Foto i stil med stilleben Moderne. Generelle lover av sammensetningen i bildet av stilleben

Den pittoreske fortsatt livene til XIV-tallet snakket om hyppigheten av all den jordiske og uunngåelig døden. De var fylt med symboler, hvis verdi i dag den vanlige seeren forstår vanskeligheter. Og hva forteller oss et moderne fotografisk stilleben? Hvilke temaer er bekymret for fotografer som arbeider i denne sjangeren? Vi lærer om det på seminaret.

Hva vet du?
- Har de viktigste temaene i stillhetene oppnådd fra middelalderen? Hva handler arbeidene i denne sjangeren i dag?
-Hva er det beste egnet for stilleben - frukt, sommerfugler, blomster eller søppel?
- Er det mulig å gjøre et stilleben på tusenvis av objekter?
-Hva gjør de mest opprørende fortsatt livene?
- Er det mulig å skyte stille liv under vann og hva som kommer fra det?
- Er det bedre å fotografere sammensatte sammensetninger eller bedre finne sammensetningene som har utviklet seg selv?
-Vel, når du trekker opp fortsatt liv, bruk Photoshop eller alt skal være "ærlig"?

Hvem er det?
Seminaret er designet for et bredt spekter av lyttere og krever ikke spesielle ferdigheter. Det vil ikke være noen interesse for alle som er tilstede i leksjonen, bare interessert i moderne fotografering er nødvendig.

Videoinformasjon
Navn: Fotografi som samtidskunst: stilleben
Andrei Zeigarnik.
Utgivelsesår: 2017
Sjanger: Seminar
Språk: Russisk
Løslatt: Russland
Varighet: 02:21:54

Fil
Format: Mkv.
Video: AVC, 1440x900, ~ 997 Kbps
Lyd: AAC, Lossy Kbps, 48.0 KHz
Filstørrelse: 1,1 GB.

Stille livet som en kunstgenre dukket opp tilbake i det fjerne 15. århundre, og da hadde han en veldig klar religiøs undertekst. Mange av de hellige ble innrammet av blomsterkomposisjoner. Allerede i det 17. århundre ble fortsatt livet til slutt dannet som en sjanger, samtidig som de grunnleggende reglene for sammensetning og klassiske teknikker oppsto.

Med utseendet på fotografering, mistet fortsatt livet ikke sin popularitet, selv til tross for at de fleste av dagens fotografer tiltrekker muligheten for å skyte i aksjon. Mesterene søker å skyte noe øyeblikkelig og uventet, statiske bilder er mindre attraktive og interessante for mange.

Noen tror feilaktig at fotografering av fortsatt liv er ikke en kompleks type skyting, fordi det kan virke å fotografere noe som ikke beveger seg og ikke endres i lang tid ikke så vanskelig. Faktisk er bilder av fortsatt liv oppnådd som følge av et langt monotont arbeid. Fotografen, skyting stilleben, bør jobbe med lys og objekter hele tiden. Det endrer jevnlig gjenstand for fotografering, bakgrunner og vinkel.

Som et praktfulle eksempler på bilder av fortsatt liv, vil vi vise deg bilder Paulette Tavormina (Paulette Tavormina) - Berømt fotograf fra New York. Bor i en storby, fant flyreiser sin egen måte, hvordan å flykte fra oppstyr og Serm. Hun forsvinner i timevis i sitt eget studio, og fjerner fortsatt liv, bestående av grønnsaker frukter og farger. Paulette Tavormina-bilder ligner klassiske bilder av klassisk maleri. De er svært kunstneriske og fascinerende.

Paulette Tavormina skaper også fantastiske sammensetninger av blomster, planter og små insekter på flyet. Bilder er mer som illustrasjon fra botaniske bøker eller fantastiske vegetabilske mønstre.

Paulette Tavormina Bilder ligger i museer, bedriftens og private samlinger, var representert i Paris, London, Moskva, New York, Los Angeles, Miami og Chicago. Flight Photographer Selvlært, Hans unike teknikk for å skyte fortsatt liv, utviklet hun seg selv, lærte i maleriene av nederlandske mestere.

Vegetabilske mønstre

Likevel kan livet kalles en av de mest komplekse sjangrene i enhver form for visuell kunst. Og på bildet, inkludert. Naturen, for eksempel vakker i seg selv. For å skape et fint landskap, er kunstneren nok til å finne et attraktivt sted, bare sette, vakker natur, og passere naturens tilstand på lerretet. Ja, det er selvsagt vanskelig. Veldig vanskelig. Ikke alle kan passere stemningen i bildet. Det er vanskeligere å gjøre det i stilleben. Tross alt, i still liv, i kontrast, la oss si, fra landskapet eller portretten, organiserer kunstneren selv denne typen, sammensetningen selv bygger sammensetningen, velger objekter for bildet ... Alt dette gjelder Fotohmere. Når du arbeider med stilleben, spiller den kreative fantasien til forfatteren, kunnskap om lovene i sammensetningen, følelsen av tekstur og lys, en svært viktig rolle ... tross alt, i motsetning til den allerede skapt av kunstneren av Natur og en mann av et landskap, stilleben, kunstneren skaper fra grunnen, organiserer den på et rent ark. Hvor det ikke var noe før. Sannsynligvis, derfor, ikke hver kunstner under kraften til å skape et godt stilleben. Se, i det minste på malere. Er det mange virkelige mestere av stilleben blant dem? Portraitister og landskapsspillere er mye mer .... Det samme kan sies om kunst av fotografering.

I denne artikkelen vil vi prøve å fortelle deg hvordan du lager et godt fotografisk stilleben. Selvfølgelig, la oss gi noen tips om dette. Vi håper at de vil hjelpe deg i ditt kreative arbeid. Vil være et incitament for kreativ vekst.

Hva er fortsatt livet begynner.

