Foto som moderne kunst fortsatt liv. Generelle lover av sammensetningen i bildet av stilleben

Vurder søknaden og en kombinasjon av forskjellige typer komposisjoner avhengig av det valgte bildet og planen på eksemplene.

Fortsatt livet kalles "historien om den glemte på turenes reise".
Når du skaper dette stilleben, ble det bare en brennende lampe brukt fra gjenstander, som ble brakt til kysten av et snødekte reservoar. Deretter ble teksturen på dekselet til den gamle boken lagt til Photoshop, fokus på flammen.
Tanken var veldig viktig når du valgte en stillebestilling. Objektene burde ha vært i det minste slik at ingenting distrahert fra hovedobjektet, og synspunktet ble valgt slik at landskapet i bakgrunnen med det utgående utsiktene til kysten ble lest. Teksturoverlegg tar et øyeblikksbilde mer dramatisk. Sammensetningen er diagonalt, lineært for å understreke form av gjenstandene og linjen i kysten. Hovedfokuset på sammensetningen - brannen, er i krysset mellom linjene i den gyldne delen. Hoveddelen av sammensetningen skiftes til venstre kant, på grunn av øyet fra brannen fortsetter å følge kysten i øverste høyre hjørne, søker der motsatt diagonalt balanseringsflekk. En slik flekk kan være skipet i horisonten, som er fraværende å øke følelsen av ensomhet i arbeidet.

Stilleben kalles "symfoni i røde og gulltoner". Navnet og stilen for arbeidets ytelse er inspirert av Whistlers arbeid, kunstneren engasjert i problemene med fargeskader som viktige elementer i den kunstneriske planen. Han kalte ofte sitt arbeid med "Symphony". Sammensetningen er bygget i oval for å markere myke, avrundede former for gjenstander, formen av ovalt har en fortsettelse i Watch-vinduet. Konturene til objekter er myknet, samplet, effekten av problemer, glød, praktisk talt søvn er opprettet. Varene selv er valgt som symboler for kunnskap: Broken Grenade - Kunnskapsstruktur, Bøker og Scroll - Resultatene, og klokken (symbolet på tid) er en nødvendig betingelse. Arbeidet er bygget på enheten til tone og fargeforhold (på mørke farger).

"Historie av gammel sjømann" eller "historien til den gamle sjømannen". Historien om dette stilleben er ganske enkelt: Elementer er valgt av foreningen med sørlige land, behandling i stil med den gamle fotografiet, delvis malt. Men selve livet selv er satt på en slik måte at dets elementer i deres masse ser ut som et portrett (som grunnlag for kunstneren til renessansen D. Archimboldo). Følgelig inneholder innstillingen en dobbel travelforening: gjenstander fra "fjerne land" og fortelleren - "bestefars reisende".

"Forventning". Foto tatt i Museum of Retro Cars i Moskva. Balansert sammensetning med Tone Silhouette Rhythm. Betydningen av arbeidet er at hvert emne har sin tid. Sammensetningen er bygget slik at en følelse av stasjonen er opprettet, hvor passasjerer (ting) før styret (klokke) venter på deres tur ...

"Falle". Fortsatt liv på høsttemaet overalt er svært varierte, rike og vakre. Hvis du husker billetten, fortsatt livene M. Di Caravaggio, så legemliggjør de all fruktbarheten til "høsten", feiringen av Vakha. Derfor er sammensetningen av dette fortsatt liv basert på teknikkene som den italienske kunstneren brukte. Elementene er underklart, dekorative, sammensetningen er bygget på trekantfiguren. Den klassiske typen arbeid gir også en pålagt tekstur.

"Kamille" eller "Land stilleben". Sammensetningen er også bygget i en trekant, men hovedfokuset er laget på belysning - lys, varm, myk. Unity of tone og farge relasjoner (på lys toner) gir arbeid med en følelse av ro, enkel, enkel skjønnhet.

