; medaljong (tegning innrammet i form av en sirkel, oval, polygon); arabesk (smal side ornamental mønster).

Dekorasjoner er overglasur og underglasur. De fleste typer overflatefilmdekorasjoner er utsatt for brenning.

Innholdet i artikkelen

KERAMIKK(Gresk keramike - keramikk, fra keramos - leire; engelsk keramikk, fransk ceramique, tysk keramik), navnet på alle husholdningsprodukter eller kunstneriske produkter laget av leire eller blandinger som inneholder leire, bakt i en ovn eller tørket i solen. Keramikk inkluderer keramikk, terrakotta, majolica, fajanse, steinmasse, porselen. Enhver gjenstand støpt av naturlig leire og herdet ved soltørking eller brenning regnes som keramikk. Porselen er en spesiell type keramikk. Gjennomskinnelig, med en glassaktig sintret kropp og en hvit base, ekte porselen er laget av spesielle kvaliteter av leire, feltspat og kvarts- eller kvartserstatninger.

Keramikkfremstilling er en eldgammel kunst, som går før metallurgi eller til og med veving i de fleste kulturer. Porselen er imidlertid en mye senere oppfinnelse; den dukket først opp i Kina ca. 600 e.Kr., og i Europa - på 1700-tallet.

TEKNIKK

Materiale.

Hovedmaterialet for produksjon av keramikk er leire. Den brutte leiren er vanligvis blandet med sand, små steiner, rester av råtne planter og andre fremmedlegemer, som må fjernes helt for at leiren skal bli brukbar. I dag, som i gammel tid, gjøres dette ved å blande leire med vann og sette blandingen i et stort kar. Slammet legger seg til bunnen, og det øverste laget av leire og vann pumpes ut eller øses ut i en tilstøtende tank. Prosessen gjentas deretter, noen ganger flere ganger; leiren raffineres med hver påfølgende nedbør til materialet av ønsket kvalitet er oppnådd.

Den rensede leiren oppbevares i fuktig tilstand i lukkede rom til den tas i bruk. Eksponering av leire i flere måneder forbedrer dens arbeidsegenskaper betydelig, slik at leiren kan beholde formen i prosessen med å lage et produkt, samtidig som den forblir formbar og plastisk. Fersk leire kombineres ofte med gammel leire fra tidligere blandet parti; dette øker bakteriell aktivitet og ser ut til å forbedre kvaliteten på materialet.

Ethvert produkt støpt i leire gjennomgår en viss grad av kompresjon, både under tørking og under brenningsprosessen. For jevn tørking og minimal krymping tilsettes grovmalte biter av terrakotta, vanligvis keramikkskrap, til leiren. Det øker også styrken til leiren, og reduserer sjansen for at den krymper voldsomt under støping.

Støping.

Stucco keramikk.

Den tidligste keramikkfremstillingsteknikken, oppfunnet ca. 5000 f.Kr., under tidlig neolitikum, ble det håndskulpturert et kar fra en leirklump. Leire ble knust og presset ut for å oppnå ønsket form. Prøver av produkter laget i denne eldgamle teknikken, som fortsatt brukes av noen pottemakere i dag, er funnet i Jordan, Iran og Irak.

Båndkeramikk.

En senere oppfinnelse var teknikken for ringstøping, der karet ble stilt opp fra flere leirestrimler. En flat, håndskulpturert leirbunn ble omgitt av en tykk stripe, og deretter ble det oppnådd en sterk forbindelse mellom underlaget og stripen ved trykk og utjevning. De resterende strimlene ble lagt til gryten hadde ønsket høyde og form. For å lette prosessen med å stille opp og jevne ut veggene, ble noen ganger plassert en avrundet stein inne i potten, og den ytre overflaten ble behandlet med en spatel. Denne teknikken ble brukt til å lage vakkert keramikk med vegger av samme tykkelse. Båndkeramikkmetoden ligner teknikken med å veve kurver av lange fibrøse tau (eller bast), og det er mulig at båndkeramikkteknikken stammer fra denne metoden.

Forbedringer i båndteknikken førte til støping av potten på et lite stykke sivmatte eller en buet crock (fragment av et ødelagt kar). Matten eller skåren fungerte som en base under byggingen av potten og som en praktisk rotasjonsakse, takket være hvilken fartøyet lett snudde seg i hendene på pottemakeren. Denne manuelle rotasjonen ga pottemakeren muligheten til å jevne ut potten kontinuerlig og symmetrisk justere formen slik den ble bygget. Blant noen primitive folkeslag, som de amerikanske indianerne, ble det ikke skapt noe mer avansert enn denne teknikken, og all keramikk ble laget med denne metoden. Tapemetoden ble brukt til å lage store kanner for matoppbevaring selv etter oppfinnelsen av pottemakerhjulet.

Potter's wheel.

Oppfinnelsen av pottemakerhjulet dateres tilbake til omtrent slutten av det 4. årtusen f.Kr. Bruken var ikke umiddelbart utbredt; noen regioner tok i bruk den nye teknologien mye tidligere enn andre. En av de første var Sumer i det sørlige Mesopotamia, hvor pottemakerhjulet ble brukt rundt 3250 f.Kr. I Egypt var den allerede i bruk ved slutten av 2. dynasti, rundt 2800 f.Kr., og i Troja ble det funnet keramikk laget på keramikerhjulet i laget av Troja II, ca. 2500 f.Kr

Det gamle pottemakerhjulet var en tung, slitesterk skive av tre eller terrakotta. På undersiden av skiven var det en utsparing som den ble montert med på en lav fast aksel. Hele hjulet ble balansert slik at det roterte uten slingring og vibrasjoner. I Hellas var det vanlig at keramikerlærlingen dreide på hjulet og justerte hastigheten etter mesterens kommando. Den store størrelsen og vekten på hjulet ga en tilstrekkelig lang periode med rotasjon etter lansering. Tilstedeværelsen av en assistent som snudde rattet tillot keramikeren å bruke begge hender til å forme vasen og gi denne prosessen sin fulle oppmerksomhet. Pottemakerhjulet ser ikke ut til å ha vært brukt før romertiden. På 1600-tallet hjulet ble satt i bevegelse ved hjelp av et tau kastet over en trinse, og på 1800-tallet. Det dampdrevne pottemakerhjulet ble oppfunnet.

Prosessen med å lage en gryte på et pottemakerhjul begynner med å elte leiren for å fjerne luftbobler og gjøre den om til en homogen, bearbeidbar masse. Deretter plasseres leirkulen i midten av den roterende sirkelen og holdes med bøyde håndflater til sirkelen er jevnet ut. Ved å trykke tommelen inn i midten av leirkulen dannes en ring med tykke vegger, som gradvis strekker seg mellom tommelen og resten av fingrene, og blir til en sylinder. Denne sylinderen kan så, etter ønske fra pottemakeren, åpnes i form av en bolle, strekke seg ut som et langt rør, flate ut til en tallerken eller lukkes, og skape en sfærisk form. På slutten blir det ferdige produktet "kuttet av" og lagt til tørk. Dagen etter, når leiren har tørket til en hard skorpe, snus karet opp ned til midten av sirkelen. På et roterende hjul sliper de, eller renser, en form ved å kutte av en unødvendig del av leiren, som det vanligvis brukes verktøy laget av metall, bein eller tre til. Dette fullfører støpingen av produktet; fartøyet er klart for dekorasjon og brenning. Benet og andre deler av karet kan kles og snus separat og deretter festes til karets kropp med leirebelegg - flytende leire som brukes av pottemakeren som bindemateriale.

Casting.

Støpeteknikken brukes til å lage masseprodusert keramikk. Først lages en gipsform av mønsteret som skal reproduseres. Deretter helles en flytende leirmørtel kalt støpemørtel i denne malen. Det blir stående til gipsen absorberer fuktighet fra løsningen og leirlaget som er avsatt på veggene til matrisen stivner. Dette tar omtrent en time, hvoretter formen snus og den gjenværende løsningen helles. Den hule leirestøpingen ferdigstilles for hånd og brennes deretter.

I gamle tider ble myk, smidig leire presset inn i formen for hånd i stedet for å helles i som i støpeteknikken. Produksjonsprosessen begynte med støpingen av selve modellen. Leireprøven (patrix) laget av mesteren ble laget både for den endelige bruken av vasen og for de mellomliggende produksjonsstadiene. I de fleste av disse skulpturerte vasene er stukkaturdelen festet til et stykke, for eksempel en munn, støpt på et pottemakerhjul. Derfor var produksjonen av patrix bare begrenset til denne stukkaturdelen.

Brenner.

Teknikken med å behandle tørket leire med varme for å endre den fra et mykt sprøtt stoff til et hardt glassaktig materiale ble oppdaget ca. 5000 f.Kr Denne oppdagelsen var utvilsomt tilfeldig, muligens et resultat av en ildsted bygget på en leirebase. Sannsynligvis, da brannen slokket, la folk merke til at leirbunnen til ildstedet ble ekstremt hard. Den første oppfinnsomme keramikeren kunne gjenta dette fenomenet ved å støpe noe av myk leire og legge det i bålet, og deretter sørge for at brannen ikke skadet produktet hans, men tvert imot ga det en solid, stabil form. Dermed kunne teknikken med keramisk brenning ha dukket opp.

primitive metoder.

De gamle pottemakerne brukte ikke ovner; de samlet tørkede lerkar i en liten haug og dekket dem med det brennbare materiale de hadde til rådighet: tre, trekull, børsteved, halm eller tørr møkk. Blant de primitive kommunale stammene i Afrika og Nord- og Sør-Amerika, fortsetter denne praksisen til i dag. Siden temperaturen på haugen med potter varierer og noen av dem ikke varmes opp for å sintre leiren, gir denne typen brenning ujevne resultater og er årsaken til at keramikken er ubrukelig. Når ubakte gryter er fylt med vann, blir de bløtlagt og blir tilbake til myk leire. Fargen på denne keramikken er uforutsigbar, siden noen områder er fullstendig oksidert, og noen er mye mindre. Derfor er noen produkter brunrøde, mens andre er gråaktige eller svarte.

Bake.

Dette er et spesialbygget keramikkfyringskammer som lar keramikeren ha bedre kontroll over prosessen enn ved fyring på åpen ild. Vanligvis er brennkammeret atskilt fra stedet der oppvasken er plassert. Det finnes åpninger for kontroll av brann, plassering og flytting av produkter, overvåking av fyring og justering av lufttrekk i ovnen.

På det første trinnet av brenningen fjernes fuktighet gradvis fra leiren. Fyringen utføres sakte for å unngå oppsprekking av produkter. Når temperaturen når 600°C er leiren fullstendig dehydrert. Den får en jevn rød farge og et skjørt, porøst og absorberende (sugedyktig) skår. Under den andre brenningen, etter innglassing, når temperaturen 600–900 ° C. Hvis luft kommer fritt inn i ovnen under brenningen, oksideres leiren og alle karbonholdige stoffer fjernes. Hvis det ikke er luft i ovnen, vil leireskåren være svart, "restaurert".

Innredning.

Det er tre typer dekor: underglasur, overglasur og overglasur. Glasurer er glatte glassaktige belegg laget av blandinger av uorganiske stoffer som bly, flint, feltspat eller kalk.

Underglasur dekor.

Som navnet tilsier, påføres underglasurdekorasjonen produktet før det belegges med en gjennomsiktig glasur. Maling er laget ved hjelp av oksider av kobolt, nikkel, krom, mangan, jern, etc., som gir ønsket farge til glasuren. Oksider blandes med stoffer som må smeltes i etterfølgende varmbehandling, og binder seg dermed til skjæret. Dekoren påføres ved håndmaling, overføring av motivet ved hjelp av dekalmetoden, silketrykk (dvs. bruk av silkenett som sjablong) eller spraying av maling gjennom andre typer sjablonger. Dekormetoden, kalt sgraffito, består i at hele overflaten av produktet males over med en engobe (flytende leirebelegg) av en annen farge enn selve produktet, og deretter skrapes det tiltenkte mønsteret gjennom dette belegget. Underglasurdekoren er ekstremt slitesterk, da den er beskyttet mot slitasje og kjemisk angrep fra glasuren som dekker den.

Glasert dekor.

Denne utbredte typen dekorasjon dekker ganske enkelt gjenstanden med farget glasur. Det er ganske vanskelig å lage klare konturer av designet med selve glasuren på grunn av det faktum at glasuren smelter og sprer seg under brenningsprosessen. Imidlertid skaper overlegget av glasurer i forskjellige farger, som noe flokkes sammen under brenning, interessante dekorative effekter.

Overglasur dekor.

I dette tilfellet påføres pigmenter, sammensatt av fargeoksider og metalliske restmaterialer, over den brente glasuren. Siden overglasurmalinger brennes ved ganske lave temperaturer (700-870°C), kan det brukes mange fargestoffer som ikke tåler de høyere temperaturene som kreves for underglasurbrenning. Metalldekor består enten av metallsalter eller meget fine metallpartikler med en slags bindemiddel som danner en konsistens som egner seg for maling eller silketrykk. Under brenningsprosessen fordamper bindemidlet og etterlater en metallfilm på overflaten av produktet. Hvis denne filmen er veldig tynn, er ikke metallpartiklene så mye metalliske som perleskimrende; et slikt belegg kalles en lysekrone. Fargen på lysekronen kan variere ved å bruke forskjellige metaller. Hvis pigmentet påføres i et tykkere lag, oppnås en strålende metallisk overflate, som vanligvis oppnås ved bruk av gull, sølv og platina. Pigment som inneholder sprøytede metallpartikler påføres vanligvis i et ganske tykt lag ved hjelp av silketrykkmetoden, slik at den mest holdbare metalldekorasjonen oppnås. Siden overflaten på slike produkter er matt etter brenning, bør de poleres.