Fortsatt livet begynner med planen, det vil si bare å snakke med ideer. Se deg rundt - det som er i ditt hjem er av interesse som et objekt for å samle en stillebestilling? Hvilke objekter "spør" i rammen? Veldig bra Se på det stille livet til gamle og "teksturerte" elementer - ulike vaser, klokker, vintagebøker, porselen figurer, bordlamper, sett, lysestaker og stearinlys, noen ting laget av vev og store vev - servietter, duker ... Se bra ut i fortsatt livsstil og grønnsaker. Blomster er også en av favorittegenskapene til still-lister. Dessuten er blomstene ikke bare i live, men også tørket. Det er ingen fantasivergrense her. For fortsatt liv er en rekke elementer egnet. Det viktigste er at alle disse elementene harmoniseres med hverandre i form, farge, tekstur, som betyr at ... vel, for eksempel hvilken ide å kombinere i ett stilleben, la oss si, passas og en eplevase?

La oss starte i det minste med den enkleste sammensetningen selv: stilleben, det viktigste "karakteren" som vil være en fruktvase. Noen vil si at et slikt stille liv er det vanligste, vanlige og ikke nye. Hva så! Enig, hva kan være vakrere og mer interessant enn vakre frukter i en vakker vase? Det vil være ideen om vårt stilleben. La oss nå avgjøre hvilke elementer fra vi kan posisjonere ved siden av en slik skjønnhet, hvilke teksturer og farger som vil bli harmonisert med blomster og teksturer av frukten og vasen selv. Gitt alt dette, husk om semantisk fylling av stilleben. Tross alt, fortsatt liv, som et annet bilde, bør fortelle noen historie. Vel, forestill deg, for eksempel: en vase med epler, pærer og kirsebær, og noen få wildflowers og et krus med melk. Alt dette ligger på en enkel mace av et rustikt bord. Her har du en historie om tidlig morgen i landsbyen!

Vi velger et sted å skyte stilleben

Et passende bord for fortsatt livet kan tjene noe. Ethvert bord i ditt hjem kan spille denne rollen. Og ikke bare bordet. Elementer for skyting Stilleben kan plasseres på vinduskarmen, på nattbordet, selv på hyllen i skapet. Hovedkriteriet her er styrken til dette substantive bordet og dets tilstrekkelige område. Slik at det var et sted for hvor dine kreative fantasy fantasier rolig, slik at hun var romslig og lett å bo der. Selv på gulvet kan du organisere komposisjoner fra elementer for å skyte fortsatt liv. Vel, og hvis overflaten du installerer varene dine, er stygt eller i det hele tatt som passer for alle mulige kriterier for stilleben, hvor du arbeider, kan den dekkes med en vakker klut: en duk eller et serviett. Du kan ganske enkelt sette et stykke papir på den eller vakker kryssfiner, for eksempel.

Ikke glem om bakgrunnen til ditt stilleben. Bakgrunnen i denne sjangeren av den visuelle kunsten spiller en svært viktig rolle. Tross alt, det er han spør alt stemningen på bildet (og fotografier, selvfølgelig)! Vel, for eksempel, hvis bakgrunnen til ditt stilleben er svart, burgunder, mørk brun eller bestående av en kombinasjon av disse fargene - så bildet får du en dramatisk, på en eller annen dyster. Lys bakgrunn - hvit, rosa, salat, blå - Gi fortsatt livs ømhet, sensualitet, romantikk. På en lys bakgrunn er det godt å skyte "kvinnelig" fortsatt liv, på mørke - "menn". Det vil si de som fortsatt er livsliv, som det var, tilhører en kvinne eller en mann, eller for dem er ment.

Materialet for bakgrunnen av fortsatt liv kan tjene som et kryssfiner eller papp, malt i ønsket farge, noe annet materiale, fortrinnsvis ikke en glitter og matt. Med en blending å jobbe veldig hardt selv til gode mestere av fotografering. Hvis du bruker stoff som bakgrunn, kan du dra det vakkert, det vil si å ligge med spektakulære folder. Noen klarer å skyte stille liv i det hele tatt uten å bruke bakgrunnen som et spørsmål. Dette kan gjøres i tilfelle du ikke bruker naturlig lys, men fjern kun med kunstig belysning i et mørkt rom. I dette tilfellet må belysningsinnretningene rettes utelukkende til de fotograferte elementene. Samtidig går alt annet som vil forbli utenfor omfanget av dette lyspunktet, i full mørke og blir til en dyp, vakker matt svart bakgrunn.

Vi bygger sammensetningen av stillheten

Å skape en sammensetning er kanskje det vanskeligste stadiet i arbeid på fortsatt liv. Noen dette stadiet kan virke ubetydelig, ukomplisert. Det virker ved første øyekast, alt er enkelt: sett vakre elementer på bordet - og begynn å fotografere dem. Men det er ikke i det hele tatt. Mer presist, helt feil! Svært raskt vil du forstå at noen ting ikke harmoniserer med hverandre, for eksempel i fargen, i størrelse, i betydning ... sammensetningen er uforholdsmessig, "faller" til en eller annen. Kort sagt, realiseringen at dette stadiet i arbeidet med fortsatt liv er det mest komplekse og viktigste, sent eller tidlig kommer til deg. Og du vil forstå at det ikke er ideelt, men selv bare sette gjenstander for stilleben - dette er en svært vanskelig oppgave. Og det er langt fra å bli løst av hver fotograf og kunstner.

Så fortsett til direkte arbeid. Vi begynner å skape sammensetningen av vårt fremtidige stilleben.

Først og fremst må vi bestemme hva som vil være i vårt stille liv for publikum senteret for interesse. Enkelt sagt, det vil være i vårt bilde hovedobjektet, slik som hele det som er opprettet, er jobbet rundt. Vel, siden vi begynte å snakke om stilleben på eksemplet på en fruktvase, så la dette emnet og fortsett. La henne, denne vasen, og vil være sentrum, hovedobjektet for hele sammensetningen.