"Currant". Den friske lineære sammensetningen er meget godt egnet til å understreke skjønnheten i linjene i børster, glattheten i overgangene. Rhythm-avrundede former skaper en følelse av spredte perler.

"Alt gikk." Tone, friksjon, konkludert i trekantsammensetningen. Tørkede blomster, "falmet" epler, etter å ha flagrende en farget plate - som gamle alderssymboler. Tiltlinjer av blomster Opprett tilstedeværelsen av "dialog" mellom objekter, samtale, gjensidig hjelp og støtte. Aksenter er plassert på gulgrønne nyanser.

"Frost Høst." En vakker kald blå-lilla nyanse, som er tilstede i elementene, skaper en adel atmosfære, en følelse av lys frost, inea. Den opprinnelige fargen på Apple ligner frostige mønstre på glasset.

"Alt er glemt." Frosing kontur lineær sammensetning. Tørkede blomster, "fading" epler, etter å ha flagrende en farget plate - gamle alderssymboler. I motsetning til stilleben, "gikk alt bort", ingen dialog, så ordet "glemte" lyder i tittelen. Aksenter er plassert på gule hvite nyanser.

"Berry te". Dynamisk diagonalsammensetning, lineær, bygget på rytmen av røde, svarte og hvite farger. Fargekombinasjoner er valgt av foreningen med Berry-Floral Tea - Warm, med en kompleks rødbrun fargetone. Et lite fokus i behandlingen er gitt til retro stil.

"Bjørnebær". Retro stil. Noble Dark Raspberry nyanser av BlackBerry og Flower Malva er understreket på grunn av kontrast med gul kopp
.

"Symfoni". Diagonal sammensetning, lineær. Blomster og blader er ordnet i orden som ligner på notater. Blomster i en vase symboliserer ulike nyanser i musikk (forte, piano). Draperi på bakgrunnen er støtte for forgrunnslinjer.

Arbeidet er bygget på enhetens tone og fargeforhold. Linjær sammensetning i den ekkel gamma. I stilleben begynte ideen om sammenligning av to - 1. Fragility, Tenderness, Lightness, Fleeting, Short-Life (Phlox), 2. Hardhet, evighet, konstans, statisk (steinvase) og foreninger dem: varme, Eleganse, plast og unikhet av fargekonturer og steinfargelinjer.

"Sea Shell". Sammensetningen er bygget i henhold til figuren "sirkel". Blomsterstående symboler (allegorier) av marine stjerner og en vase-skjell. Den ekstra tekstur gir arbeidet effekten av gull og overfylte bølger.

"Shepherdess". Her vises den samme vasen allerede som kurver. Plassering av elementer (blomster, blader og vaset) fly, dekorative, kontur. Arbeidet forårsaker foreninger med fransk maleri ganger Rococo.

"Kveldsskygger." I dette stillebenet spilte ikke bare elementene (asters og epler) en viktig rolle i sammensetningen av sammensetningen, men også skyggene som faller fra dem, hvilken handling (på grunn av deres klare lesbare form) som uavhengige skytobjekter.

"For henne ..." Tone Solution Sammensetning. Likevel er livet gjort i stil med gamle postkort. Blomster (store hvite peonies) i en vase, hvite perle tråder, ringer og øredobber med perler - alt peker på "feminin" stilleben. Lagt til Haze og andre teksturer gir arbeidet ekstra letthet og luftighet.

"NatureZhiv". Fortsatt livet er bokstavelig talt oversatt som "død natur". Men for fortiden siden utseendet i kunsten til denne sjangeren begynte situasjonen å forandre seg. Det nye navnet på denne sjangeren dukket opp i bildet - "stilleben" - "stille liv", flere og flere eksperimenter. Ideen om dette arbeidet var "fødselen av et nytt stilleben". Kattunge i stilleben - midten av sammensetningen - hovedkomponenten i stillheten. Den lineære tonesammensetningen er lined opp i en trekant. Lys tone i stilleben, fremhevet av motstykkehår av kattungeull, hans stilling - fødselssymboler. Frukt er også valgt en liten størrelse for å opprettholde atmosfæren.