TERRACOTTA; artikler om keramikk i verdens land.

Keramikk (gresk - keramikk, fra ordet keramos - leire) er produkter som lages ved sintring av leire og blandinger av leire med mineralske tilsetningsstoffer. Keramikk er vanlig i hverdagen (fat, keramiske figurer, vaser, malerier), det brukes i konstruksjon, i kunst. De viktigste typene keramikk kan skilles: terrakotta, majolica, fajanse, porselen.

Keramikkens historie er variert og veldig interessant. Når en person lærte å behandle leire, begynte han å lage retter. Alle keramiske produkter er laget av leire, men av forskjellige typer leire, med forskjellige tilsetningsstoffer, det er derfor de ser så forskjellige ut. Siden antikken har mennesket laget keramikk, kunstverk, retter. Mange bemerkelsesverdige funn ble gjort i utviklingen av kunstnerisk keramikk. Folk eksperimenterte med varianter av leire og urenheter, med metoder for støping og brenning, og dekorere produkter. I et forsøk på å oppnå tynn, vakker, slitesterk keramikk, gjorde produsenter fra forskjellige land lignende oppfinnelser.

Hemmeligheten bak fajanseproduksjon, kjent for mesterne i det gamle Egypt på 1400-tallet. f.Kr e. ble senere gjenoppfunnet i 3-4 århundrer i Kina. På 1700-tallet oppdaget europeere hemmeligheten bak porselen, allerede kjent for kinesiske håndverkere siden 600-tallet. Keramikkmestre fra England og Frankrike skapte sine egne varianter av porselen, for eksempel mykt porselen eller benporselen. Kontinuiteten til tradisjoner innen produksjon av keramikk er synlig i keramikkens historie, som alltid har vært assosiert med husflid.

Begrep "keramikk" kommer fra det greske ordet "keramos", som betyr leire. keramikk kalt produkter laget av leire med ulike tilsetningsstoffer og brent til en steinlignende tilstand. Som et resultat av varmebehandling får keramikk brannmotstand, kjemisk motstand og en rekke andre egenskaper som bestemmer dens utbredte bruk i ulike sektorer av den nasjonale økonomien. Blant alle kjente materialer, når det gjelder helheten av fysisk-kjemiske, mekaniske, kunstneriske og estetiske egenskaper, har keramikk ingen like.

Fra eldgamle tider til i dag opptar keramiske produkter en av de ledende stedene innen kunst og håndverk til alle folkeslag i verden. Mange mesterverk av keramisk håndverk er oppbevart i museene i forskjellige land.Fra primitive fartøy laget for hånd og avfyrt på bålet, til produkter laget på grunnlag av de siste prestasjonene innen moderne vitenskap; fra grov murstein til tynt gjennomsiktig porselen - dette er måten å utvikle keramikk på.

Historie om keramikk

Keramikkproduksjon er en av de eldste på jorden. Tilstedeværelsen av et lett tilgjengelig materiale - leire førte til den tidlige og nesten universelle utviklingen av keramisk håndverk. Arkeologiske utgravninger utført i mange land i Europa, Asia, Afrika, Amerika gir omfattende materiale for å studere dette mest interessante området for menneskelig kreativ aktivitet. Keramisk håndverk oppsto helt i begynnelsen av menneskets historie, i perioden med det primitive kommunale systemet. Som vist av arkeologiske data, tilbake i mesolittisk (middelsteinalder) for 15-12 tusen år siden, fikk den allerede i yngre steinalder (ny steinalder) en utviklet karakter.

Opprinnelig den viktigste typen keramiske produkter det var tykkveggede kar med porøs skjær, rund eller konisk bunn (som ga stabilitet ved installasjon i bakken). De ble støpt for hånd ved å bygge opp individuelle leirebunter (ved å bruke støpemetoden). Knust skjell og knust granitt ble tilsatt leiren for at den ikke skulle sprekke under brenningen. De større karene ble brukt til matlaging, de mindre tilsynelatende til spising. Steinaldergjenstander ble først brent på bål (sannsynlig brenntemperatur 800...900°C), senere dukket det opp spesielle ovner. I følge en rekke fingeravtrykk ble det slått fast at de eldste keramiske karene ble laget av kvinner.

Under senneolitikum og eneolitikum(kobberalder) - 4 ... 2 tusen f.Kr. e. - former for kar (mugger, boller, boller) blir mer mangfoldige; små, betinget løste skulpturer av mennesker og dyr dukker opp. De fleste av karene har allerede en flat bunn, noe som indikerer spredningen av et flatt bord og en flat ovnsovn, dvs. overvekt av en fast livsstil. Samtidig begynner keramiske produkter å dekorere ornament. Man kan spore utviklingen av ornamentet fra de enkleste mønstrene av den såkalte pit-comb-typen, ekstrudert med et stempel og en spiss, som dekker hele den ytre overflaten av karene i forskjellige kombinasjoner, til mye mer mangfoldige og kunstnerisk uttrykksfulle malerier , bestående av rytmisk vekslende spiralkrøller, konsentriske sirkler, bølgete linjer, mesh- og sjakkmønstre osv. Mønstre var ofte flerfarget, kombinasjoner av rødt, hvitt, svart og andre farger ble brukt.

Noen ganger, sammen med geometriske former, ble det gitt veldig betingede bilder av mennesker og dyr. Arkeologiske og etnografiske studier viser at primitive ornamenter ble utstyrt med magisk betydning; de var basert på en konvensjonelt skjematisk overføring av naturfenomener (for eksempel sikksakklinjer og sigdformede skilt på gamle kinesiske kar av Yangshao-kulturen betegnet lyn og månen, det var tegn på sol, vann, etc.). Gradvis, etter hvert som magiske ideer ble svekket, ble den opprinnelige betydningen av dekorative former glemt og de ble mer og mer til dekorative motiver. Lignende malte gjenstander (den såkalte malte keramikken) ble funnet på et stort territorium, inkludert en rekke Balkan-land og de sørvestlige regionene i landet vårt (Trypillian-kulturen), Middelhavet, Midtøsten, Sentral-Asia og Kina.

I hvert av disse områdene hadde keramikk sine egne lokale, lokale særtrekk. Et slående eksempel på datidens keramiske håndverk er kar og små skulpturer som tilhører Trypillia-kulturen. Trypillya-håndverkskvinner visste hvordan de skulle elutriate leire, produktene ble dyktig støpt for hånd, uten pottemakerhjulet, som dukket opp senere. Mer enn 20 typer keramikk er kjent, laget av lokale leire; kar fra en tynn rosa masse skiller seg ut - kanner med smal hals, dype skåler, doble kar som ligner kikkert i form - oftest malt med hvit, svart og rød maling fra finmalte, naturlig fargede leire. Motivene til sirkelen og spiralen dominerer i ornamentet, som muligens betegnet solen, æret som kilden til livets velsignelser. Ved å variere disse enkle motivene manifesteres stor oppfinnsomhet og høy dyktighet.

I Trypillia-boplassene ble det også funnet mange små skulpturer med et meget karakteristisk utseende - med luftig hår, kroket nese, konvensjonelt overførte former og proporsjoner; noen av dem har spor etter rød okermaling. Mest sannsynlig er dette et bilde av den eldste kvinnelige guddommen - den forfedres mor. Keramikk fra mange andre regioner på den tiden er også interessant og original. Fartøyer fra Vest-Asia, den såkalte Obeid-perioden, for eksempel, støpt av tynn, gulgrønn leire, ble dekorert med svært elegante brunrøde malerier som passet perfekt til tingens form og utforming (det berømte karet fra Susa med et dekorativt bilde av dyr).

Dermed nådde keramiske produkter allerede i den primitive perioden et stort kunstnerisk uttrykk. Avhengig av formålet, utviklet forskjellige typer fartøy. Krateren hadde vid munn, den var beregnet på å blande vin med vann; kilik - en flat skål med to håndtak - de drakk vin fra den; en slank, liten, langstrakt le-kief med ett håndtak var beregnet på oppbevaring av olje under begravelsesseremonier. Mest kjent for sine ekstremt harmoniske og edle proporsjoner slank amfora- en vase med to høye håndtak, beregnet for oppbevaring av olje og vin.

Hver type vase samsvarte med formålet, reflekterte det vitale behovet. Samtidig var formene og innredningen godt gjennomtenkt, tatt i betraktning de plastiske egenskapene til selve materialet, leire. Massen for fremstilling av greske vaser, først brun og grov, blir senere finere, hardere og klarere, rød eller gulaktig i fargen. Støpeteknikken nådde noen ganger virtuositet, selve veggmaleriene er unikt originale. I ingen annen periode oppnådde brukskunst en så fantastisk kombinasjon av åndelig vitalitet og dekorativitet. Det humanistiske verdensbildet til de gamle hellenerne, basert på en dyp interesse for den jordiske verden, for en virkelig person, fant sitt levende uttrykk i vasemaleri.

Vasemalere med stor frihet og observasjon reproduserte en rekke scener fra det virkelige liv og mytologi, viste respektfullt arbeidet til håndverkere (verkstedet til en keramiker, skulptør, etc.). Menneskefigurer inntok hovedplassen i komposisjonene, skjønnheten og betydningen til den jordiske personen ble understreket i levende og konkrete bilder. Disse livsviktig naturlige bildene var uløselig knyttet til tingens form, og understreket dens arkitektoniske skjønnhet. På avstand ga de inntrykk av vakre, rytmisk konstruerte komposisjoner med jevnt buede linjer og silhuetter. Maleriene ble supplert med dekorative motiver, blant annet palmette og meander.

Allment kjent i lang tid små terrakottaskulpturer, funnet under utgravninger i nesten alle antikke greske byer og representerer de mest interessante eksemplene på liten plast. Hovedsenteret for produksjonen deres var Tanagra. Et favorittmotiv var bildet av en ung gresk kvinne, fylt med subtil poesi. Figurene til unge dansere var spesielt grasiøse. De fleste figurene ble skulpturert i former, hvoretter de ble kuttet for hånd. Denne fremstillingsmetoden gjorde det mulig å variere lignende løsninger. Når de ble ferdigstilt for hånd, gjaldt endringene tilt eller dreining av hodet, bevegelsen av hendene, detaljene i frisyren og klærne osv. Det var ikke uvanlig at klær ble farget blått, rosa eller hvitt, hårrødt eller brun, ansiktet og de nakne delene av figuren var myke kjøttfarger.

Keramikk tilhører menneskets eldste kreasjoner, født av hans vitale behov. I primitive tider ble produksjonen utelukkende bestemt av fordelsfaktorene. Det var ingen kreative ideer i begynnelsen. Antikkens høyt utviklede kulturer har imidlertid allerede kommet med meget klare krav på dette området, som blir stadig sterkere med tiden. De eksperimenterte ikke bare med tanke på teknologi, men tok bevisst hensyn til den kunstneriske verdien av produktet. Kvaliteten på skjæret ble forbedret, og samtidig vokste ønsket om å utvikle mer mangfoldige former, og å gjøre utformingen av den ytre overflaten rikere. Så til slutt blir keramikk et objekt for kunstnerisk kreativitet, og dens lyse historie begynner, stadig rettet mot høyere mål.

Uttrykket "keramikk" skal spores tilbake til det greske ordet for keramikk, hvorfra det greske ordet keramos - keramikk kommer. Keramikk er derfor forstått å være slike produkter som leire (i tilfelle av kaolin), blandet med feltspat, kvarts eller kalk, tjener som hovedråstoff. Disse råvarene blandes og bearbeides til en masse som enten er frihånds- eller dreieskiveformet og deretter brent.

Separate typer keramikk ble dannet gradvis etter hvert som produksjonsprosessene ble forbedret, forskjellig avhengig av de pedagogiske egenskapene til skåren og glødevarmen. De fleste av dem holdes fortsatt den dag i dag. Den eldste arten er et vanlig keramikkprodukt med et jordnært, farget og porøst skår. Dette inkluderer, i ett tilfelle, typisk husholdningskeramikk, og i et annet inkluderer denne kategorien slike produkter som ble foredlet på forskjellige måter - stempling og gravering (for eksempel Bucchero nero), et tynt overflatelag (gresk keramikk og romersk Terra - sigillata ), farget glasur ("Hafnerkeramikk" fra renessansen). Opprinnelig ble keramikk støpt for hånd. Oppfinnelsen av pottemakerhjulet i det tredje årtusen f.Kr. var et stort fremskritt, og tillot fremstilling av tallerkener med mye tynnere vegger. For andre typer retter, som tallerkener, ble det tatt maler for å gjøre formen så proporsjonal som mulig.

I likhet med porselen, glass og andre brekkbare materialer, bør keramikk oppbevares i en montre og beskyttes mot støv. For vask er det best å ta en plastkum, eller dekke bunnen av kummen med en myk klut for ikke å skade produktene. Overlat reparasjonen av den skadede gjenstanden til en spesialist. Som regel finner du på bunnen av fajanse og fine fajanseprodukter et fabrikkmerke, i henhold til hvilket du kan fastslå tid og sted for opprinnelsen. På fajanse ble disse stemplene oftest utført med ildfast maling (blå, mangan eller svart), på annen keramikk ble de innstøpt eller påtrykt. Men ikke i alle tilfeller er dette nettopp manufakturmerker, noen ganger - spesielt på fajanse - er dette monogrammet til en maler, dreier eller skulptør.