Først av alt er det nødvendig å ta hensyn til at de semantiske og geometriske sentrene av noe maleri, inkludert bilder, og selvfølgelig fortsatt liv - ikke alltid sammenfalle. Kort sagt, hvis vår fruktvase vil være tydelig i midten av rammen av rammen, i krysset mellom hans diagonaler - er det dårlig (oftest dårlig. Men ikke glem at det er unntak fra noen regler ...) . Så vi anbefaler at du flytter vasen til en av sidene av rammen. Du kan returnere eller sette en annen eller flere av noen objekter. Vel, for eksempel, et eple satt i nærheten av vasen. Eller et vakkert glass med vin i nærheten for å sette ... Hvis du er så glad, kan du forlate fruktvasen og i stolt ensomhet. Og det kan også være vakkert og harmonisk. Men likevel vil det være nok til å gjøre det. Minimalisme har alltid vært en kompleksgenre i visuell kunst. Jo lettere, desto bedre er det hovedprinsippet om minimalisme. Og for å innse ham i livet, i virkeligheten, er det langt fra hver kunstner. Så til å begynne med anbefaler vi at du fortsatt gjør en sammensetning av stilleben fra flere elementer. Men ikke glem at alle disse elementene er sammenkoblet av mening, de ville hamonisere i farge, form, størrelse og tekstur. For eksempel, hvis eplene av rødt i vasen din er koselige, så nær, på en vakker snøhvit duk, kan du sette en stolt rød rose. Eller rød valmue. Men la oss si at blanderen brakte med deg fra kjøkkenet, selv om det er rødt, vil det være helt upassende i denne sammensetningen. Det bør streve for å sikre at gjenstander i fortsatt liv supplerer hverandre, og argumenterte ikke blant seg selv, de forårsaket ikke en følelse av forvirring fra betrakteren.

Så, vi bestemte oss for komposisjonene. Gå til neste fase av arbeidet:

Sette lys

Riktig levert eller valgt lys i stilleben er like viktig enn riktig sammensetning.

Hvis du jobber på et stille liv hjemme, ikke i et spesielt studio, men i leiligheten din, er det best å begynne å skyte med naturlig, dagslys. I dette tilfellet anbefales emnebordet til å lokalisere ikke langt fra vinduet eller motsatt det. Myk, spredt, og samtidig retningslyset som faller ut av vinduet til fagkomposisjonen, vil skape vakre, lange, ikke-boblende skygger fra elementer, og samtidig vil det være til nytte og avsløre tekstur av disse elementene , gi dem volum.

Hvordan ville det ikke synes å være rart, kontrollere og regulere det naturlige sollyset fra vinduet er ganske enkelt. Det er lett å produsere ved å manipulere med forskjellige reflektorer og demper, for eksempel, for eksempel fra papp, kryssfiner eller andre materialer som er til stede. Reflektor, la oss si, kan tjene som et vanlig A4-papirark, lene seg for noe på motivetabellen. Ja, selv foldet av "Shalashik" og avisen som følger med i nærheten, vil kunne fungere som reflektor!. Du kan diatense lyset fra vinduet ved hjelp av vindusgardiner eller persienner.

Hvis du jobber på ditt stille liv om kvelden, og dagslyset er rett og slett utilgjengelig for deg, er det nødvendig å jobbe med lett kunstig lys. Som en kilde til dette lyset, vil den mest vanlige fotolisten passe godt. Trenger bare å ha en diffusor på den. Hvis dette ikke er gjort og fjernet uten diffusor, kan det være skarpe, grove og stygge skygger. Hvis du har en god kilde til permanent kunstig lys, er det bedre å bruke det sammen med SoftBox.

Som en ekstra lyskilde kan du bruke en bordlampe. Lyset av lys fra det, for eksempel, kan rettes på bakgrunnen. Men i dette tilfellet må det kjøpes vekk fra bakgrunnen, i en avstand på omtrent en meter. Ellers vil lyspunktet på bakgrunnen være veldig skarp, uhøflig og stygg. Skrivebordslampen kan installeres og bak deg innebygde sammensetninger fra elementene og bruke den som en kilde til innholdslyset.

Værsågod. Sammensetningen er bygget. Lyset leveres. Alt er klart. Vi begynner å skyte. Likevel er livene best fjernet fra stativet. Hvorfor? Fordi du kanskje trenger å oppnå visse mål for å jobbe med tilstrekkelig lange utdrag. Og uten stativ er slik skyting ganske enkelt umulig. Kameraet skal stå jevnt. Som et eksempel, er fortsatt livet til det klassiske tsjekkoslovakiske bildet av midten av forrige århundre Vaclav Jira, som han opprettet i sitt studio eller utenfor det om natten, utelukkende under månelyset, uten å bruke ingen ekstra lyskilder. Vel, og hvis du ikke legger slike høye mål, og fjern deretter fra hendene, prøv å holde kameraet slik at det ikke shivel. Smøring, uskarphet i still liv ekskludert. Dette er sjangeren i kunst - alt skal være tydelig.

I prosessen med å skyte stilleben, anbefaler vi omorganiserte objekter fra sted til sted, dristig forandre lyset, flytte kildene i forskjellige retninger. Fjern med forskjellige utdrag og ulike membraner. Endre andre innstillinger for kameraet ditt. Fjern med forskjellige vinkler, fra forskjellige skytespill. Fjern med forskjellige linser. Improvisere på farten! Se etter ulike alternativer! Det er i ferd med å skyte stille liv og en viss spenning oppstår, en slags mot. Du vil ønske å bygge alle de nye og nye alternativene for fortsatt livsammensetningen, alle nye og nye belysningsordninger. Ikke skat din kreative fantasy-fly! Kanskje i dag vil du lage din beste ramme som vil glorifisere deg!

Ja, og en mer kommentar. Den siste vår anbefaling for i dag. Hvis du har mye hvit nok i ditt stilleben, før du begynner å fotografere, anbefaler vi sterkt ikke å glemme å sette den hvite balansen på riktig måte i kamerainnstillingene. Ellers, da, under etterbehandlingsprosessen, et øyeblikksbilde på en datamaskin, må du være ganske tonet med fargekorrigering i en grafisk editor. Enkelt sagt, i Photoshop.

Vurder søknaden og en kombinasjon av forskjellige typer komposisjoner avhengig av det valgte bildet og planen på eksemplene.