"ASTRA". Klassisk stilleben, Vaza-form er understreket av en mørk bakgrunn. Sammensetningen er diagonalt, fordelen i buketten med to astr (lilla og hvite) på høyre side skaper en historie om hvordan 2 blomst så ut av den totale massen for å beundre seg i speilet. Og speilet selv, i kombinasjon med en mørk bakgrunn, gir arbeidet med fargetone av den teatralske situasjonen.

Buehecher. Den klassiske sammensetningen, bygget på toneforholdet mellom objektene, er bygget i trekantfiguren, hvor hans sentrale akse også spiller en viktig rolle (det er semantiske poeng på det: en jentehodet med en versjon av Vermeer, en kontrast hvit blad på en mørk bakgrunn, mynt). To parallelle stearinlys og røyken som kommer fra dem, gir en dynamisk utgang av sammensetningen.

Fortsatt liv klassisk med sommerfuglen. En todelt sammensetning bygget på å kombinere objektgrupper og konklusjon av deres sammensatte figurer - en støttegruppe (i dette stillebenet - en trekant oppnådd av en gruppe blader) er inne i hovedet (ellipse oppnådd av den generelle innstillingen av objekter). Sammensetning "kontur", "lineær". Fargestøtte for venstre nedre og høyre øvre hjørner (sommerfugl og drap i bakgrunnen) er den samme (sammen med den visuelle linjen fra nesen av krukken) og den dynamiske utgangen øverst til venstre.

Mamut. Den klassiske "tonalsammensetningen, bygget i figuren" rektangulær trekant ". Likevel er det to grupper balansert mot hverandre: 1 gruppe - to krukker, 2 grupper - to elefanter.

Keramikk. "Tonal" sammensetning bygget i oval. Dynamiske utganger i den er visuelle linjer fra arket av lønn, to støt og håndtak av brettet. Anonyme farger kombinerer ikke bare elementer, men legger også vekt på deres individualitet ved å få rollen som teksturbarhet.

Fortsatt liv klassisk. "Kontur", "lineær" sammensetning bygget på samspillet mellom to grupper av gjenstander kombinert til geometriske former: 1 gruppe - bygget på aksenter på gulgrønne toner "semi-walled" - Hjem, 2 gruppe - "trekant", bygget på pinned farger - ekstra. Sammensetningen inneholder dynamiske utganger til øvre venstre og øvre høyre hjørner: bladene av blomster, håndtaket av kurven, toppen av lyset, knotten ved krukken.

Teekane. "Tone-sammensetning bygget på kontrast av lys og mørke toner. Hovedkomposittsenteret er bygget i kontrastpunkter, valgfritt - av nærmeste. Rytme i sammensetningene definerer striper i bakgrunnen, de balanserer.

Mandarins. Staging 1. Diagonal sammensetning som har en gruppe gjenstander, i tillegg kombinert til en "ellipse" geometrisk figur. Kontursammensetning bygget på pinnede fargekombinasjoner.

Mandarins. Staging 2. Todelt sammensetning (trekant og ellipse), kontur, bygget på pinnede fargekombinasjoner. Dynamiske utganger: 1 - visuelle linjer langs arket og burrowing av krukken på øverste venstre hjørne; 2 - visuelle linjer langs lekkasjen av mandarin på venstre og høyre nederste hjørner.

Fra begynnelsen av utviklingen av fototkunst har skytingen av fortsatt livene alltid vært spesielt populære, og alt på grunn av det faktum at fotografert gjenstander er statiske og stasjonære, og med dem kan du eksperimentere, uten å begrense deg i tid og ideer - Fordi de første kameraene hadde en svært lang eksponering som kompliserte oppgaven med å skyte dynamiske tomter. I dag, nesten to århundrer, fortsetter fotografen til å fylle opp med interessant personell med alle slags objekter, plassert på en bestemt måte og med et bestemt konsept. Mange fotografer foretrekker denne sjangeren alle de andre, fordi arbeidet i det ikke kjenner grensene.