I tillegg til merket er det derfor nødvendig å ta hensyn til utførelsesmetoden, formen, fargen på glasuren, og sist men ikke minst, stilen på innredningen. En av de mest pålitelige og populære guidene for å identifisere porselens- og keramikkmerker den dag i dag er Gresse-Jenikke-Zimmermann. For en sikker klassifisering av keramiske produkter er det nødvendig med mange års erfaring, men selv dette sparer ikke alltid fra misoppfatninger. Den store etterspørselen etter gammelt keramikk førte til fremveksten av både imitasjoner og forfalskninger. I det første tilfellet snakker vi ikke om svik - produsentene møtte rett og slett ønsket til kjøperen, hvis smak, spesielt i andre halvdel av 1800-tallet, ble dannet under sterk påvirkning av historiserende trender. Innenfor keramikk satte historismen også sine spor: Det var Westervelds steintøy som ble mest etterlignet. Imitasjoner på et øyeblikk kan identifiseres som produkter fra XIX århundre.

Mye farligere enn forfalskninger designet for å direkte lure samleren, selv om graden av forfalskning kan være annerledes. I noen tilfeller er dette en maskering av lappene, og her skjer det, spesielt med den gamle metoden for restaurering, at retusjeringen eller det nye maleriet vesentlig overstiger den lappede eller supplerte delen, og skjuler også en del av det originale maleriet. Slik påfylling kan fjernes forsiktig. I andre tilfeller legges et keramikkstykke og males så dyktig at det hele ser ut som en godt bevart gammel ting. For å heve prisen på opprinnelig umerkede eksempler, ble de ofte utstyrt med et produsentmerke med tilbakevirkende kraft, noe som er teknisk enkelt å gjøre og vanskelig å gjenkjenne.

Det farligste er slike forfalskninger når det i ettertid males umalt fajanse, hvis skår ikke vekker noen mistanke. Hvis vi snakker om moderne forfalskninger, hvis produksjon er utarbeidet med nødvendig kunnskap om stil og teknologi, er det ofte umulig å bevise forfalskningen, og du må stole på intuisjonen din.

På slutten av 1500-tallet fant majolica veien til Europa. Med et porøst skår laget av jern og kalk, men samtidig hvit fajansemasse eller flisleire, er den dekket med to glasurer: en ugjennomsiktig, med tinninnhold, og en gjennomsiktig, skinnende blyglasur. Majolica kommer fra de transalpine landene og kalles fajanse. Dekoren ble malt på majolica på våt glasur før produktet ble brent ved en temperatur på ca. 1000 °C. Maling for maling ble tatt av samme kjemiske sammensetning som glasuren, men deres vesentlige del var slike metalloksider som kunne tåle høy varme (de såkalte ildfaste malingene - blå, grønn, gul og lilla). Først fra 1700-tallet vendte de seg til de såkalte muffelmalingene, som ble påført den allerede brente glasuren, og med deres hjelp, spesielt på porselen, oppnår de eksepsjonelle resultater.

På 1500-tallet spredte produksjonen av steinredskaper seg i Tyskland. Hvit (for eksempel i Siegburg) eller malt (for eksempel i Rehren), dens svært tette skår består av leire blandet med feltspat og andre stoffer. Brent ved en temperatur på 1200 - 1280 ° C, er steintøy veldig hardt og nesten ikke-porøst. I Holland, etter modell av kinesisk keramikk, begynte de å produsere den i rødt, og steintøyet til Bötger avslører samme funksjon.

En veldig uvanlig type steintøy ble laget av Wedgwood i England. Fint keramikk, som en spesiell type keramikk, ble født i England i første halvdel av 1700-tallet med et hvitt porøst skår dekket med hvit glasur; avhengig av styrken på skåret er det delt inn i myk tynn fajanse med høy kalkinnhold, middels - med lavere kalkinnhold og hard - helt uten varsel. Denne siste i sammensetning og styrke av skåren ligner ofte på steintøy eller porselen.

Fra den klassiske skjønnheten til greske vaser og den robuste enkelheten til middelalderkeramikk til elegansen til klassisk porselen, fra 1800-tallets overflod til blomstringen av kunstnerisk keramikk og jugendstil, er keramikkens historie like rik og variert som menneskelig kultur seg selv. Tusenvis av kjente og ukjente håndverkere investerte talentet sitt i menneskehetens favorittmateriale - leire. I hjertet av hele den ufattelige variasjonen av porselen og keramiske produkter er leire - forskjellige varianter med tilsetning av forskjellige stoffer, noen ganger bare en (potaske), noen ganger dusinvis.

Historien om keramikk og porselen - historien om veksten av håndverk, historien om oppdagelser. Noen teknikker ble oppdaget ved en ren tilfeldighet, over tid dukket det opp nye farger på emaljer og glasurer, nye maleteknikker. Keramikk og porselen er en av de mest elskede samleobjektene, og gir en mulighet til å ta en fascinerende reise inn i historien. Keramikk, på grunn av den enkle produksjonen, har fulgt mennesket siden antikken. Til å begynne med ble leireprodukter ganske enkelt skulpturert for hånd eller rullet ut i form av bunter, lagt dem i form av en gryte og tørket i solen. Omtrent 6000 år f.Kr. det dukket opp ovner hvor det ble fyrt ferdige produkter.

Noen eldgamle sivilisasjoner avanserte mye lenger i keramikkkunsten enn andre: den uovertrufne skjønnheten til former og mønstre kjennetegnes av gresk keramikk, som er kjent ikke bare for elegansen til former, men først og fremst for malerier. Tusen kilometer fra Hellas gikk en annen stor sivilisasjon i antikken, kineserne, sine egne veier. Under Shang-dynastiet (1766-1122 f.Kr.) brukte kineserne allerede pottemakerhjulet, glasurer og forseggjorte ovner. Kinesisk keramikk og porselen overrasker med et uendelig utvalg av stiler og farger.

Varene fra Yuan-tiden minner om kunstkeramikken som ble funnet på peishyllen til et edvardiansk britisk hjem. Dyrefigurene fra Ming-tiden, lyse og saftige i fargen, minner litt om Art Deco. Noen monokrome produkter kan sammenlignes i sin foredling av farger og former med den kunstneriske keramikken til minimalistene på 1900-tallet. Kineserne oppnådde den høyeste ferdigheten i teknikken til emaljemalerier. Denne teknikken, som dukket opp rundt 1200, gjorde det mulig å oppnå ekstrem presisjon og subtilitet i overglasurmaling. Opprinnelig ble røde, gule og grønne pigmenter brukt, deretter ble svarte og brune tilsatt dem. Det virker umulig å forestille seg noen teknologi innen keramikk, hvor kineserne ikke var de første. Ved å tilsette en tinnblanding til den gjennomsiktige blyglasuren, var de i stand til å male produktene hvite, over hvilke tegninger av hvilken som helst farge kunne påføres. Denne teknikken, senere kalt majolica, spredte seg gjennom Persia og Midtøsten til mauriske Spania, og derfra over hele Europa.

Keramikken i Midtøsten er også ulik europeisk og kinesisk, og det samme er språkene i disse regionene; fat og store fliser var rikt malt, bilder av fugler, blomster og dyr ble flettet sammen med sitater fra Koranen. Porselenproduksjonsteknologi kom til Japan fra Kina gjennom Korea, og siden det ikke er overraskende, lå japanerne etter kineserne på dette området, selv om de var langt foran europeerne. Sammenlignet med luksuriøst, elegant kinesisk og japansk porselen virker europeisk middelalderkeramikk grov og ubestemmelig;

I 1689 ble det utstedt et kongelig edikt i Frankrike som beordret alle gull- og sølvredskaper til å smeltes om til mynter. Etterspørselen etter keramisk servise av høy kvalitet har skutt i været majolikavarer erstattet sølv på adelens bord. Blå-hvitt porselen hentet fra Kina fungerte som modell for masseimitasjon. I det XVIII århundre. Porselen ble importert til Europa i enorme mengder, som talte i millioner, og nesten alltid var det "klassisk" blå-hvitt porselen.

Noen produkter var et resultat av "samproduksjon" - for eksempel ble engelskprodusert porselen sendt til Kina for maling, og kinesiskproduserte tallerkener og fat ble dekorert med forgylling i England. Siden 1753 har "kjeks" uglasert porselen blitt produsert i Sevres, som minner om marmor i tekstur, som viste seg å være et ideelt materiale for å lage figurer. Den kremete mykheten til Sèvres-produktene forblir uovertruffen.

Keramikk og porselen tilsvarer stilen til æraen de ble opprettet. Mellom 1860 og 1870. i keramikk (som i alle typer kunst og håndverk) var det et opprør mot stilene fra tidligere epoker. Håndverk, jakten på egen stil og nye former, ble aktuelt igjen, og kunstnerisk keramikk dukket opp. I 1925 ble det holdt en stor internasjonal utstilling i Paris, som satte fart på blomstringen av en ny stil, der alle slags kunst til alle tider og folk flettet sammen. Vi kan si at mottoet for Art Deco-keramikk var "munterhet og billighet."

Den andre verdenskrig endret alt - i løpet av utilitarismens periode ble keramikk enkel og ekstremt funksjonell. I vår tid har keramikk fått en "andre fødsel" - det er etterspurt igjen, Keramikk tilhører menneskets eldste kreasjoner, født fra hans vitale behov. I primitive tider ble produksjonen utelukkende bestemt av fordelsfaktorene. Det var ingen kreative ideer i begynnelsen. Antikkens høyt utviklede kulturer har imidlertid allerede kommet med meget klare krav på dette området, som blir stadig sterkere med tiden. De eksperimenterte ikke bare med tanke på teknologi, men tok bevisst hensyn til den kunstneriske verdien av produktet. Kvaliteten på skjæret ble forbedret, og samtidig vokste ønsket om å utvikle mer mangfoldige former og å gjøre utformingen av den ytre overflaten rikere. Så til slutt blir keramikk et objekt for kunstnerisk kreativitet, og dens lyse historie begynner, stadig rettet mot høyere mål. Uttrykket "keramikk" skal spores tilbake til det greske ordet for keramikk, som det greske ordet keramos, keramikk, kommer fra. Med keramikk forstås derfor slike produkter som leire (i tilfelle av kaolin), blandet med feltspat, kvarts eller kalk, tjener som hovedråstoff. Disse råvarene blandes og bearbeides til en masse, som enten er frihånds- eller dreieskiveformet og deretter brent.

Separate typer keramikk ble dannet gradvis, med forbedring av produksjonsprosesser, forskjellig avhengig av de pedagogiske egenskapene til skåren og glødende varme. De fleste av dem er beholdt til i dag. Den eldste arten er et vanlig keramikkprodukt med et jordnært, farget og porøst skår. Dette inkluderer, i ett tilfelle, typisk husholdningskeramikk, og i et annet inkluderer denne kategorien slike produkter som ble foredlet på forskjellige måter - stempling og gravering (for eksempel Bucchero nero), et tynt overflatelag (gresk keramikk og romersk Terra-sigillata ), farget glasur ("hafnerkeramikk" fra renessansen). På slutten av 1500-tallet fant majolica veien til Europa. Den har et porøst skår laget av jern og kalk som samtidig inneholder hvit fajansemasse eller flisleire, og er dekket med to glasurer: en ugjennomsiktig, med tinninnhold, og en gjennomsiktig, skinnende blyglasur. Majolica kommer fra de transalpine landene og kalles fajanse. Dekoren ble malt på majolica på våt glasur før produktet ble brent ved en temperatur på ca. 1000 °C. Maling for maling ble tatt av samme kjemiske sammensetning som glasuren, men deres vesentlige del var slike metalloksider som kunne tåle høy varme (de såkalte ildfaste malingene - blå, grønn, gul og lilla). Først siden 1700-tallet har de vendt seg til de såkalte muffelmalingene, som har skrått på den allerede brente glasuren, og med deres hjelp, spesielt på porselen, oppnår de eksepsjonelle resultater.

På 1500-tallet sprer produksjonen av steintøy seg til Tyskland. Hvit (for eksempel i Siegburg) eller malt (for eksempel i Reren), en veldig tett skår av den består av leire blandet med feltspat, kvarts, ildleire og andre stoffer. Brent ved en temperatur på 1200-1280°C, er steintøy veldig hardt og nesten ikke-porøst. I Holland, som et eksempel på kinesisk keramikk, begynte de å produsere det i rødt, og det samme trekket finnes i Bötgers steintøy. En veldig uvanlig type steintøy ble laget av Wedgwood i England. Fin fajanse som en spesiell type keramikk ble født i England i det første teppet på 1700-tallet. Med et hvitt porøst skår dekket med hvit glasur, avhengig av styrken på skjæret, deles det i myk tynn fajanse med høyt kalkinnhold, middels - med lavere innhold av det og hardt, uten kalk i det hele tatt. Denne siste i sammensetning og styrke av skåren ligner ofte på steintøy eller porselen. Opprinnelig ble keramikk støpt for hånd. Oppfinnelsen av keramikerhjulet i det 3. årtusen f.Kr. var et stort fremskritt, som gjorde det mulig å lage mye tynnere keramikk. For andre typer retter, som tallerkener, ble det tatt maler for å gjøre formen så proporsjonal som mulig.

Teknikken for keramisk produksjon har lenge vært kjent for folk. I ingen annen gren av håndverket er historien til menneskelig dyktighet så systematisk reflektert som i keramikk. Keramikk påvirkes ikke som andre materialer som glass, tre, metall og tekstiler; atmosfæriske påvirkninger og keramiske produkter har derfor gått ned til deg fra alle tidsepoker.