Fortsatt livet kalles "historien om den glemte på turenes reise".
Når du skaper dette stilleben, ble det bare en brennende lampe brukt fra gjenstander, som ble brakt til kysten av et snødekte reservoar. Deretter ble teksturen på dekselet til den gamle boken lagt til Photoshop, fokus på flammen.
Tanken var veldig viktig når du valgte en stillebestilling. Objektene burde ha vært i det minste slik at ingenting distrahert fra hovedobjektet, og synspunktet ble valgt slik at landskapet i bakgrunnen med det utgående utsiktene til kysten ble lest. Teksturoverlegg tar et øyeblikksbilde mer dramatisk. Sammensetningen er diagonalt, lineært for å understreke form av gjenstandene og linjen i kysten. Hovedfokuset på sammensetningen - brannen, er i krysset mellom linjene i den gyldne delen. Hoveddelen av sammensetningen skiftes til venstre kant, på grunn av øyet fra brannen fortsetter å følge kysten i øverste høyre hjørne, søker der motsatt diagonalt balanseringsflekk. En slik flekk kan være skipet i horisonten, som er fraværende å øke følelsen av ensomhet i arbeidet.

Stilleben kalles "symfoni i røde og gulltoner". Navnet og stilen for arbeidets ytelse er inspirert av Whistlers arbeid, kunstneren engasjert i problemene med fargeskader som viktige elementer i den kunstneriske planen. Han kalte ofte sitt arbeid med "Symphony". Sammensetningen er bygget i oval for å markere myke, avrundede former for gjenstander, formen av ovalt har en fortsettelse i Watch-vinduet. Konturene til objekter er myknet, samplet, effekten av problemer, glød, praktisk talt søvn er opprettet. Varene selv er valgt som symboler for kunnskap: Broken Grenade - Kunnskapsstruktur, Bøker og Scroll - Resultatene, og klokken (symbolet på tid) er en nødvendig betingelse. Arbeidet er bygget på enheten til tone og fargeforhold (på mørke farger).

"Historie av gammel sjømann" eller "historien til den gamle sjømannen". Historien om dette stilleben er ganske enkelt: Elementer er valgt av foreningen med sørlige land, behandling i stil med den gamle fotografiet, delvis malt. Men selve livet selv er satt på en slik måte at dets elementer i deres masse ser ut som et portrett (som grunnlag for kunstneren til renessansen D. Archimboldo). Følgelig inneholder innstillingen en dobbel travelforening: gjenstander fra "fjerne land" og fortelleren - "bestefars reisende".

"Forventning". Foto tatt i Museum of Retro Cars i Moskva. Balansert sammensetning med Tone Silhouette Rhythm. Betydningen av arbeidet er at hvert emne har sin tid. Sammensetningen er bygget slik at en følelse av stasjonen er opprettet, hvor passasjerer (ting) før styret (klokke) venter på deres tur ...

"Falle". Fortsatt liv på høsttemaet overalt er svært varierte, rike og vakre. Hvis du husker billetten, fortsatt livene M. Di Caravaggio, så legemliggjør de all fruktbarheten til "høsten", feiringen av Vakha. Derfor er sammensetningen av dette fortsatt liv basert på teknikkene som den italienske kunstneren brukte. Elementene er underklart, dekorative, sammensetningen er bygget på trekantfiguren. Den klassiske typen arbeid gir også en pålagt tekstur.

"Kamille" eller "Land stilleben". Sammensetningen er også bygget i en trekant, men hovedfokuset er laget på belysning - lys, varm, myk. Unity of tone og farge relasjoner (på lys toner) gir arbeid med en følelse av ro, enkel, enkel skjønnhet.

"Currant". Den friske lineære sammensetningen er meget godt egnet til å understreke skjønnheten i linjene i børster, glattheten i overgangene. Rhythm-avrundede former skaper en følelse av spredte perler.

"Alt gikk." Tone, friksjon, konkludert i trekantsammensetningen. Tørkede blomster, "falmet" epler, etter å ha flagrende en farget plate - som gamle alderssymboler. Tiltlinjer av blomster Opprett tilstedeværelsen av "dialog" mellom objekter, samtale, gjensidig hjelp og støtte. Aksenter er plassert på gulgrønne nyanser.

"Frost Høst." En vakker kald blå-lilla nyanse, som er tilstede i elementene, skaper en adel atmosfære, en følelse av lys frost, inea. Den opprinnelige fargen på Apple ligner frostige mønstre på glasset.

"Alt er glemt." Frosing kontur lineær sammensetning. Tørkede blomster, "fading" epler, etter å ha flagrende en farget plate - gamle alderssymboler. I motsetning til stilleben, "gikk alt bort", ingen dialog, så ordet "glemte" lyder i tittelen. Aksenter er plassert på gule hvite nyanser.

"Berry te". Dynamisk diagonalsammensetning, lineær, bygget på rytmen av røde, svarte og hvite farger. Fargekombinasjoner er valgt av foreningen med Berry-Floral Tea - Warm, med en kompleks rødbrun fargetone. Et lite fokus i behandlingen er gitt til retro stil.

"Bjørnebær". Retro stil. Noble Dark Raspberry nyanser av BlackBerry og Flower Malva er understreket på grunn av kontrast med gul kopp
.

"Symfoni". Diagonal sammensetning, lineær. Blomster og blader er ordnet i orden som ligner på notater. Blomster i en vase symboliserer ulike nyanser i musikk (forte, piano). Draperi på bakgrunnen er støtte for forgrunnslinjer.

Arbeidet er bygget på enhetens tone og fargeforhold. Linjær sammensetning i den ekkel gamma. I stilleben begynte ideen om sammenligning av to - 1. Fragility, Tenderness, Lightness, Fleeting, Short-Life (Phlox), 2. Hardhet, evighet, konstans, statisk (steinvase) og foreninger dem: varme, Eleganse, plast og unikhet av fargekonturer og steinfargelinjer.

"Sea Shell". Sammensetningen er bygget i henhold til figuren "sirkel". Blomsterstående symboler (allegorier) av marine stjerner og en vase-skjell. Den ekstra tekstur gir arbeidet effekten av gull og overfylte bølger.

"Shepherdess". Her vises den samme vasen allerede som kurver. Plassering av elementer (blomster, blader og vaset) fly, dekorative, kontur. Arbeidet forårsaker foreninger med fransk maleri ganger Rococo.