Ved første øyekast kan det virke som at skytingen av statiske gjenstander i stilleben er enkel og rask, men i virkeligheten viser alt seg å være helt annerledes. Vanskeligheter starter fra begynnelsen, når du velger de nødvendige elementene og deres arrangement for alle sammensatte lover, og slutter med plassering av lys og utvalg av den vinnende vinkelen på skyting, som i konklusjonen er nødvendig å slå bilder av høy kvalitet . For slikt arbeid bruker fotografer timer, og så hele dagen - ellers får profesjonelle rammer ikke.

Funksjoner av skytingen av fortsatt liv

Fordelen med å jobbe med fortsatt liv er at du ikke trenger å lete etter noe spesielt sted for skytingsprosessen eller fjellet med profesjonelt utstyr. Selv boligmøbler er egnet som et sted: velg stedet som er opplyst av dagslys eller bruk blitsen, velg og uavhengig bygge riktig bakgrunn - og du kan skyte.

I motsetning til skyting, for eksempel portretter og landskap, trenger du mye mindre ekstra detaljer. Men den viktigste forskjellen er at du vil ha så mye tid til å jobbe så mye tid som du trenger, fordi det er mye lettere for deg å samhandle: de kan omorganiseres, fjerne ekstra, legg til nytt, prøv det uendelige antall vinkler og legemliggjøre noen ideer. Med folk hvis energiressurser er begrenset, vil det ikke være noen slike funksjoner i skytingen.

I fotografiske skuddene til mennesker, dyr eller landskap, må fotografer ofte gjøre alt nesten på farten, men alt er annerledes med ikke-boligobjekter: Du kan tenke gjennom alle småbiter og skape et veldig perfekt bilde.

Blant annet har skytingen av fortsatt livene alltid vært verdsatt i et kommersielt bilde, så gode bilder kan ikke bare gi estetisk glede, men også god fortjeneste. I den moderne verden, flere og flere magasiner, kataloger og andre utgaver av ulike fokus, hvor du må demonstrere et bredt utvalg av varer og varer: produkter og tilberedte retter, drikkevarer, tilbehør, klær, interiørvarer og mye mer. Lignende bilder kan selvstendig fremmes på Internett ved hjelp av spesielle børser og andre ressurser.

Hva å fotografere?

Mange sjanger av stilleben i bildet virker klassisk, standard og forutsigbar, hvor hovedstedet i rammen får grønnsaker, frukt eller blomster. Faktisk kan du fotografere - avhenger bare av fantasi og preferanser. Se deg rundt og finn elementer som kan fortelle historien din som uvanlig at de var. Tross alt, her, som i en annen sjanger, er det et originalt sted og kreativitet.

Uvanlig eller interessant for å skyte ting du kan finne hvor som helst: på en tur, i en kafé og mye hvor ellers. Husk eller skriv ned ideen som har oppstått i hodet ditt ved synet av objektet du liker, og prøv å oversette det hjemme. For nybegynnere anbefales det å begynne å jobbe med enklere gjenstander, unngå glass og metall, noe som er vanskelig å velge belysningen. Etter å ha lært på noe klart, kan du velge mer komplekse former, kombinere objekter med hverandre i gunstige kombinasjoner.

Sette belysning

Plus, fortsatt livslang skyting er at det ikke er nødvendig å kjøpe dyrt belysningsutstyr for det, etter behov under studioopptak. Husk at du fullt ut styrer hele arbeidsflyten, og med lys kan håndteres minimum antall utstyr og hjemme.

Du kan ikke bare bruke enhver kunstig belysningskilde, men til og med dag naturlig lys. I det første tilfellet kan du bare blokkere dagslyset, tett gardiner på vinduene ved hjelp av persienner og gardiner, og forbedrer hele lyset med en kunstig måte. I tilfelle dagslys må du bare velge det mest lyse punktet i rommet, i nærheten av vinduet som ikke er falt av trær, bygninger og andre hindringer.