Allerede på 700-tallet f.Kr. keramikk figurerte fremtredende i det som bærer navnet på gresk kunst. Her er to grunnleggende forutsetninger for kunstnerisk håndverk kombinert i harmonisk enhet – håndverket og det kunstneriske øyeblikket. Som et resultat på den ene siden av et høyt teknisk produksjonsnivå, og på den annen side av den kunstneriske takten som den ble utført med, finner denne enheten sitt uttrykk i hensiktsmessigheten av produktenes form og måten. de er dekorert. Det gjennomgående høye nivået var basert både på rik produksjonserfaring og på sin side på en velutviklet arbeidsdeling med en rekke spesialiserte arbeidsprosesser. Produktene var ment for en lang rekke formål - det var representative, votive og husholdningsartikler - formålet her påvirket kvaliteten. Hvis de mesterlige verkene til gresk vasemaleri i hovedsak er det eneste som er igjen av gresk maleri generelt, så indikerer mange ganske middelmådige - spesielt senere - keramiske produkter et bredt spekter av forbrukere.

Gresk keramikk ble laget av godt elutriated leire, dekket med en veldig tynn engobe på den ytre overflaten. Smykker ble malt med den såkalte lysekronen, det vil si med aluminamaling, som, som et resultat av fysiske prosesser under avfyring, fikk en strålende svart farge. Med stilen til dette maleriet kan en eller annen periode med gresk keramitt skilles. Jordsmonnet som de greske stammene var basert på etter deres bosetting i Hellas, var to store sivilisasjoner i det 2. årtusen f.Kr. e., øy - Kreta og kontinental - Mykene. Begge ble preget av et høyt teknisk og kunstnerisk nivå av keramisk produksjon. Basert på erfaringene fra mykensk kultur, grekerne i perioden fra det 10. til det 8. århundre f.Kr. e. utviklet en stil som allerede bar korn av fremtidens klassiske greske kunst. I henhold til typen innredning kalles denne perioden geometrisk (og i stedet for det største funnet - i Athen - perioden med Dipylon-stilen). Formmønsteret ble understreket av det båndlignende rytmiske arrangementet av geometriske motiver, inkludert i denne geometriske serien motiver lånt fra naturen, og til og med menneskelige figurer. Med dannelsen av greske bosetninger på øyene og i Lilleasia kommer nye mønstre og nye impulser, denne gangen fra egyptisk og mesopotamisk kultur. Fra midten av 700-tallet til begynnelsen av 600-tallet f.Kr., i perioden med den såkalte orientaliserende stilen med sentre i Korint og andre steder i den greske bosetningen, er vasedekorasjonsmaleri påvirket av orientalske komposisjonsskjemaer med motiver av dyr og planter.

Fra begynnelsen av det VI århundre f.Kr. i Attika begynte de å produsere de såkalte svartfigursvasene, det vil si keramiske kar med glansmaling og ripede tegninger. Her avsløres tvert imot originale plott, som for eksempel bedriftene til homeriske helter, Herkules eller guder som Dionysos – arrangert på en båndlignende måte i form av scener, og samtidig valget av fartøy etter type øker (amforer, kanthara, kratere, etc.) osv.). Vi kjenner til og med noen keramikere eller vasemalere ved navnene de signerte produktene sine med. Småskala malt votivskulptur dateres tilbake til samme tid. Ved slutten av det VI århundre f.Kr. det er en endring i kunstnerisk tilnærming og smak. Den ytre overflaten av karene er nå fullstendig dekket med svart maling - bare konturene til figurene ble stående umalt - og detaljene tegnes deretter med en tynn pensel. De såkalte rødfigurvasene dateres allerede tilbake til den klassiske perioden av gresk kunst, og samtidig den såkalte hvite lekythos, det vil si kar dekket med et lag med hvitt belegg - en engobe - og dekorert med rødt eller svart maleri, for det meste knyttet til æren for de døde. De ble produsert i verkstedene i Attika fra midten av 500-tallet f.Kr.

I det IV århundre f.Kr. de høye temaene fra forrige periode forsvinner, og grasiøse dukker opp i deres plass, inkludert her temaene om liten plastisitet, som kommer til uttrykk i kvinnefigurene i jenter. I følge et av de største produksjonssentrene bærer denne plasten navnet Tanagra-figurer; i tillegg ble den produsert i de greske koloniene Italia, Lilleasia og på øya Rhodos. Det velkjente senteret, sammen med Tanagra, var Mirina i Lilleasia. I det IV århundre f.Kr. sentrum for kunstnerisk utvikling fra de økonomisk svekkede byene i den greske metropolen flytter til de greske koloniene (Apulia, Campania og Lucania i Italia) og til den nordlige Svartehavsregionen (Pantikapeum på Krim). På begge disse områdene, selv om tendensen til den røde figurstilen fortsatte å utvikle seg i prinsippet, men med en betydelig forskjell i emnet. I Panticapaeum er det nettopp forsøkene på en dramatisk gruppering av scener lånt fra innfødte heltefortellinger, for ikke å snakke om utvidelsen av fargeskalaen, som ofte fører til at den glatte overflaten av fartøyet smelter sammen med malte relieffer. Italia, tvert imot, på grunn av kjærligheten til luksus som råder der, - er det noe manerisme. De såkalte teatervasene fra Puglia er kjent, som hele kroppen er prikket med grupper rundt ett sentralt bilde. Den originale lokale produksjonen – etruskernes svarte keramikk – med sin glatte ytre overflate og plast- eller perforerte dekor, ofte påvirket av etterbehandling av metallprodukter, vitner om godt håndverk. Dette produktet, kalt "Bucchero nero", ble produsert i perioden 6.-4. århundre f.Kr.

Fra det tredje århundre f.Kr. i stedet for scener begynte stiliserte mønstre på svart bakgrunn å tjene som dekorasjon. En rekke farger (hvit, gul, rød), et lite mønster og lyse former som i økende grad påvirkes av metallkar bidro til første halvdel av det 3. århundre f.Kr. den spesielle populariteten til disse Gnafian-varene, oppkalt etter stedet for deres største funn. I mellomtiden dukker det opp typiske tegn på romersk kunst, og med utvidelsen av Romerriket ble kulturen ytterligere spredt.I det 1. århundre f.Kr. Her ble keramikk beriket med et helt nytt utseende, nemlig rød keramikk med engobe og en skinnende ytre overflate. Utstyrt ofte med keramikermerket, ble den derfor kalt "Terra sigillata". Innredningen er oftest et relieff presset inn i en modell. Dette keramikken ble produsert både i Arezzo, nær dagens Firenze, og i andre deler av imperiet, for eksempel i Gallia og på øya Samos. Når det gjelder produkter presset i former. da er en betydelig gruppe av dem dannet av små lamper, hovedsakelig fra keiseres tid.

Med Romerrikets fall var det ingen forutsetninger for videre kulturell utvikling. Denne situasjonen varte i flere århundrer, og når et nytt oppsving av kreative krefter gradvis setter inn, viser andre grener av håndverket seg å være bærere av den kunstneriske ideen. Keramikk finner seg igjen i Europa først i den romanske epoken, selv om fra et kunstnerisk synspunkt forble hverdagskeramikk et middelmådig produkt i lang tid, selv om det fra og med 1300-tallet i økende grad ble gjort forsøk på å takle det dekorative utforming av ytre overflate. . Et bevis på dette er det edle inntrykket av dekorasjonen med gotiske bokstaver, skrevet i et stripemønster; Men verdien av denne keramikken ligger snarere i dokumentaren enn i kunstnerskapet. Mye mer betydningsfull i denne forbindelse er arkitektonisk keramikk, hvis produksjon over et stort område begynner i Europa så tidlig som på 1000-tallet. Fra slott, klostre, så vel som enkeltkirker, har frontfliser og fliser kommet ned til oss, fra 1100-tallet - allerede med figurerte i ornamentale relieffmotiver, og delvis til og med med ensfarget glasur. På 1400-tallet tok keramikkproduksjonen en ganske stor skala, og dekket andre produksjonsområder og nærmet seg allerede kunstnerisk kreativitet. Siden slutten av 1300-tallet har komfyrfliser dekorert med relieffer vært slik, i dekoren som - ornamenter, religiøse plott, motiver av heroiske legender eller scener fra livet - kommer fantasien om en folkekeramiker igjennom. Fra slutten av 1400-tallet til midten av 1500-tallet i Sentral-Europa finner man oftere grønn glasur, på 1500-tallet finner man til og med farget tinn-blyglasur på sengotiske kar.

Hvis vi husker produksjonen av foredlet keramikk, så mottar Sør-Europa de første impulsene for det, nemlig ved begynnelsen av 1200-tallet fra øst, hvor islams kultur klarte å omarbeide antikkens rike tradisjoner, spesielt i innen keramikk, som viser stor fremgang både teknisk og estetisk. Den enkleste produksjonsmetoden var å fore det porøse skjæret med et lag ugjennomsiktig alumina som grunnlag for en malt eller ripet paneldekorasjon (sgraffito) og, selv før brenning, dekke den med en tynn gjennomsiktig sing, vanligvis fargeløs, lett smeltende og med en skinnende blyglasur. Denne teknikken, kjent som semi-majolika, ble brakt til Sør-Europa fra Persia og Tyrkia av araberne på 1300-tallet, men den ble mye brukt på slutten av 1400- og begynnelsen av 1500-tallet i Nord-Italia, spesielt i verkstedene i Padua. , Bologna, Perugia og Citta di Castello. Men den teknisk mer krevende og kunstnerisk mer perfekte ekte majolikaen danner det høyeste nivået – med en ugjennomsiktig og skinnende tinn-bly-glasur og dekor fylt med ildfast maling. Og denne majolikaen kom til Europa gjennom arabiske handelsmenn, og middelhavshavnene spilte en spesielt viktig rolle her, og det kan godt hende at begrepet "majolica" kommer fra øya Mallorca, hovedsenteret for eksport av spansk-maurisk keramikk til Italia.

Italia. Produksjonen av ekte majolica var utbredt her allerede på midten av 1400-tallet. På den tiden brukte den florentinske billedhuggeren Luca della Robbia denne teknikken på store relieffer, og brukte, i tillegg til å male, farget glasur. I denne forbindelse forblir verkene til verkstedet hans de eneste, siden frem til siste fjerdedel av 1400-tallet var italiensk majolica generelt påvirket av spansk-maurisk keramikk, og lånte ikke bare former fra den, men også dekorasjonsmetoden. Den nådde imidlertid det tekniske nivået til modellen først da den gyldne lysekronen, så karakteristisk for spansk-maurisk keramikk, ble berømt i Italia. 1470-1500. Avgangen fra andres prøver og dannelsen av ens eget kunstneriske konsept finner sted i siste fjerdedel av 1500-tallet, da elementer fra den tidlige renessansen (granateplemønster, rosetter, akantus og palmetter, skjellende mønster, arabesker, bystebilder av menn) og kvinner i sin tids kostymer). Siden denne epoken utmerker seg ved en veldig presis ytelsesstil, holdt tilnavnet "streng stil" seg til det; sentrum av denne stilen var Faenza.

1500-1550. Fra begynnelsen av 1500-tallet ble produksjonen av majolica inkludert i den generelle strømmen av renessansekunst, og ble til slutt et fullverdig område med kreativitet. Funksjonen til majolica er i endring, og i forbindelse med dette endres også typene av dens former. På 1400-tallet, da den hovedsakelig tjente husholdningsformål, ble det hovedsakelig laget albarelli, kar for vin og vann og kanner. På 1500-tallet blir keramikk noe av en nødvendig luksus i interiøret i patrisierhus, hvor de rengjør festbordene, eller det spiller rollen som en verdifull gave. Den er basert på flate retter - tallerkener og retter, som er mer effektive enn andre kar, kan tjene til dekorasjon. Endringen i funksjon medførte en rekke tekniske prestasjoner, men enda mer oppmerksomhet ble viet til forsiktig bearbeiding av leire og støping, slik at proporsjonene til karene ble mer subtile og grasiøse. Kvaliteten på glasurer forbedres i sin tur, og dessuten både ugjennomsiktig, som fungerte som grunnlag for maling, tinnglasur, og toppen - fargeløs og gjennomsiktig glasur, som, når den ble brent, ga sin glans til overflaten av fartøyet . Jeg brukte fargede glasurer, nemlig lyseblå (smaltino) og mørkeblå (turchino).
Forbedringen av maleriet ved hjelp av den fargens gud og det store tematiske mangfoldet blir et spørsmål om kunstneriske ambisjoner. Innredningen var av så høy kvalitet at den ble omtalt som «vakker stil». Den når sitt høydepunkt i andre kvartal av 1500-tallet, og utvikler seg i forskjellige retninger.

Utsmykning er preget av utallige varianter av det groteske ornamentet, elsket i renessansen, alle verksteders felleseie. Samtidig er produktene til Castel Durante-verkstedene preget av originalitet, hvis vi husker på de bisarre grupperingene av figurer av mennesker og dyr, plassert symmetrisk over hele overflaten, på flere felt. Faenza utviklet på sin side lett ornamentikk med overveiende vegetabilske elementer, som palmetter og slike akantusskudd som endte i maskaroner eller delfinkropper, festonger, kranser og vaser. De skrev mest av alt på blå eller tofarget bakgrunn. Toppen av denne groteske stilen er representert i Faenza rundt 1525 av produktene til Casa Pirotta (verksted for Pirotti-familien), utført i berretino-teknikken. I dette tilfellet ble det i stedet for hvitt brukt en lyseblå glasur, og bildet ble stående umalt på en malt mørkeblå bakgrunn, slik at to forskjellige blåfarger ga en effektiv kontrast. I andre italienske verksteder foregikk utviklingen av ornamentikk mellom de to navngitte retningene, og spesielt mange groteske motiver kom fra medisinverkstedet i Caffoggiolo.