"Kveldsskygger." I dette stillebenet spilte ikke bare elementene (asters og epler) en viktig rolle i sammensetningen av sammensetningen, men også skyggene som faller fra dem, hvilken handling (på grunn av deres klare lesbare form) som uavhengige skytobjekter.

"For henne ..." Tone Solution Sammensetning. Likevel er livet gjort i stil med gamle postkort. Blomster (store hvite peonies) i en vase, hvite perle tråder, ringer og øredobber med perler - alt peker på "feminin" stilleben. Lagt til Haze og andre teksturer gir arbeidet ekstra letthet og luftighet.

"NatureZhiv". Fortsatt livet er bokstavelig talt oversatt som "død natur". Men for fortiden siden utseendet i kunsten til denne sjangeren begynte situasjonen å forandre seg. Det nye navnet på denne sjangeren dukket opp i bildet - "stilleben" - "stille liv", flere og flere eksperimenter. Ideen om dette arbeidet var "fødselen av et nytt stilleben". Kattunge i stilleben - midten av sammensetningen - hovedkomponenten i stillheten. Den lineære tonesammensetningen er lined opp i en trekant. Lys tone i stilleben, fremhevet av motstykkehår av kattungeull, hans stilling - fødselssymboler. Frukt er også valgt en liten størrelse for å opprettholde atmosfæren.

"ASTRA". Klassisk stilleben, Vaza-form er understreket av en mørk bakgrunn. Sammensetningen er diagonalt, fordelen i buketten med to astr (lilla og hvite) på høyre side skaper en historie om hvordan 2 blomst så ut av den totale massen for å beundre seg i speilet. Og speilet selv, i kombinasjon med en mørk bakgrunn, gir arbeidet med fargetone av den teatralske situasjonen.

Buehecher. Den klassiske sammensetningen, bygget på toneforholdet mellom objektene, er bygget i trekantfiguren, hvor hans sentrale akse også spiller en viktig rolle (det er semantiske poeng på det: en jentehodet med en versjon av Vermeer, en kontrast hvit blad på en mørk bakgrunn, mynt). To parallelle stearinlys og røyken som kommer fra dem, gir en dynamisk utgang av sammensetningen.

Fortsatt liv klassisk med sommerfuglen. En todelt sammensetning bygget på å kombinere objektgrupper og konklusjon av deres sammensatte figurer - en støttegruppe (i dette stillebenet - en trekant oppnådd av en gruppe blader) er inne i hovedet (ellipse oppnådd av den generelle innstillingen av objekter). Sammensetning "kontur", "lineær". Fargestøtte for venstre nedre og høyre øvre hjørner (sommerfugl og drap i bakgrunnen) er den samme (sammen med den visuelle linjen fra nesen av krukken) og den dynamiske utgangen øverst til venstre.

Mamut. Den klassiske "tonalsammensetningen, bygget i figuren" rektangulær trekant ". Likevel er det to grupper balansert mot hverandre: 1 gruppe - to krukker, 2 grupper - to elefanter.

Keramikk. "Tonal" sammensetning bygget i oval. Dynamiske utganger i den er visuelle linjer fra arket av lønn, to støt og håndtak av brettet. Anonyme farger kombinerer ikke bare elementer, men legger også vekt på deres individualitet ved å få rollen som teksturbarhet.

Fortsatt liv klassisk. "Kontur", "lineær" sammensetning bygget på samspillet mellom to grupper av gjenstander kombinert til geometriske former: 1 gruppe - bygget på aksenter på gulgrønne toner "semi-walled" - Hjem, 2 gruppe - "trekant", bygget på pinned farger - ekstra. Sammensetningen inneholder dynamiske utganger til øvre venstre og øvre høyre hjørner: bladene av blomster, håndtaket av kurven, toppen av lyset, knotten ved krukken.

Teekane. "Tone-sammensetning bygget på kontrast av lys og mørke toner. Hovedkomposittsenteret er bygget i kontrastpunkter, valgfritt - av nærmeste. Rytme i sammensetningene definerer striper i bakgrunnen, de balanserer.

Mandarins. Staging 1. Diagonal sammensetning som har en gruppe gjenstander, i tillegg kombinert til en "ellipse" geometrisk figur. Kontursammensetning bygget på pinnede fargekombinasjoner.

Mandarins. Staging 2. Todelt sammensetning (trekant og ellipse), kontur, bygget på pinnede fargekombinasjoner. Dynamiske utganger: 1 - visuelle linjer langs arket og burrowing av krukken på øverste venstre hjørne; 2 - visuelle linjer langs lekkasjen av mandarin på venstre og høyre nederste hjørner.

På 1970-tallet, i den vestlige kulturen, er utfordringen nå abstrakt kunst, det er et nytt form for maleri - fotorealisme (eller hyperalisme, superlyalisme). Stort lerret av oljemaleri, som bare størrelsen skiller fra bildet. På kunst har det aldri vært noe sånt - som grunnlag tok kunstnere ikke noe liv, men et bilde, dessuten et bilde av husholdning, amatør. I bildene av fotorealister - banal hverdag, en upersonlig, todimensjonal, kald, imperoneal og følelsesmessig virkelighet, savnet et bilde. Superradiance er koblet til flyttbar når du kopierer slike bilder. Ideologien til fotorealismen er anerkjennelsen om at reklame, fjernsyn og, hovedsakelig, bildet i ulike manifestasjoner av bordet domineres i den visuelle oppfatningen av en moderne person, som forskyver virkeligheten som sådan. Fotografi - objektet er like ekte og viktig, så vel som virkeligheten - bildet er ofte enda mer overbevisende virkeligheten selv. Arrangere om prinsippene for moderne visuell oppfatning og kunstnerens rolle i samfunnet, ble fotorealismen den første konseptuelle kunsten.
Fotorealisme viste at fotografiet er den mest tilstrekkelig til moderne bevissthet og oppfatning av det visuelle språket, grunnlaget for hele den moderne visuelle kulturen.

Ralph går. "Blå Salf Tupler." 1980.

Ralph går.