Noen kan virke som med konvensjonelle glødelamper, vil du ikke lage gode øyeblikksbilder, men det er det ikke. Det viktigste er å lære å jobbe med kunstige lyskilder, eksperimentere med deres arrangement. Du kan fremheve objektet ikke bare foran, noe som kan være ganske kjedelig, men også på siden og til og med bak, og oppnå interessante resultater. Men hvis du har en høy kvalitet og sterk kilde til naturlig lys, så ikke forsøm dem, men vær sikker på å bruke i skytingen av elementer: det kan suppleres med spesielle lysreflektorer, og du kan kombinere med en lampe.

Lysreflektoren kan gjøres uavhengig ved hjelp av papp og folie.

Arbeider med vinkler

Utmerkede assistenter i fotografering av statiske fag og fortsatt liv er et spesielt stativ for et kamera, som gjør det mulig å holde fast på riktig posisjon og fjerne rammene selv med en svært lang eksponering. I tillegg til det kan du kjøpe en fjernkontroll som lar deg observere skytingen fra siden.

Slik bruker du fullkraftstativfunksjoner? Med det kan du se på plottet og bruke mange interessante perspektiver - det viktigste er ikke å glemme å endre dem, ellers kan hele bildesesjonen stå i en posisjon, hvor øyeblikksbilder vil få samme type. Kameraet stativet må understreke ulike undersøkelser, og i ingen tilfelle begrenser dine ideer. Endre plasseringen av kameraet, omorganisere stativet til de mest uventede stedene, endre lyset og innstillingene - alt dette vil bidra til å skape en rekke rammer som du vil vurdere.

Flyttingsutstyr, ikke glem å sikre at belysningen ikke blir observert.

Hvilken bakgrunn for å ta bilder?

Det kompetente utvalget av bakplanen for fortsatt livet spiller den siste rollen i å skape et bilde av høy kvalitet. Bakgrunnen skal være enkel og nøytral, for ikke å oversette oppmerksomhet fra skytobjektet. Velge et bakteppe, stopp på en monofonisk vegg, og hvis det ikke er noen, bruk en hvit papp eller annen egnet farge. Du kan også bruke et lett og diskret mønster, men bare hvis det ikke er for slått ut, og bryter harmonien på bildet.

Velge skyggen av bakgrunnen, vær oppmerksom på hvordan den samhandler med de fotograferte elementene. Du kan velge både nøytral hvit, og skyggen er mer komplisert, som vil utfylle bildet.

Hvis du tar av objektene av en liten størrelse, kan ryggen ikke trenge. Bare ta opp overflaten som du legger riktig objekt på. Populære alternativer i dette tilfellet er et fløyel svart stoff, som perfekt absorberer farge og ser jevnt ut.

Sammensetningsregler

Som i en hvilken som helst annen type fotografering, spiller i stillbildet sammensetningen av bildet en viktig rolle. Det er hun som bestemmer i større grad, det vil være et øyeblikksbilde eller ikke. En riktig valgt sammensetning vil gjøre arbeidet ditt en unik, interessant visning og svært minneverdig.

Den viktigste regelen om at enhver fotograf vet er en tredjepartsregel. Følg ham, og du vil få bilder som er hyggelige å se på. Ikke glem at rammen må kompileres på en slik måte at den ikke distraherer fra essensen av delene, men bare de mest nødvendige: markere hovedobjektet for skyting og bakgrunn.

For å lage flotte bilder, bruk all din fantasi og ikke vær redd for ikke-standardløsninger. Tenk på hvor seeren sender en titt under bildevisningen, så vel som hvordan det tomme rommet på rammen er aktivert, og om den skal fylle den. Det er nødvendig å utføre god jobb og forstå hvordan du forestiller seg et fotografert objekt i det beste lyset, som ikke bare viser sin skjønnhet, men også reflekterer meningen investert i arbeid. Ja, over konteksten du trenger å jobbe: Du må bestemme om det vil være et godt element å se alene, eller det er verdt å legge til det ytterligere detaljer. Bare utarbeidet alle de ovennevnte øyeblikkene, må du lage rammen perfekt fra et kompositt synspunkt.