Samtidig med den groteske, blad- eller blomsterdekorasjonen dukker «a foglie», «a flori» eller den såkalte «alla porcelana», inspirert av importert kinesisk porselen, opp i noen verksteder. Krøller ble skrevet ut på hvit eller lyseblå glasur. Denne typen utsmykning fikk imidlertid kunstnerisk betydning først på midten av 1500-tallet i Venezia, hvor den ble beholdt allerede i andre halvdel av 1500-tallet, da monokrom begynte å vike for flerfarget, og små blomster ble erstattet av frodig akantus (stilen til arbeidet til Domenico da Venezia). Fra denne generelle trenden, som bare skiller seg i lokale varianter, avviker Deruta til en viss grad i Umbria på grunn av sin stil som gir inntrykk av konservatisme. Teknisk sett er den preget av bruk av kalde, i de fleste tilfeller blågule toner og gyldne lysekroner, og frontflaten ble bare av og til forsynt med blyglasur. Arkaiserende motiver ble beholdt i ornamentikken. Et karakteristisk trekk er bildene på flate plater av seriøse jenter i moderne kostymer.

Figurmaleri. I alle de nevnte sentrene var det allerede siden begynnelsen av 1500-tallet kombinasjoner av groteske ornamenter som dekorerte siden av platen med figurmaleri på speilet. Med god grunn regnes denne perioden som den kunstneriske kulminasjonen av italiensk majolica, men som du vet var maleriet teknisk perfekt, ofte til og med utført i flere lag, hver i en lys tone. I andre kvartal av 1500-tallet, i perioden med den "vakre stilen", gikk de over til å skrive figurative scener som skildrer mytologiske eller historiske plott og bilder av moral. Setter seg ned uten hensyn til tektonisk artikulasjon langs hele frontflaten av platen, disse scenene erstatter ornamentet fullstendig. De mest fremtredende er verkene som ble laget i verkstedene til Castel Durante og Urbino, og en av de mest bemerkelsesverdige majolikamalerne, Nicola Pellipario, som handlet i Castel Durante, gjorde mye for å utvikle denne malestilen. Han jobbet også for verkstedet til sønnen Guido Durantino (kalt di Castel Durante), den som senere åpnet en institusjon i Urbino, hvor han fikk kallenavnet Fontana. Nicola hadde en spesiell innflytelse på malerne fra den berømte "Urbino-tiden", og dessuten både på de som jobbet i verkstedet til Fontana (Francesco Xanto Avelli, Orazio Fontana), og på de som handlet utenfor det (Francesco Durantino ). Utmerket av den uvanlige skjønnheten til farger, strenge tegninger og følsom stilisering, ble Urbino-stilen på trettitallet mestret i Venezia, Pesaro, Gubbio, for ikke å nevne Faenza, der en av de beste figurmalerne Baldassare Manyara bodde.

1550-1620. Som en reaksjon på maleriet i Urbino-stil og samtidig på grunn av beundring for kinesisk porselen, som ble importert til Italia gjennom Venezia, den tredje torsdagen på 1500-tallet, spredte produksjonen av hvit majolica seg. Her ble den ledende posisjonen besatt av Faenza. Utsmykningen av karene er begrenset til skisser av putti, byster eller volutter skissert i blått og gult i stilen skapt av Virgiliotte Calamelli og hans etterfølger Giovanni Bettisi ("stilo compendiario").
Rundt 1600 setter en viss stagnasjon inn, da produksjonen først og fremst ble rettet mot eksport av hvit majolica. Uavhengig av tidligere utvikling, samt dagens situasjon, dannes et nytt senter for produksjon av majolica i første halvdel av 1600-tallet, nemlig Montelupo i Toscana. Lokale produkter skiller seg ut for sine karikaturisk stiliserte, fargerikt fargede og lapidært avbildede figurative motiver i folkeånd.

senere perioder. En ny storhetstid kommer i enkeltsentre i andre halvdel av 1600-tallet, da majolikaproduksjonen er fullt tilpasset barokkkonseptet. Oppmerksomheten trekkes først og fremst til Venezia, som stilmessig ble forent med de nærliggende verkstedene i Bassano og Angarano. Et veldig tynt skår av karene hennes er dekket med grått, rent i en strålende glasur, mens maleriet er fylt med uttrykksløse malinger av matte toner, i de fleste tilfeller mangan. Samtidig gjenopplives produksjonen i de gamle liguriske verkstedene som ligger i Savona, Albissol og Genova, men dette skjer når utviklingssenteret allerede har flyttet til de transalpine landene.

Frankrike. Når det gjelder tinnglasurer, var bruken i Frankrike lenge begrenset til de typer keramikk som kom fra Italia. På produkter som falt utenfor sfæren av italiensk innflytelse, ble det kun brukt blyglasurer. De finnes på to kjente grupper av fransk renessansekeramikk - på den såkalte Saint-Porcher og på produktene til Bernard Palissy
Keramikken til Saint-Porcher, hvor det har kommet rundt 60 gjenstander til oss, ble feilaktig kalt "Henry IIs fajanse" først. Hun ble tilskrevet forskjellige forfattere. I dag råder den oppfatning at de overlevende produktene har sin opprinnelse i perioden 1523-1560, det vil si hovedsakelig under Henrik IIs regjeringstid. I keramikkens historie representerer de et unikt fenomen uten begynnelse eller slutt, mens deres former og dekorasjonsteknikk, som minner om niello, snarere indikerer at vi har å gjøre med oppfinnelsen av en eller annen gullsmed. Keramikken til Saint-Porcher ble laget av en finkornet, nesten hvit masse, som oftest ble tynnvegget og dekket med en gjennomsiktig, elfenbensfarget blyglasur. Mønstrene ble presset ved hjelp av stempler, og fordypningene ble fylt med farget leirdeig av sort, rød eller brun farge. Tre stadier kan skilles i utviklingen av disse produktene: 1) enkle former avledet fra metallarbeid med ennå ikke klønete dekor; 2) arkitektoniske former med frodig limt figurativ eller grotesk dekor; komplekse innrykkede mønstre fremheves med rød eller gul leiretest, og de samme fargene er tatt for relieffer; 3) en nedgangsperiode, preget av eksentriske former og innrykkede eller pregede dekorasjoner i en uforsiktig, noen ganger til og med røff utførelse; under påvirkning av Palissy dukker det opp naturalistiske motiver i relieffene.

Bernard Palissy fant seg selv som en typisk renessansekunstner, og hadde en betydelig innvirkning på forskjellige kunst- og vitenskapsfelt. Først naturforsker, og deretter glassmaler, mellom 1540 og 1550 i Saintes vendte han seg med stor besluttsomhet til eksperimenter med fargede keramiske glasurer. Bare 15 år senere klarte han å fyre av flere emaljefarger samtidig, og fra den tiden viet han seg nesten utelukkende til keramikk med flerfargede glasurer. I hans kreasjoner, oftest store fat med plastdekor i form av realistisk tolkede planter og dyr, er en vitenskapsmann synlig. Palissy er så kjent, spesielt fordi han visste hvordan han skulle kombinere disse motivene lånt fra naturen til en harmonisk helhet. Glaze understreket dette enda mer, og fargene gjorde arbeidet ekstremt naturlig. Arbeidet til Palissy hadde en sterk innflytelse på hans samtidige. Etter å ha flyttet til Paris på sekstitallet, endret Palissy sin naturalistiske stil til arabesker, etter eksemplet med moderne verk, inkludert de som ofte er laget av annet materiale (spesielt eier han en aksje, laget etter arbeidet til tinnmakeren François Briot) . Etter Bartholomew's Night ble han fengslet for sin religiøse tro i Bastillen, hvor han døde i 1590. Palissy ble etterlignet av mange keramikere - på 1800-tallet var Alfred Korple i Paris mest produktiv.

Majolproduksjon dukker opp i Frankrike med en betydelig forsinkelse, og fremgang på dette området er merkbar bare i barokken. På 1500-tallet var kar med tinnglasur fortsatt isolerte eksperimenter, og denne teknikken ble mye brukt i produksjon av fliser, spesielt knyttet til navnet Masseot Abaken. Drivkraften til de første eksperimentene ble kanskje gitt av de italienske keramikerne som flyttet til Frankrike på begynnelsen av 1500-tallet, som for eksempel Girolamo della Robbia fra en kjent florentinsk familie. I andre halvdel av 1500-tallet fulgte en rekke majolikakunstnere ham. I 1556 ble et majolikaverksted i Lyon åpnet av Sebastiano Griffo fra Genova og Domenico Tardessire fra Faenza. Produktene fra verkstedet deres ble dekorert i Urbino-stil, men særegne funksjoner finnes i fargene og detaljene. På 1980-tallet dukket det opp italienske verksteder i Nantes, Nîmes og Nevers; men hvis vi snakker om lokale pottemakere, ble tinnglasur blant dem fortsatt ikke distribuert.

Tyskland. En lignende situasjon utviklet seg på 1500-tallet i Tyskland. Lokale majolikaprodukter kommer kun fra Sør-Tyskland og er så stilmessig like den sveitsiske majolikaen på den tiden at de knapt kan skilles fra den. Tallerkener og aldarelli ble produsert, det vil si imitasjoner av italiensk majolica, hvis betydning er mer historisk og kulturell enn kunstnerisk. Et unntak er de ugleformede karene, som det imidlertid finnes mange kopier av. Med unntak av disse ufullkomne imitasjonene av italiensk majolica, kan to trender spores i tysk renessansekeramikk: den såkalte Hafnerkeramikken, som kommer fra middelalderens tradisjoner, og bringer dem til fullendelse, og steintøy, som med unntak av av porselen, er sammensetningen Tyskland gir det største bidraget til utviklingen av all keramikk.

Gafnerkeramikk. Dette refererer til keramikk med farget blyglasur, for det meste komfyrfliser. Som sådan har de blitt laget i de transalpine landene siden 1200-tallet. Fra 1300-tallet ble de dekorert med relieffer, på 1400-tallet begynte de å bli dekket med grønt, og fra 1500 i tillegg med gul, brun og noen ganger hvit glasur. På 1500-tallet ble slike glaserte fliser allerede produsert i et vidt område. Nürnberg fungerte som hovedsenteret i Tyskland, Salzburg i Østerrike og Winterthur i Sveits. Fliser av sveitsisk opprinnelse er flate og avsluttet kun med lyse farger, mens tyske fliser er dekket med relieffer og umalte fargede glasurer. Plottene med dekorasjoner - bibelske, mytologiske, allegoriske og historiske - er lånt fra graveringer på kobber og tre i plaketter som tilhører de såkalte "små" mestrene. Med renessansens progressive forløp fikk glasurfargene mer og mer uttrykksfullhet. Fartøyer fra 1500-tallet med samme teknikk var til en god pris, men de ble laget bare ved anledning. Deres sterke effekt stammer fra fargerik rikdom og uvanlig, dekorativ eller figural, relieffdekorasjon. I Tyskland er navnene til Oswald Reinhart og Paul Preuning i Nürnberg, samt Melchior Lott og Adam Vogt i Augsburg nært knyttet til hafnerkeramikk. Familiene Pfau, Erhart og Graaf var kjente i Winterthur, som jobbet der til 1700-tallet.

Steintøy. Produksjonen startet i første halvdel av 1500-tallet i Rhin-regionen. Steking krevde høye temperaturer, og trengte derfor en betydelig mengde ved, noe som ikke var tilgjengelig i middelhavsregionen. Steintøy ble laget av førsteklasses råvarer, som viste seg å være så ikke-porøse etter brenning at det ikke var behov for glasur. Likevel ble det brukt glasurer med spesielle egenskaper, nødvendig på grunn av den sterke glødevarmen. De vanligste var saltglasurer, dannelsen av disse skjedde når salt ble hellet inn i ovnen under brenning. Sodaen i saltet kom i kombinasjon med aluminiumoksid og silikater, og dannet et tynt og hardt lag på den ytre overflaten av karet. Dette produktet er dekorert med ornamenter limt før brenning og presset inn i modellen. Deretter tyr de også til å gravere et skår eller rykke inn et mønster ved hjelp av trestempler. Formene på fartøyene ble laget i henhold til originale design, som karakteriserer individuelle sentre. Hvor det første steintøyet ble laget - i Köln, Frehev eller Siegburg - er ennå ikke klart i dag. I alle de tre byene var det samme forutsetninger for dette, og tradisjonen med deres keramiske produksjon går tilbake til middelalderen.

Köln - Frechen. Det er ganske vanskelig å skille mellom produktene til disse to byene, for i verkstedene der jobbet de med samme materiale og i samme stil. Skåret er grått, glasuren er lysebrun eller gulaktig. Her er hele skalaen av former for tysk steintøy. De såkalte "Sturzbechers" (beger med lokk), "traktkrus" med traktformet munn, sfæriske kanner med lavt ansatt hals, "kanner med skjeggete mann" (pæreformede kanner med skjeggete maske ), krus fortjener spesiell omtale. med tut og til slutt "pints" og "schnelles". "Kannene med en skjeggete mann" fra Frechen er som regel utstyrt med et belte med en inskripsjon, noen ganger med en dato. Det mest betydningsfulle var Eigelsteins verksted i Köln, som senere ble overført til Frechen.

Siegburg. Siegburg-keramikk utmerker seg først og fremst ved den enestående kvaliteten på leiren, som ved brenning forble hvit eller på det meste ble litt grønnaktig. Derfor ble det kun i unntakstilfeller brukt brun eller rødlig glasur her, som regel, nøye seg med et tynt lag saltglasur. På 1500-tallet finnes noen av de mest typiske Siegburg-formene, som «schnella» eller krus med tut. Fram til midten av 1500-tallet var ting dekorert med relieffer. Figurtemaer ble vist på belter, medaljonger eller våpenskjold, noen ganger med initialene til gon-chara eller datoen, sistnevnte finnes oftest på gjenstander fra perioden 1560-1610. Kjente motedesignere var F. Trak og Anno Knutgen med sine slektninger Peter, Christian og Hans Hilger.