Moderne bilde (moderne fotografering - faktisk fotografisk grafikk) ble dannet på 1990-tallet, da artister begynte å jobbe med et bilde med et media. Moderne bilde eksisterer ikke utenfor konteksten og er uforståelig for den uforberedte seeren. Bildet sluttet å være estetisk objekt. Alle moderne bilder kan deles inn i to retninger:
1. Konseptuelt bilde (utforsker seg);
2. Tverrfaglig fotografering (relaterte disipliner kan være: Vitenskap, kultur, sosiologi, for eksempel sosial forskning eller kulturell dialog med klassisk fotografering).

Parallelt med det moderne bildet er det kunst (vakker kunst, kunsten til vakker), den eneste oppgaven som er overføringen av skjønnheten i den omkringliggende verden. Høykunst gjelder ikke for moderne fotografering.

Konseptfoto er et bilde om fotografering, kunst som analyserer kunst. Hun er engasjert i å undersøke seg selv: sitt eget språk, sin funksjon, sin rolle i sin natur.
Hovedoppgaven til kunstneren er å gjøre betrakteren til å tenke på det, mens det konseptuelle bildet er mer sannsynlig å stille spørsmål enn svarene gir. Mens bildet er opprettet, er det en studie, resonnement, de er viktigere enn det endelige resultatet - selve bildet. Fotoet er bare et media, en visuell form for et uttrykk for tanke, studier av kunstneren.
Serien i moderne fotografering har en ny betydning - dette er ikke et bildehistorisk, som i modernisme, og typologi, som Karl Blossfeldt. Med unntak av noen forfattere jobber kunstnerne mellom serien (uttalelsen er født bare i serien), hvor hvert enkelt bilde ikke er en slags historie.

I utgangspunktet var konseptuell fotografering estetisk stygt, dokumentarisk og bilde uinteressant. Dermed definerte artister et nytt språk av fotografering, et nytt formål. Fjern fra bildet Alle de kjente utløserne i den klassiske fotografien ("avgjørende øyeblikk", sammensetning, følelser, bevegelser, gjenkjennelig scene, tildeling av det viktigste tingen), artisterne forsøkte å tvinge betrakteren til å se på bildet selv, tenk om hennes natur. Konseptuelt bilde av ikke-frekvens, tørr og distansert.

Senere dukket det såkalte "Postconceptualbildet", som ble mer kjent fra estetisk synspunkt og dyrt i produksjonen, som henholdsvis påvirket prisen på det endelige kunstverket. Som regel er slike gjerninger som følger fotorealisme, stor størrelse, skutt på et stort formatkameraer og skrives ut på en slik måte at alle de minste detaljene er synlige. Takket være denne metoden for å sende inn bildet, nærmer bildet seg så mye som mulig, slik at betrakteren kan dele virkeligheten som er avbildet i bildet. Hyperteciliserthet gir hypertrophied hyperaity. Samtidig bruker mange artister for overføring av deres ideer estetikk av amatørbilder.

Kunstnere bruker et moderne språk på bildet, unntatt når de går inn i kulturdialogen med kunsthistorien eller historien til fotografering.

En konseptuell tilnærming til bildet kan først svekke interessen for fortsatt livets sjanger. Men takket være noen kunstnere har fotografisk fortsatt livet mottatt et nytt utviklingsstadium. Så, Jan Grouver (1943-2012) slått kjøkkenutstyr i dyktige komposisjoner. Gløden gir ofte preferanse for å danne over innholdet, mens nesten krysser temaet fra sin kreativitet. Dens komposisjoner består ofte bare av kanter av objekter forkortet utover anerkjennelse. Teksturet er like viktig som skjemaet. Bildene av denne serien, lysene er mindre i mindre grad er øyeblikksbilder av kjøkkenutstyr, og i mer komplekse, noen ganger abstrakte bilder av romlige arrangementer, inkludert form, farge og tekstur.

Jan Ground. Uten navn. 1978.

Arbeidet med sveitsiske kunstnere Peter Physley (s.1952) og David Weissa (1946-2012) godkjenner et fotografi som et middel som kunstneren er i stand til å presentere en ordinær, men i deres tilfelle den peaned, betinget, tvilsom. For sin serie "likevekt / stille middag" tok de husholdningsartikler og balansert dem i ustabile strukturer på en slik måte at underlige skulpturer balanserer på randen av ødeleggelse. Deres alvorlighetsgrad av skulpturer er ikke utsatt for tyngdekraftenes handling og disarrangementet, og den evige kom til kameraet.

Peter Physley og David Weiss. "Silent middag." 1984-1985.

Nobuessi Araki (r. 1940), som kalles geni og den største av de nå levende japanske fotografer, nærer en spesiell interesse for temaet femininitet, kvinnelig figur og kjønn. Med hjelp av en moden kjerne gjentok en litt rynket frukt av Araki skjemaene til det kvinnelige organet. Opprette en serie "Eotos" i 1993, kom Araki opp med navnet, som forbinder to emner i den, og spilte en nøkkelrolle i hans kunst: temaene Eros og Tanatos (ifølge Aorden Z. Freud, Eros - Kjærlighet , skapelse, sex, liv, "Tanatos" - strever for grusomhet, aggresjon, sadisme og død). I fotografier av Araki, er disse kreftene ansikt: en kilde til mannlig lyst blir en frukt, som allerede har begynt å være dekket med mugg og kollaps. Kunstkritiker Jerry Badger sa: "Pornografi er faktisk i seerenes øyne."

Nobuessi Araki. "Eotos". 1993.