Feil tillatt i skytingen av fortsatt liv

Hver fotograf, som bare begynner sin vei i å skyte statiske gjenstander og fortsatt liv, står overfor omtrent det samme settet med feil som resten. Ikke vær opprørt hvis du først møter vanskeligheter, fordi det er de som lærer oss den rette forståelsen av filmbehandling og arbeid med alle finesser og nyanser av skyting av fortsatt liv. Det er verdt å demontere de vanligste årsakene, på grunn av hvilke feil og mangler som er tillatt.

1. Utilstrekkelig antall praksis . Alle ferdigheter og erfaringer er kun kjøpt under skytingsprosessen, så du må trene og fylle hånden så mye som mulig. Hvis du fjerner på fritiden, vil du snart lære å angi de riktige kamerainnstillingene og jobbe med mange parametere. Dette inkluderer også arbeid med sammensetningen: Jo mer du eksperimenterer, jo raskere vil du begynne å forstå prinsippene for bygg og syn.
2. Skadiget ide . Det hele starter nettopp av ideer, og først etter en klar representasjon av fremtidig fotografering er dannet, er objekter og detaljer valgt for det, samt bakgrunn. Kunstneriske løfter og meningen er svært viktig, uten dem hele prosessen med å skyte "noe" vil bli mislyktes.
3. Dårlig arbeid med belysning . Du må tydeligvis se at det ikke er noen oversupply eller mangel på lys, ellers vil noen, selv den mest originale og kreative ideen bli ødelagt. Du kan ty til hjelp av dagslys, spesielle eksterne blinker, lamper og til og med lys - det viktigste slik at objektet er kompetent opplyst. Ikke glem at arbeidet med reflektor vil forbedre resultatet, så prøv å ikke bruke direkte lys.
4. Arbeid med komplisert utstyr . Newbie og enhver annen fotograf er ikke nødvendig for å jage på dyrt utstyr - gode rammer med fortsatt liv er oppnådd selv med minimal kostnader. Kvaliteten på bildet avhenger direkte av ferdighetene, og ikke fra hvor mye penger ble investert i arbeidet.
5. Manglende overholdelse av integriteten til stilen . Du kan alltid eksperimentere med blomster, kombinasjoner av objekter, teksturer og teksturer, skjemaer. Men du bør ikke prøve å legge inn objektet i bildet, som absolutt ikke passer inn i sammensetningen i henhold til stil, æra eller andre åpenbare parametere.
6. Feil i valg av bakgrunn . Bakgrunnen av fotografering er ikke en liten trifle, og den delen som lett kan "drepe" et bilde, gjør det stygt og til og med avstøtende. Kom igjen med spesiell omsorg for valg av bakgrunn for stilleben: Hvis den ikke vises i ideen og sammensetningen, så velg nøytrale nyanser som ikke vil bli betalt oppmerksomhet. For eksempel kan du velge en hvit farge med en enkel tekstur.

Det viktigste er at du trenger å vite om vellykket og høy kvalitet skyting av fortsatt liv - prøv å skyte hele tiden, for å fylle hånden med enhver mulighet og til og med på noen objekter, og så kan du oppnå gode resultater i dette båten og Selv begynner å tjene penger på den.

Stille livet som en kunstgenre dukket opp tilbake i det fjerne 15. århundre, og da hadde han en veldig klar religiøs undertekst. Mange av de hellige ble innrammet av blomsterkomposisjoner. Allerede i det 17. århundre ble fortsatt livet til slutt dannet som en sjanger, samtidig som de grunnleggende reglene for sammensetning og klassiske teknikker oppsto.