Reren. I motsetning til Zvgburg ble steintøy fra Reren alltid brunet i begynnelsen. Den får sin karakteristiske karakter først i perioden 1566-1594 som et resultat av aktivitetene til Java Emens, den største mester i Rhinens steinfartøyfabrikker. Engel Kran var eleven hans. Bare Baldem Mennikken, hvis kreative periode faller på tiden 1575-1564, kunne konkurrere med ham fra hans samtidige. I støping er den egentlig lik Emens, men dens pregede dekor mister merkbart til det. Emens utviklet en type kanne med et bredt sylindrisk belte, som jevner ut krumningen til fartøyet og danner en naturlig plattform for figurscener. På åttitallet ble han etter Westerwald-modellen; la brun glasur passere, den grå skåren ble da delvis stående uten glasur eller dekket med blå glasur. Disse tingene er vanskelige å skille fra de som ble laget i Westerwald.

Westerwalde. I dette området ble det laget steintøy på forskjellige steder. Etter 1590 slo håndverkere fra Salzburg og Rehren seg ned her, og først da kan man snakke om Westerwald-keramikkens kunstneriske nivå. Typisk var produkter laget av grå steinmasse med blå glasur (det såkalte "Blauwerk"), som først på 1600-tallet noen ganger ble erstattet av en spesiell manganglasur. Formene på krus og kanner var ikke mye forskjellig fra Rören og Siegburg, men de brukte relieffdekorasjon moderat, og arbeidet mer på innrykket eller ripet ornament. I sistnevnte tilfelle ble den grå fargen på skåren ekspressivt manifestert mot den blå bakgrunnen til glasuren. På 1600-tallet viker figurative scener mer og mer for ornamentikk, og samtidig erstattes tradisjonelle former for retter med nye.

Kreisen. Keramikk under renessansen ble laget i Tyskland, ikke bare i Rheinland. I Bayern var byen Kreisen berømt, hvor hafner-keramikk først ble produsert. Steinmassen, som ble brent, fikk her en rødlig tone og dekket den med brun glasur. Først og fremst ble det laget lave brede kanner i Kreisen, men fra og med 1640 ble det lagt til polygonale kolber. Det er mulig å skille mellom to grupper av disse produktene, selv om de til tider krysser hverandre. Innenfor den første gruppen dominerer dekoren lagdelt med flytende leire, etter modell av rhensk steintøy, og hele den ytre overflaten ble gjort brun, mens innenfor den andre gruppen var relieffdekorasjonen malt med emaljemaling (blå, rød) gul, hvit, grønn, noen ganger gull). Det tidligste brune karet bærer datoen "1614", og det tidligste malte karet dateres tilbake til 1618, slik at hovedutviklingen av Kreisen-keramikken går tilbake til 1600-tallet. Dekorer, satt sammen i belter, har bibelske, heraldiske og lignende temaer, og produksjonsdatoen er ofte oppgitt. Keramikk fra Sachsen ligner mye på Kreisen, og kan i noen tilfeller være vanskelig å skille fra dem.

Moravia-Slovakia. På slutten av 1500-tallet utviklet fajanseproduksjonen i Sør-Mähren seg på en original måte, hvis røtter går tilbake til renessansen. Den lokale adelen ga beskyttelse til forskjellige ikke-katolske sekter, inkludert døpte. Tvunget til å forlate Sveits begynte disse sistnevnte fra 1536 å bosette seg i Sør-Mähren, og snart økte bosetningene deres enda mer takket være flyktninger fra Tyskland, Tyrol, Holland og senere fra Italia. Gjendøperne var alle håndverkere og kjente til slike yrker som ikke tidligere hadde eksistert i Moravia. De bodde i en felles husholdning, den såkalte Haushaben, og som et resultat av forvrengningen av dette ordet ble navnet deres, adoptert her i landet, til gobans. Blant de utallige håndverkene de var engasjert i, fikk fajansen særlig berømmelse. Selv om de lærte denne kunsten av de italienerne som i årene 1560-1566 flyttet til Moravia, så var produksjonen her i alle fall rundt 1594 allerede forankret og høyt utviklet.

De tidligste skålformene viser en sterk Faenza-innflytelse, mens runde kanner og pints er inspirert av rhensk steintøy. Siden nittitallet begynte de i tillegg til hvitt å bruke lyseblå glasur, og senere mørkeblå. I 1612 ble de strenge reglene for denne sekten fastsatt, som ledet den kunstneriske utformingen av fajansen i mange tiår. Det var ikke tillatt å avbilde noe levende, og derfor var de begrenset til blomster, belter moderat plassert langs karkroppen, buketter eller enkeltvis. Ildfaste malinger til dekor ble tatt, med unntak av oransje, ren og ublandet. Som et tillegg ble enkle geometriske motiver ikke utelukket, oftest med tillegg av dato eller initialer til kunden. Habans beholdt denne typen dekorasjoner selv etter 1622, da de på grunn av sin tro ble tvunget til å flytte til Sør-Slovakia.

Først fra 1665, etter at to av deres sekt reiste til Holland, ble innflytelsen fra Delft-fajansen merkbar i Haban-keramikk. De låner blå-hvitt-farging derfra og assimilerer et nytt tema, men tilpasset det lokale folkekonseptet. Et veldig frivillig alternativ er en gruppe senere gjenstander laget rundt 1700, da gabanerne ikke lenger var bundet av sektens strenge vedtekter og fritt kunne hengi seg til deres kreative fantasi. Gjenstander fra denne perioden er dekket med blåmarmorert glasur, malt på lyse steder med små plantemotiver, fugler, arkitektur, skip osv., som i det hele tatt gjør et nesten fabelaktig inntrykk.

BAROKK. Fra 1600-tallet flyttet sentrum for fajanse og helkeramisk utvikling til de transalpine landene. Holland, Tyskland og Frankrike spiller en enestående rolle i produksjonen av fajanse, mens i produksjonen av steintøy og senere fin fajanse inntar England en dominerende posisjon. Nyheten var endelig oppfinnelsen av den edleste keramikken, det første europeiske porselenet, som begynte produksjonen på begynnelsen av 1700-tallet i Meissen.

Holland. Fajanse begynte å bli laget i Holland i andre halvdel av 1500-tallet. På den tiden slo forfulgte protestanter fra sør seg ned her, blant dem fajansemestere fra Antwerpen, hvor slike verksteder fantes allerede i første halvdel av 1500-tallet. En rekke arbeider tilbake til 1600 indikerer at kunnskapen om tinnglasur mest sannsynlig ble lånt fra italienerne. Med begynnelsen av 1600-tallet konsentrerte produksjonen seg nesten utelukkende i Delft, som ble foretrukket av byens beliggenhet nær havnen og nær de nødvendige leireforekomstene. Så snart portugiserne grunnla sin egen handelspost på øya Macau nær Canton i 1557, økte etterspørselen etter dette produktet samtidig med importen av porselen fra Fjernøsten til Europa. I 1605 overtar nederlenderne denne handelen, og det nederlandske østindiske kompani, grunnlagt i 1602, begynner å importere porselen. I de påfølgende årene tar importen store størrelser, porselen blir billigere: etter å ha blitt et fasjonabelt produkt, kunne det selvfølgelig ikke annet enn å påvirke den kunstneriske utformingen av nederlandsk fajanse. Gjennom første halvdel av 1600-tallet ble dekorasjonen av kinesisk porselen fra Ming-dynastiet direkte imitert, og ikke bare i motivene til maleriet, men også i måten det ble utført med blå maling på hvit bakgrunn. Imitasjonen stoppet imidlertid ved det ytre inntrykket, og fraværet av kunstnerisk teft og fantasi merkes i maleriet. Produksjonsvolumet av fajansefartøyer var dårligere på den tiden enn produksjonen av frontfliser, konsentrert i Haarlem, Rotterdam og Amsterdam.

Delft fajanse. I andre kvartal av 1600-tallet stoppet importen fra Kina opp, helt til rundt 1640 stoppet den helt opp. Riktignok klarte nederlenderne å sikre seg monopol på import av porselen fra Japan, men mengden som ble levert var etterspørselen etter. Delfts fajansemakere klarte å bruke dagens situasjon på sin egen måte, de begynte å imitere fjernøstens porselen på en mye mer perfekt måte enn før. En rekke keramikkverksteder som oppsto i Delft mellom 1640 og 1660 oppnådde så stor suksess med sitt høykvalitets keramikk at de kunne konkurrere med porselen importert fra Japan. Delft-fabrikkene skylder dette til deres store virksomhet, inkludert evnen til å tilpasse seg forbrukerens ønsker, håndverk og et høyt teknologinivå, samt deres kulturelle bånd med de største sentrene for nederlandsk maleri. Et direkte eksempel på kinesisk og japansk porselen betydde selvfølgelig mye. Teknisk sett oppnår de i Delft en slik perfeksjon i tynne skår, glasurer og malerier at fajanse ved første øyekast kunne passere for porselen. Ildfaste malinger berikes som følge av bruken av rødt, og de tekniske mulighetene blir bredere på grunn av kombinasjonen av maling med ildfast og dempende maling. Bare innen støping la Delft ikke frem noe vesentlig på lang tid, og lånte for det meste modeller av produkter fra Fjernøsten. Egen oppfinnsomhet i dette var minimal, og all kunstnerisk fortjeneste besto i den pittoreske utformingen av den ytre overflaten. Delftske fajansemakere kunne ha et ubegrenset antall dekorative motiver hentet fra innenlandske og utenlandske kilder, og to heterogene kunstneriske trender, innenlandske og østlige, følger av disse to kildene.

Innenlandske trender råder allerede i tredje kvartal av 1600-tallet, og kommer til uttrykk i figurkomposisjoner som skildrer det nederlandske folkets daglige liv i byen og til sjøs, i landskap, interiør, sjøslag, scener fra Det gamle og nye testamente, sjeldnere i mytologiske plott. Den ble skrevet med blå maling alene, og når det gjelder utførelsesstilen er den nært knyttet til moderne nederlandsk maleri på tre. Blant de beste verkene i denne perioden er verkene til maleren Frederick van Friytom, som var aktiv i Delft i 1658-1673.

Orientalske tendenser hevder sin posisjon side om side med hjemlige, rundt 1670 blir de den viktigste kunstneriske faktoren som karakteriserer Delfts fajanse. Ønsket om å dekorere kinesisk porselen fører til høye resultater i estetisk forstand. Skaperne av Delft-dekoren er Albrecht Cornelis de Kaiser (monogram "AK") og hans svigersønner Jacobus og Adrian Pijnacker, deretter Wouter van Enhorn og sønnene Samuel og Lambertus. Deres stykker er fantastiske variasjoner på kinesisk og japansk porselenstema. Prøvene forvandles fritt til dekorative, fulle av liv maleri, og oppnår helt nye effekter allerede på grunn av det faktum at det er utført på et mykere materiale. Dekorative motiver består av blomster, buketter, fugler og ruller arrangert i én harmonisk helhet, fra blomsterhager med menneskefigurer og fugler, eller fra lambrequiner med umalte ornamenter. Det er ornamentikken som ofte skjuler sin opprinnelse på grunn av at europeiske motiver gjentatte ganger kom til Kina og derfra returnerte til Europa allerede i lokal versjon. Sammen med blå, finner polykrom dekor bruk, som først ble malt kun med ildfaste malinger, og beriket dem ved slutten av 1600-tallet med bruk av rødt.

På begynnelsen av 1700-tallet begynte de å kopiere det kinesiske produktet "grønn familie" og den japanske "imari", men ved å bruke sin egen fantasi kom de opp med nye komposisjoner basert på prøver, der de mest forskjellige motivene er kombinert i et broket rot. Ulike lyseffekter ble noen ganger forsterket av korrugering, som alltid finnes på sett sammensatt av tre vaser med lokk og to fløyteformede vaser (de såkalte "cashmires"). Jo lenger inn på 1700-tallet, desto mer muffemaling kommer til syne, spesielt i verk som imiterer «den rosa familien», der Delfts fajansemaleri fra tiden 1725-1739 nådde sitt høydepunkt. Den tredje typen polykrom teknikk er en kombinasjon av underglasur og overglasurmaling etter japansk modell. På slutten av 1600-tallet gjorde entreprenørskapsånden seg gjeldende i Delft-verkstedene. Kontrollen over verkstedene, som hittil forble hos kunstnerne, overtas nå av kjøpmenn, og dette ville senke det kunstneriske nivået hvis det ikke var for den sterke tradisjonen og den lyse individualiteten til enkelte mestere. Gjennom hele 1700-tallet lever dekoren til Delft-fajansen videre med disse tradisjonene. Nytt er imidlertid de bisarre barokkformene for kar, de såkalte fingerformede vaser og høye hyasintvaser i form av pagoder. Fartøyer av Delft-opprinnelse er i form av en potet eller i form av et dyr og et fuglebur. Dreide tremodeller av dem, som ble laget i Holland, ble samtidig sendt til Fjernøsten, hvor de fungerte som støpeformer for porselenskar. Utvidelsen av handelen med Kina på 1700-tallet og prisfallet på kinesisk porselen, konkurranse fra Meissen, og senere fra andre tyske porselensfabrikker, og til slutt engelsk konkurranse, som dukket opp på markedet samtidig med en ny type porselen. produkter (tynn fajanse) - bidro i andre halvdel av 1700-tallet til en håndgripelig nedgang i de kunstneriske fortjenestene til Delft-fajansen, i den utvendige utformingen som på den tiden europeiske dekorative motiver kom til live igjen. I sin masse er Delft-fajansen forsynt med verkstedmerker, mest korrekt katalogisert av F.-V. Hudig. Gjenstander fra 1700-tallet har ofte ingen merker i det hele tatt; hvis de oppstår, kan de i de fleste tilfeller ikke bestemmes.