Fotografi MAGNIETA Smoothiders "Kjærlighet vinner alle" gir opphav til motstridende følelser. Den har en merkbar innvirkning på bildene av XVII-tallet og hørte ekkoene i temaet hjemkomfort. Skjønnhet her er uløselig knyttet til fading. Det ser ut til at blomstene i bildene, som speedders ofte gjør med hjelp av speil, er i ferd med å vises. Hun ringer til blomstene "skuespillerne", som skildrer "hele verden, med alle relasjoner og dramatiske situasjoner." På dette bildet er en viss vag trussel merkbar: arrangementet her og det er buede grener, og den vannrike blå tomheten i midten truer med å oversvømme hele maleriet og ødelegge skjøre blomster. Speeders fungerer i den klassiske tradisjonelle sjangeren, men hypertrophied, uvirkelige farger skaper en skarp effekt, vanligvis ikke typisk for bilder med blomster. Som mange moderne fotografer, så Speeders i naturen døden og uunngåelighet av forfall. Blomster på bildet ser ut til å være separate deler av kroppen, som tenner og språk som er dømt til dekomponering. "Storslåtte og uvanlige erotiske malerier presenterer deg til en annen dimensjon. Store speil, fancy glass vaser, tette draperier, frukt og beskjærte buketter - dette er hva disse "canvases" består av Magritet Speeders selv om hans verk.

Margrieve smulders. "Kjærlighet vinner alt." 125x1100 cm. Fragment. 2005.

Dette arbeidet er i god oppløsning på forfatterens nettside http://www.margrietsmulders.nl/index.php?pid\u003d10&gallery\u003d7 Det er det mulig å bla i et praktisk tempo og holde fast i noen del
Delightful Speed \u200b\u200bnettsted med andre arbeider http://www.margrietsmulders.nl

Den amerikanske fotografen James Welling (r. 1951) kaller sin praksis "Revival of modernism, men i en historisk sammenheng." "Flower" -serien er en dyp analyse av tidligere fotografering, dens status som den er evolusjon. Welling plasserer stengler av planter på en svart og hvit film og utstillinger, deres hvite skygger reflekteres på en svart negativ bakgrunn. Deretter eksponeres forskjellige former med fargefiltre igjen. Som et resultat oppnås lyse fotograder av farger - deres mørke skisserer på en hvit bakgrunn med myriader av myke skinnende nyanser. John Herschel - forfatteren av begrepet "fotografi" (jeg skriver lys), mens William Henry Fox Talbot foreslo et annet begrep - "sciografi" (skyggens kunst). "Flower" -serien er frukten av begge definisjonene: i første etappe (etableringen av det negative) brukes skyggen av anlegget, på den andre (skaper en farge positiv) - skyggen er fylt med et sterkt lys, gir fødsel til et bilde. Welling minner om at skyggen spiller en like viktig rolle når du lager et bilde, som lyset. "Ikke at jeg ikke var interessert i innhold, men innholdet er ikke det eneste som gir betydningen av bildet," sier Welling.

James Welling. Fra serien "blomst". Copyright Photogram Technique. 2006.
Photoogrammer av farger på welling-området, kan du også finne andre prosjekter http://jameswelling.net/projects/17

Monumental Abstraksjoner av Christian Markley (R. 1955) - "påminnelse (overlevende den sterkeste)". Navnet fungerer som en nøkkel er en påminnelse om utdødd media. Med detaljert vurdering blir ødelagte kassetter merkbare, det blir klart at det lossede magnetbåndet strekkes langs hele bildet. For hans Allyusia på Darwins teori og "utryddelse" gjenskaper de magnetiske kassettene dyktig nesten forsvunnet teknologi av cyanotype av XIX-tallet og imitert den "utdøde" stilen av abstrakt impressionisme og Jackson Pollock.

Kristne marcles. "Den sterkeste overlever". Cyanotyper. 2008.

"Fra den virkelige, fortsetter" ex-kroppen "av kroppen stråling, berører meg, som ligger på et annet punkt; Med mine øyne forbinder kroppen av en fotografert ting skylden av navlestrengene, "skrev Roland Bart, og hans ord krysset ut med sagt om Susan Paraply at" bildet lar deg røre den for å berøre oss som en sen stjernestråler . " Trail, Pointer, enhver tråd som forbinder et bilde med virkeligheten, er interessant å bli vevd i arbeidet med den britiske fotografen Richard Leard (R.1966). I sitt verksted utviklet han en helt ny fototeknikk. Bruke rommet som et fotolaboratorium, skaper det store kluter på et positivt fotopapir. Lys, repulsted fra emnet, det samme som skinner til øynene dine. Som Bart sa, er emnet og publikum forbundet med navlestreng fra fotoner. Speil refleksjoner av LIARDES virker utrolig nært; Slike bilder av de første teoretikerne av bilder kalt "galskap av materie" eller, som Andre Bazen sa, "hallusinasjon, som samtidig er sant."
På bildet "Betongblokker med en hare" livløs kropp av en hare "holder" betongblokker i en semi-lignet tilstand, som er en frossen parodi av livet. Reproduksjoner av Liarda, som mange andre moderne kunstnere, finner sjelden et svar i publikums øyne. Den innovative fotograferingsteknikken lar deg lage monumentale bilder med utrolig skarpe detaljer, selv om vi vurderer å jobbe tett. Tilskuere tiltrekker store blad med hyperalistiske bilder. På bildene som presenteres her, skaper en slik maktkraft, slik sannhet en skarp kontrast med en livløs torso av et dødt dyr. Ved hjelp av lyratpositivt fotopapir forårsaker en av de første formene for fotografering i minnet (som har blitt populært for skyting død): Douburotype. Lyset går rett fra emnet og bosetter seg på overflaten av Dagerrothip, hvor så vel som i Liarda-teknikken, er det ingen mellomliggende negative.

Richard Liard. "Betongblokker med en hare." 2007.

Video om Libreder og hans kamera http://www.sfmaom.org/explore/multimedia/videos/694

De fleste verkene til den tyske mesteren i Thomas Demona (R. 1964) kopierte med bilder, inkludert fra nyheten, og fikk trippel sans: faktisk er det fotografier av papirskulpturer av det opprinnelige bildet. Gjennomføringen av dette fører betrakteren ned langs galleriet til speilene, hvor forskjellen mellom virkeligheten og fiksjonen blir åpenbar. Etterspørselen begynner å jobbe med valg av fotografering, og skaper deretter en tredimensjonal kopi av den naturlige mengden papir og papp, som ødelegger etter undersøkelsen. Kildefotografiene skildrer ofte kjente hendelser: Så med sitt arbeid "selektivt element", reproduserer det fotografiene i sentrum av nødsituasjonen Palm Beach, hvor presidentvalget av 2000-tallet ble holdt. Stillbildet setter spørsmålet om prosessen med "kontemplasjon av papir med hull i mer enn 6 uker, da når to hundre eller tre hundre ark vil vesentlig påvirke skjebnen til denne verden." Ved første øyekast ligner bildet i bildet et stort kontor. Men med nærmeste vurdering er det imidlertid merkbart at alle telefonene er de samme, overflaten flat og dette er et kontor laget av papir. Papiret er samtidig et lettelsesbilde av bildet og et objekt av bildet (bulletins). Slim informere virkeligheten, etterspørselen gjør et spørsmål om påliteligheten til bildet. Er det mulig å stole på bilder? Er det virkelig det som er avbildet på det?