Rødt steintøy. Bruken av et nytt materiale, nemlig rød steinmasse, som tekanner ble laget av, er nært knyttet til det nye som dukket opp i produksjonen av Delft-fajanse. I dette imiterte de kineserne, som brygget te ikke i porselens tekanner, men i tekanner laget av steinmasse. De kom til Europa med porselen, og denne typen keramikk begynte å bli etterlignet i Holland trolig rundt 1670, siden den siden 1678 ofte finnes i inventar. En av produsentene var Lambertus Cleffius, hvis verksted gikk over til Lambertus van Enhorn i 1691. En annen produsent var Ari de Milde samtidig med Samuel van Enhorn i siste fjerdedel av 1600-tallet. Når det gjelder materiale og utseende, er produktene til Ari de Milde nærmest kinesiske prøver.

Keramikkproduksjon er en av de eldste på jorden. Tilstedeværelsen av et lett tilgjengelig materiale - leire, førte til den tidlige og nesten universelle utviklingen av keramisk håndverk. Arkeologiske utgravninger utført i mange land i Europa, Asia, Afrika, Amerika gir omfattende materiale for å studere dette mest interessante området for menneskelig kreativ aktivitet.

Keramisk håndverk oppsto helt i begynnelsen av menneskets historie, i perioden med det primitive kommunale systemet. Som vist av arkeologiske data, tilbake i mesolittisk (middelsteinalder) for 15-12 tusen år siden, fikk den allerede i yngre steinalder (ny steinalder) en utviklet karakter. Til å begynne med var hovedtypen keramikk tykkveggede kar med porøs skår, rund eller konisk bunn (som ga stabilitet ved plass i bakken). De ble støpt for hånd ved å bygge opp individuelle leirebunter (ved å bruke støpemetoden). Knust skjell og knust granitt ble tilsatt leiren for at den ikke skulle sprekke under brenningen. De større karene ble brukt til matlaging, de mindre tilsynelatende til spising. Steinaldergjenstander ble først brent på bål (sannsynlig brenntemperatur 800...900°C), senere dukket det opp spesielle ovner.

I følge en rekke fingeravtrykk ble det slått fast at de eldste keramiske karene ble laget av kvinner. I løpet av sen neolitikum og eneolitikum (kobberalderen) - 4 ... 2 tusen f.Kr. e. - former for kar (mugger, boller, boller) blir mer mangfoldige; små, betinget løste skulpturer av mennesker og dyr dukker opp. De fleste av karene har allerede en flat bunn, noe som indikerer spredningen av et flatt bord og en flat ovnsovn, dvs. overvekt av en fast livsstil. Samtidig begynte keramiske produkter å bli dekorert med ornamenter.Man kan spore utviklingen av ornamentet fra de enkleste mønstrene av den såkalte pit-comb-typen, presset ut med et stempel og en spiss, som dekker hele den ytre overflaten av karene i ulike kombinasjoner, til mye mer mangfoldige og kunstnerisk uttrykksfulle malerier, bestående av rytmisk vekslende spiralformede krøller, konsentriske sirkler, bølgete linjer, mesh- og rutemønster osv. Mønstre var ofte flerfargede, kombinasjoner av rødt, hvitt, svart og andre farger ble brukt.

Noen ganger, sammen med geometriske former, ble det gitt veldig betingede bilder av mennesker og dyr. Arkeologiske og etnografiske studier viser at primitive ornamenter ble utstyrt med magisk betydning; de var basert på en konvensjonelt skjematisk overføring av naturfenomener (for eksempel sikksakklinjer og sigdformede skilt på gamle kinesiske kar av Yangshao-kulturen betegnet lyn og månen, det var tegn på sol, vann, etc.). Gradvis, etter hvert som magiske ideer ble svekket, ble den opprinnelige betydningen av dekorative former glemt og de ble mer og mer til dekorative motiver. Lignende malte gjenstander (den såkalte malte keramikken) ble funnet på et stort territorium, inkludert en rekke Balkan-land og de sørvestlige regionene i landet vårt (Trypillian-kulturen), Middelhavet, Midtøsten, Sentral-Asia og Kina. I hvert av disse områdene hadde keramikk sine egne lokale, lokale særtrekk.

Et slående eksempel på datidens keramiske håndverk er kar og små skulpturer som tilhører Trypillia-kulturen. Trypillya-håndverkskvinner visste hvordan de skulle elutriate leire, produktene ble dyktig støpt for hånd, uten pottemakerhjulet, som dukket opp senere. Mer enn 20 typer keramikk er kjent, laget av lokale leire; kar fra en tynn rosa masse skiller seg ut - kanner med smal hals, dype skåler, doble kar som ligner kikkert i form - oftest malt med hvit, svart og rød maling fra finmalte, naturlig fargede leire. Motivene til sirkelen og spiralen dominerer i ornamentet, som muligens betegnet solen, æret som kilden til livets velsignelser. Ved å variere disse enkle motivene manifesteres stor oppfinnsomhet og høy dyktighet. I Trypillia-boplassene ble det også funnet mange små skulpturer med et meget karakteristisk utseende - med luftig hår, kroket nese, konvensjonelt overførte former og proporsjoner; noen av dem har spor etter rød okermaling. Mest sannsynlig er dette et bilde av den eldste kvinnelige guddommen - moren / stamfaren.

Keramikk fra mange andre regioner på den tiden er også interessant og original. Fartøyer fra Vest-Asia, den såkalte Obeid-perioden, for eksempel, støpt av tynn, gulgrønn leire, ble dekorert med svært elegante brunrøde malerier som passet perfekt til tingens form og utforming (det berømte karet fra Susa med et dekorativt bilde av dyr). Dermed nådde keramiske produkter allerede i den primitive perioden et stort kunstnerisk uttrykk. Det er viktig å merke seg at den innledende fasen av utviklingen av ornament i verdenskunst først og fremst er forbundet med keramikk. I mønstrene som dekker de keramiske karene i den nye stein- og kobberalderen, ble konstruksjonen av en harmonisk, rytmisk ordnet komposisjon sporet, og samtidig oppsto et spesielt område med kunstnerisk aktivitet - brukskunst.

Det neste trinnet i utviklingen av keramisk produksjon refererer til perioden med dannelsen av slaveeiende stater i det gamle østen. Den viktigste faktoren i forbedringen av keramisk håndverk var oppfinnelsen av pottemakerhjulet (4. årtusen f.Kr.), hvis bruk dramatisk økte arbeidsproduktiviteten og forbedret kvaliteten på produktene. Keramikk begynte å bli laget av menn. Retter laget på pottemakerhjulet dukker opp på forskjellige steder til forskjellige tider, men bare der håndverkere allerede har skilt seg ut. En enestående prestasjon av keramikerne i det gamle østen var også oppfinnelsen av fargede glasurer. En beskrivelse av metoden for å lage frittede glasurer finnes på leirtavler med kileskriftstekst funnet i biblioteket til den assyriske kongen Assurbanipal i Nineve (7. århundre f.Kr.).

Først av alt er den arkitektoniske glaserte keramikken fra Assyria, Babylon og det gamle Iran viden kjent. Iranske glaserte paneler med pregede flerfargebilder "og dekorere veggene til palasser og templer har nådd en spesiell perfeksjon. Den mest kjente er frisen fra palasset i Susa med figurer av de" udødelige "kongelige vakter - høytidelig marsjerende krigere i luksuriøse mønstrede kapper, som ifølge de gamle perserne skulle være nødt til å beskytte kongen i tilfelle svik mot den levende garde.Glaserte bilder av løver og fantastiske dyr, som tok en stolthet i utsmykningen av palasskamrene, var svært uttrykksfulle . Lyse kombinasjoner av blå, smaragdgrønne, gule, mørkelilla glasurer skapte en fantastisk dekorativ effekt. En spesiell plass i historien til keramikk er okkupert av keramikken i antikkens Hellas. Dens storhetstid ble innledet av utviklingen av keramikk på øya Kreta, et av de ledende sentrene for den egeiske kulturen. Kretiske kar fra forskjellige perioder har kommet ned til oss, deres malte dekor er veldig mangfoldig. Oftest ble maleriet preget av en livlig dynamisk rytme, fri flyt av mønsteret.

Blant de mest kjente og perfekte er vaser i Kama-res-stilen (det er navnet på hulen der de ble funnet), med grasiøse avrundede former, dekket med svart lakk (en type fluksengobe), hvorpå store, veldig særegne mønstre av stjerneformer, virvlende rosetter, blader og kronblader innskrevet i mykt avrundede ovaler (ca. 1800 f.Kr.). Det er også kjent en vase av såkalt marin stil fra Gurnia (midten av 2. årtusen f.Kr.), hvis form er noe vag, flytende, underlagt et maleri som viser en stor blekksprut, som om den omfavner hele kroppen med sin fleksible tentakler; rundt den er det alger og koraller. Bildet av sjøelementene er gitt av de grønlige tonene i bakgrunnen til maleriet. I politikken til det gamle Hellas ble keramikk en av hovedtypene for kunstnerisk håndverk. Den når sin storhetstid i VI-V århundrene. f.Kr e.

Produkter fra greske mestere ble eksportert langt utenfor Hellas grenser og hadde stor innflytelse på lokale produkter overalt. Den ledende plassen blant gresk keramikk ble okkupert av produksjonen av forskjellige fartøyer. De berømte greske vasene var ikke en luksusvare; en stor hær av pottemakere laget dem av enkel leire, kun lakk ble brukt til maling. Men med alle begrensningene til materialene som ble brukt (grekerne kjente verken til gjennomsiktige glasurer eller fargede emaljer), ble malte vaser til ekte kunstverk. I komposisjoner med svarte figurer ble maling utført med svart lakk på umalt bakgrunn, i komposisjoner med røde figurer, mørk lakk, tvert imot, dekket bakgrunnen, og etterlot bildet umalt (dets rødlige farge er den naturlige fargen på et leirskår). ). Avhengig av formålet er det utviklet ulike typer fartøy. Krateren hadde vid munn, den var beregnet på å blande vin med vann; kilik - en flat skål med to håndtak - de drakk vin fra den; en slank, liten, langstrakt lekythos med ett håndtak var beregnet på å lagre olje under begravelsesseremonier.

Den mest kjente for sine ekstremt harmoniske og edle proporsjoner er en slank amfora - en vase med to høye håndtak, beregnet for oppbevaring av olje og vin. Hver type vase samsvarte med formålet, reflekterte et viktig behov. Samtidig var formene og innredningen godt gjennomtenkt, tatt i betraktning de plastiske egenskapene til selve materialet, leire. Massen for fremstilling av greske vaser, først brun og grov, blir senere finere, hardere og klarere, rød eller gulaktig i fargen. Støpeteknikken nådde noen ganger virtuositet, selve veggmaleriene er unikt originale. I ingen annen periode oppnådde brukskunst en så fantastisk kombinasjon av åndelig vitalitet og dekorativitet. Det humanistiske verdensbildet til de gamle hellenerne, basert på en dyp interesse for den jordiske verden, for en virkelig person, fant sitt levende uttrykk i vasemaleri.

Vasemalere med stor frihet og observasjon reproduserte en rekke scener fra det virkelige liv og mytologi, viste respektfullt arbeidet til håndverkere (verkstedet til en keramiker, skulptør, etc.). Menneskefigurer inntok hovedplassen i komposisjonene, skjønnheten og betydningen til den jordiske personen ble understreket i levende og konkrete bilder. Disse livsviktig naturlige bildene var uløselig knyttet til tingens form, og understreket dens arkitektoniske skjønnhet. På avstand ga de inntrykk av vakre, rytmisk konstruerte komposisjoner med jevnt buede linjer og silhuetter. Maleriene ble supplert med dekorative motiver, blant annet palmette og meander.

Små terrakottaskulpturer, funnet under utgravninger i nesten alle antikke greske byer og representerer de mest interessante eksemplene på liten plastisk kunst, har lenge vært viden kjent. Hovedsenteret for produksjonen deres var Tanagra. Et favorittmotiv var bildet av en ung gresk kvinne, fylt med subtil poesi. Figurene til unge dansere var spesielt grasiøse. De fleste figurene ble skulpturert i former, hvoretter de ble kuttet for hånd. Denne fremstillingsmetoden gjorde det mulig å variere lignende løsninger. Når de ble ferdigstilt for hånd, gjaldt endringene tilt eller dreining av hodet, bevegelsen av hendene, detaljene i frisyren og klærne osv. Det var ikke uvanlig at klær ble farget blått, rosa eller hvitt, hårrødt eller brun, ansiktet og de nakne delene av figuren var myke kjøttfarger.

Høy utvikling nådde keramikk i Kina. Malte gjenstander, originale stativkar ble laget så tidlig som i det 3. årtusen f.Kr. e. under Yangshao-tiden. I II-I årtusen f.Kr. e. det er glaserte retter og individuelle produkter laget av høykvalitets hvit leire - kaolin. I III-V århundrer. n. e. de første porselenslignende produktene dukker opp, og i VI-VII århundrene. i Tang-tiden mestres produksjonen av ekte porselen. Kinesisk keramikk utmerker seg ved sitt spesielle mangfold, rikdom og originalitet av former og kunstneriske løsninger. Det ble laget skåler, kanner, vaser, kolber, fat, røde bokser, røykere, tekanner og mange andre ting, dekorert med ulike glasurer, relieffer og malte mønstre. Produkter nær porselen, dekket med grågrønn glasur i forskjellige nyanser, som fikk navnet "celadon" i Europa, fikk stor berømmelse, små skulpturer av mennesker og dyr, laget fra 1. årtusen e.Kr., var usedvanlig livlige. e. og ofte funnet i begravelser. Men først og fremst fikk kinesisk porselen, som ble preget av den spesielt høye kvaliteten på selve den keramiske massen, verdensberømmelse; hvithet, subtilitet, gjennomskinnelighet og styrke av skårene, ren ringing.