Thomas etterspørsel. "Valgpunkt". 2001.
Defana fungerer på hans nettside (ikke glem at alt dette er bare papir) http://www.thomasdemand.info/images/photographs/

Folk oppfatter ofte bildet som en transportør av informasjon, sannferdig avtrykk av en partikkel av verden. ARI GERSHT (R.1967) kompliserer en slik mening, og tvinger betrakteren til å søke snitt mellom fotografering og menneskelig syn. Bildet av "eksplosjonen" fra serien "en gang med en gang" demonstrerer et hypereligistisk bilde som deler tiden for små partikler, som ikke er under kraften i det menneskelige øye. Det gjør også en spenning på overflaten som regjeringen mellom skjønnhet og grusomhet. GERSHT innrømmer: "Jeg er interessert i motsetninger - skjønnhet og avvisning, så hvordan øyeblikket av ødeleggelse under en eksplosjon av en bukett blir for meg tidspunktet for skapelsen." I begynnelsen løsner Gersht blomstene med flytende nitrogen, deretter plasserte en liten eksplosive skall mellom kronbladene og fanget eksplosjonens øyeblikk ved hjelp av høyhastighets digitale kameraer og en spesialdesignet elektronisk enhet som lanserte dem. En bukett med blomster ble utødeliggjort i eksplosjonens øyeblikk.

Orriner. "Blomsterbukett". 2000.

Et annet prosjekt på CRG Gallery Website http://crgggallery.com/artister/ori-gerersht/

Shanon Core (R.1965) studerte i utgangspunktet av kunstneren, og senere passerte omskoling på fotografen. Derfor tilbringer det en klar linje mellom disse to uttrykksformene. Når du går inn i en dialog med fotorealister, skriver du bilder med fotografier, COR skaper bilder på bildet. Snapshot "Epler" kom inn i serien "Colonial Style". Når du ser på dette bildet, ser det ut til at det bare er et bilde av bildet av æraen av gamle mestere. "Jeg isolerende" virkeligheten "av XIX århundre maleri når det gjelder belysning, ideer og skala ... for å få et resultat av et illusorisk bilde av en annen epoke." Hennes inspirerer ble Rafaelle Pealier, forfatteren mer enn hundre fortsatt liv skapt i perioden 1812-1824. Når du rekonstruerer sammensetningen fra bildet av pealier, forsøker å slå tredimensjonale elementer til pregede todimensjonale overflater fra kunstnerens malerier. Dens teknikk utfører en fettlinje mellom bildet og bildet, og tvinger publikum til å lure på om genren av ektheten og rollen som autentisitet.

Sharon Cor. "Epler." 2009.

Laura Lethensky arbeid (s.1962) "Untitled nr. 23" i sin stil ligner et gammelt stilleben, hvor nederlandske og flamske tradisjoner er tydelig sporet. Hun innrømmer at hun ble påvirket av den fancy blandingen av den nordlige og sørlige vekkelsen, og hennes kreasjoner reflekterer denne "tvetydige som fører til forvirring og en tung" følelse av plass. Preparatene i Letinsky presenteres i form av belysning. For henne er lyset også en aktiv person, "ikke egnet til å kontrollere ... lyset er i stand til å overraske." Når du skaper det meste av arbeidet, bruker den morgenlyset, men for "hunden og ulv" -serien valgte en fløyelsaktig twilight-stråling og en svært lang eksponering. Navnet på serien fungerer som en allusion til den franske twilight, hekenetiden, når hundene blir til ulv.
Dens store bilder skaper en atmosfære av tangibility og intimitet, som om det er nok bare for å strekke hånden til å nå opp til
emne. "Jeg ble rammet at" Last Supper "er en scene med måltider, hvor maten på bordet fungerer som et ekstra tegn, spiller rollen som en annen plan. Og jeg trodde at det ville være, hvis vi fjerner hovedaktørene, og alt annet er å forlate som det er. " Hovedvekten - på ideen om at bildet viser hva som ikke lenger eksisterer.
Den kastet ut av skallet halvt spist oransje og spredte skall fra pistasjenøtter - hele scenen ligner et bord uheldig etter lunsj. "Jeg fotograferer restene av mat og søppel for å analysere forholdet mellom modenhet og ødeleggelse, raffinement og klumpete, kontroll og sjanse." Perspektivet på bildet er svært uvanlig: Tabellen ser geometrisk uforholdsmessig, og pistasjenøtter på gulvet er praktisk talt fusjonert med skall på bordet. Ghost-sammensetningen av Letinsky skaper en smertefull atmosfære av upålitelighet og mangelen på menneskelig tilstedeværelse i det siste. "Jeg lurer på hva som skjedde" etter "hva som gjenstår ... og at jeg forlot uigenkallelig."

Laura Lethensky. "Untitled nummer 23". 2009.

Hver høst har sin egen tilnærming til stilleben, hver løser sine oppgaver ved hjelp av unike metoder for å skaffe et bilde og danne en presentasjon. Men i alle fall, i moderne stilleben, som i all moderne fotografering, kommer ideen til forgrunnen. Avhengig av uttalelsen er opptaksmetoden (iscenesatt eller dokumentar) valgt, og fremgangsmåten for presentasjon av det endelige bildet (plastiserings-, lysboks, opphavsrettsfotografier, bilder som er oppnådd ved hjelp av alternative utskriftsmetoder eller ved første fotometri-teknologier, etc.).