Det skal bemerkes at de lokale naturlige materialene som brukes til fremstilling av kinesisk porselen - porselensstein og kaolin - inneholder en usedvanlig liten mengde fargende urenheter (jernoksider), som bestemmer den høye kvaliteten på porselen. En annen betingelse for å få porselensprodukter av høy kvalitet er den ekstremt høye teknologien for keramisk produksjon, som har sin opprinnelse i Kina i svært eldgamle tider. Kinesiske håndverkere er ledende i å lage malingsformelen for porselensmaling. Kinesiske glasurer på porselen er svært effektive - "knirkler" med et tynt spindelvevlignende mønster, farget rød glasur "okseblod" etc. Hvitglasert porselen fra 1300-1400-tallet. signert med underglasur blå maling - kobolt, i andre halvdel av 1400-tallet. flerfarget maleri dukket opp. I XVII-XVIII århundrer. overglasurmaling med maling og smeltbare fargede glasurer (såkalte emaljer) av lyse saftige toner ("rosa familie", "grønn familie") ble utbredt. Veggmalerier som skildrer landskap, figurer av mennesker, dyr, fugler, blomstrende planter, steiner ble preget av fantastisk livlighet og mønster, og innredningen var ekstremt organisk forbundet med formen.

Kinesiske håndverkere holdt hemmeligheten bak produksjonen sin hemmelig, for avsløringen av den var underlagt streng straff, opp til dødsstraff. I middelalderen var utviklingen av keramikk spesielt viktig i landene i det arabiske kalifatet, Sentral-Asia og Persia. Den største berømmelsen ble oppnådd av waay, kanner, fat og en rekke andre produkter laget i disse områdene, samt arkitektoniske fliser dekket med flerfargede glasurer og lysekroner. Den muslimske religionen (islam) forbød bruk av edle metallredskaper i hverdagen og hadde dermed uforvarende en positiv innvirkning på keramikernes arbeid. Etter et langt søk klarte håndverkerne å lage spesielle keramiske belegg - lysekroner, som ble påført den glaserte overflaten av produktene og, etter avfyring, ga den en særegen metallisk iriserende glans med en perlemor, gylden fargetone. Produksjonen av disse produktene (de såkalte spansk-mauriske templene) nådde sitt høydepunkt på 1300-1400-tallet. i Spania, tidligere erobret av araberne (maurerne). Dette er kar av forskjellige former, samt lysekronefliser, som sammen med flerfarget marmor og malt alabast dekorerte hvelvene og veggene til muslimske palasser.På grunn av restriksjonene som er etablert av islam i skildringen av levende vesener og spesielt mennesker , keramikk ble dekorert hovedsakelig med ornamental maleri.

Ornamenten til muslimske land, betraktet som "musikk for øynene", ble preget av et fantastisk vell av kunstneriske former. En bemerkelsesverdig mønsterkunst ble utviklet her, et så nytt ornamentalt motiv som "arabesken" ble født, bestående av komplekse vev og skjæringspunkter av betingede plante- og geometriske former med rikt og fint utformede detaljer, ofte inkludert inskripsjoner med arabiske bokstaver. Alhambra-vaser, mest sannsynlig laget i det store senteret for keramikkproduksjon - Malaga, dateres tilbake til andre halvdel av 1300-tallet. Blant de mest perfekte er Fortuny-vasen som oppbevares i State Hermitage Museum i Leningrad. Når den er stor, utmerker den seg av den eksepsjonelle elegansen til den tradisjonelle formen, utviklet over tid. Vasen har en eggformet kropp og en slank høy hals, langs sidene som flate håndtak stiger. Maleriet er veldig særegent: mønsteret utført på en lys gul bakgrunn består av flere friser og medaljonger, hvor plantemotiver og mønstrede inskripsjoner dominerer. Grønnaktig med en delikat perlemor-nyanse av lysekroner gir vasen en utsøkt edel glans, en følelse av verdi. Den kunstneriske fullstendigheten av formen og dekorasjonen til Alhambra-vasene vitner om det faktum at i middelalderens mauriske Spania nådde keramikkkunsten en ekstraordinær blomstring. I det XV århundre. den berømte valencianske keramikken ble viden kjent, hvis farge er bygd på kontrasten til store klangfulle mørke/blå flekker av mønsteret og lysekronen, glitrende med alle nyanser av gull.

I Europa ble spansk-maurisk keramikk fraktet over Middelhavet gjennom øya Mallorca. Det antas at ordet "majolica" kommer fra navnet på denne øya. I Vest-Europa, etter en nedgang i middelalderen, da ovnsgryter tok overhånd fra retter, og keramikk praktisk talt ikke ble brukt til konstruksjon, begynner gjenopplivingen av keramikkproduksjonen på 1400-tallet. i Italia. I en tid med den italienske renessansen (XV-XVI århundrer), sammen med den generelle blomstringen av kunst, nådde kunstkeramikk også et høyt nivå. Import av spansk-mauriske produkter på 1400-tallet. bidratt til utviklingen av lokal keramikkproduksjon i byene Faenza, Siena, Urbino og andre, hvor det ble laget forskjellige malte produkter - vaser, fat, tallerkener som skildrer landskap, portretter, plottkomposisjoner i en dekorativ ramme, det vil si tomtemaling, for første gang etter antikken, ble den dominerende typen produktdekorasjon. Samtidig ble veggmalerienes lyse dekorativitet kombinert med stor vitalitet og rolig majestet, karakteristisk for all renessansens kunst.

Arbeidene til italienske mestere ble preget av deres komposisjonelle perfeksjon og fargeharmoni, nøyaktighet og klarhet i tegningen. Produktene ble malt på et lag med uforbrent emalje. Samtidig ble malingen dypt absorbert inn i emaljebelegget og derfor ble ingen korrigeringer tillatt. Maleren krevde ekstraordinær nøyaktighet og grundighet i sitt arbeid. Italiensk majolica kalles noen ganger "fajanse", antagelig fra navnet på byen Faenza - et av sentrene for keramikkproduksjon. Arkitektonisk dekorativ majolica utviklet seg også - fargede keramiske innlegg prydet offentlige bygninger, palasser og templer. For første gang ble denne teknikken brukt på relieff og tredimensjonal plast av mesterne fra den florentinske familien til della Robbia (XV-XVI århundrer). Madonna og barn-relieffet av Luca della Robbia og Andrea della Robbias medaljonger som viser svøpte babyer på fasaden til barnehjemmet i Firenze er viden kjent. Luca della Robbia var den første i Europa som brukte hvit tinnemalje til monumental keramikk. Italiensk majolica hadde en betydelig innflytelse på utviklingen av majolica i andre europeiske land, først og fremst Tyskland og Frankrike.

Parallelt med majolica fra 1500-tallet. begynn å lage fajanse. Den første europeiske fajanseproduksjonen dukket opp i den franske byen Saint-Porcher. Her ble det laget originale kar med maleri og stukkatur (fajanser av Saint-Porcher), som nærmet seg den glorifiserte eldgamle greske terrakottaen av skårets tynnhet. Nær fajansen var verkene til den franske mesteren Bernard Palissy - relieff/malte glassfat og vaser som forestiller dyr og planter. Siden han ikke var en profesjonell skulptør, laget han gipsavstøpninger av naturlige dyr eller planter, og fylte deretter gipsformen med leire. Fra de oppnådde nøyaktige utskriftene av naturen skapte han komposisjonene sine i forskjellige versjoner, og plasserte dem på overflaten av ovale eller runde retter. Etter tørking og brenning dekket Palissy produktene med glasurer, for eksempel jaspis, hvis sammensetning han oppfant selv. Etter den sekundære (hellte) brenningen ble fargerike produkter med høy relieff oppnådd, dekket med grønnaktig, brunaktig, lilla glasur.

På 1600-tallet Delft fajanse (Holland) var veldig kjent. Fliser, vaser, fat ble dekorert med både flerfarget dekor og blått underglasurmaleri. Blomstrende busker, fantastiske fugler, havlandskap og sjangerscener ble avbildet i etterligning av kinesisk porselen. I kunstneriske løsninger med fremhevet formeleganse, saftighet og ornamentikk, gjenspeiles barokkstilen som var utbredt på den tiden.

I det XVIII århundre. den talentfulle engelske keramikeren J. Wedgwood forbedret fajanseteknologien, introduserte ulike dekorasjonsteknikker i praksis. State Hermitage Museum holder en tjeneste bestilt av Catherine II i 1774. Tjenesten består av mer enn 900 gjenstander, hvor tegninger er laget i en brun tone mot en "kremfarget" bakgrunn, som gjengir severdighetene i England - slott, vakre eiendommer. I en rekke europeiske land er det utviklet produksjon av keramiske produkter med tett sintret skår – «steinvarer». I Tyskland på slutten av XV-XVI århundrer. Produksjonen av komfyrfliser, krus, vaser med relieffmønster, dekket med saltglasur, har blitt utbredt. Denne typen keramikk nådde sin spesielle perfeksjon på 1700-tallet. i England ved bedriften til samme Wedgwood.

Produkter laget av steinmasser ble preget av eksepsjonell styrke og finhet i behandlingen. Fargede steinmasser - basalt og spesielt jaspis - ble mye brukt til fremstilling av ulike produkter i forbindelse med utbredelsen av mote for antikke motiver. Dette var kopier av eldgamle vaser, relieffer, oftere ble friere imitasjoner laget. På engelsk fine-stone produkter - tjenester, toalettredskaper, plaketter for møbler, cameos fra masser av svarte, blå, lyseblå og grønne toner, dekorert med hvite reliefffigurer som gjengir forskjellige eldgamle motiver, søken etter elegant enkelhet og klar harmoni av former er klarest nedfelt. I mange år i Europa prøvde de å avdekke hemmeligheten ved å lage porselen.

For første gang ble kinesisk porselen brakt til Europa av den berømte reisende Marco Polo på slutten av 1200-tallet, og på 1400- til 1500-tallet. Venetianske og portugisiske kjøpmenn begynte å importere et stort antall porselensprodukter til europeiske land. Når det gjelder egenskapene - hvithet, gjennomskinnelighet, hardhet, rikdom av farger - overgikk porselen betydelig alle keramiske produkter kjent for europeere. Porselen ble verdsatt svært høyt og var en luksusvare; konger, prinser, hertuger og deres hoffmenn drømte om å ha porselensartikler. Keramikerne i Frankrike og England, som ikke fant en anelse om den "kinesiske hemmeligheten", skapte i utgangspunktet sine egne varianter av porselenslignende keramikk - mykt fritteporselen og benporselen.

Ekte "hardt" porselen ble skaffet på begynnelsen av 1700-tallet. i Tyskland. I den saksiske byen Meissen, rett overfor hovedbygningen til Meissen porselensfabrikk, er det et monument over Johann Betger. hvis navn er assosiert med mestring av hemmeligheten og teknologien til å lage porselen. Historien om oppfinnelsen av porselen har imidlertid ennå ikke blitt fullstendig belyst og forårsaker mye snakk. Den saksiske kongen August fengslet Betger og utfordret ham til å mestre hemmeligheten med å skaffe gull. Naturligvis viste alle eksperimentene seg å være usikre, og Betger hadde en trist skjebne å ende livet på galgen eller stillaset, men skjebnen førte ham sammen med vitenskapsmannen Chirnhaus, som i lang tid var engasjert i eksperimenter med å skaffe porselen. Og i 1709 ble de første prøvene av porselensprodukter laget. Chirnhaus selv levde ikke for å se denne dagen, han døde i 1708.

Hemmeligheten med å lage porselen ble nøye bevart, porselensproduksjonen var lokalisert i de øvre etasjene av det kongelige slottet i Albrechtsburg, det var mulig å forlate verkstedene bare gjennom kongens private kvartaler. Betger var i stillingen som en ekte fange og døde i 1719, uten å ha fått frihet. Meissen porselensfabrikk var preget av et høyt teknisk nivå, produktutvalget var ganske mangfoldig; te og bordsett, krus, vaser, lysestaker og skulpturer ble produsert.

I dekorasjonen av porselen fra midten av det XVIII århundre. trekkene til rokoko-stilen ble reflektert med dens iboende mønster, letthet, lunefulle konturer og asymmetriske komposisjoner. Produktene ble malt med underglasur og overglasurmaling (blomster, "kinesiske scener", etc.), dekorert med gull, supplert med skulpturelle bilder av blomster og fugler. Glasert og malt skulptur ble preget av den fineste modelleringen av figurer og nøye utarbeiding av detaljer. Hele skulpturelle grupper ble også produsert, forent av et enkelt plot. Ved slutten av XVIII århundre. Porselensproduksjon ble mestret i mange europeiske land og porselen som kunstnerisk materiale ble overalt skjøvet andre typer keramikk til side. På dette tidspunktet dukket funksjonene til klassisismen med sin kult av ekstremt klare former og dekor opp i porselen. Glasert skulptur med maleri erstattes av skulptur av uglasert «bisque» porselen.

På 1800-tallet porselenets kunstneriske kvalitet synker gradvis, noe som var assosiert med kunstindustriens generelle tilbakegang, som var spesielt uttalt i andre halvdel av århundret.