Med utseendet på fotografering, mistet fortsatt livet ikke sin popularitet, selv til tross for at de fleste av dagens fotografer tiltrekker muligheten for å skyte i aksjon. Mesterene søker å skyte noe øyeblikkelig og uventet, statiske bilder er mindre attraktive og interessante for mange.

Noen tror feilaktig at fotografering av fortsatt liv er ikke en kompleks type skyting, fordi det kan virke å fotografere noe som ikke beveger seg og ikke endres i lang tid ikke så vanskelig. Faktisk er bilder av fortsatt liv oppnådd som følge av et langt monotont arbeid. Fotografen, skyting stilleben, bør jobbe med lys og objekter hele tiden. Det endrer jevnlig gjenstand for fotografering, bakgrunner og vinkel.

Som et praktfulle eksempler på bilder av fortsatt liv, vil vi vise deg bilder Paulette Tavormina (Paulette Tavormina) - Berømt fotograf fra New York. Bor i en storby, fant flyreiser sin egen måte, hvordan å flykte fra oppstyr og Serm. Hun forsvinner i timevis i sitt eget studio, og fjerner fortsatt liv, bestående av grønnsaker frukter og farger. Paulette Tavormina-bilder ligner klassiske bilder av klassisk maleri. De er svært kunstneriske og fascinerende.

Paulette Tavormina skaper også fantastiske sammensetninger av blomster, planter og små insekter på flyet. Bilder er mer som illustrasjon fra botaniske bøker eller fantastiske vegetabilske mønstre.

Paulette Tavormina Bilder ligger i museer, bedriftens og private samlinger, var representert i Paris, London, Moskva, New York, Los Angeles, Miami og Chicago. Flight Photographer Selvlært, Hans unike teknikk for å skyte fortsatt liv, utviklet hun seg selv, lærte i maleriene av nederlandske mestere.

Vegetabilske mønstre

På 1970-tallet, i den vestlige kulturen, er utfordringen nå abstrakt kunst, det er et nytt form for maleri - fotorealisme (eller hyperalisme, superlyalisme). Stort lerret av oljemaleri, som bare størrelsen skiller fra bildet. På kunst har det aldri vært noe sånt - som grunnlag tok kunstnere ikke noe liv, men et bilde, dessuten et bilde av husholdning, amatør. I bildene av fotorealister - banal hverdag, en upersonlig, todimensjonal, kald, imperoneal og følelsesmessig virkelighet, savnet et bilde. Superradiance er koblet til flyttbar når du kopierer slike bilder. Ideologien til fotorealismen er anerkjennelsen om at reklame, fjernsyn og, hovedsakelig, bildet i ulike manifestasjoner av bordet domineres i den visuelle oppfatningen av en moderne person, som forskyver virkeligheten som sådan. Fotografi - objektet er like ekte og viktig, så vel som virkeligheten - bildet er ofte enda mer overbevisende virkeligheten selv. Arrangere om prinsippene for moderne visuell oppfatning og kunstnerens rolle i samfunnet, ble fotorealismen den første konseptuelle kunsten.
Fotorealisme viste at fotografiet er den mest tilstrekkelig til moderne bevissthet og oppfatning av det visuelle språket, grunnlaget for hele den moderne visuelle kulturen.

Ralph går. "Blå Salf Tupler." 1980.

Ralph går.

Moderne bilde (moderne fotografering - faktisk fotografisk grafikk) ble dannet på 1990-tallet, da artister begynte å jobbe med et bilde med et media. Moderne bilde eksisterer ikke utenfor konteksten og er uforståelig for den uforberedte seeren. Bildet sluttet å være estetisk objekt. Alle moderne bilder kan deles inn i to retninger:
1. Konseptuelt bilde (utforsker seg);
2. Tverrfaglig fotografering (relaterte disipliner kan være: Vitenskap, kultur, sosiologi, for eksempel sosial forskning eller kulturell dialog med klassisk fotografering).

Parallelt med det moderne bildet er det kunst (vakker kunst, kunsten til vakker), den eneste oppgaven som er overføringen av skjønnheten i den omkringliggende verden. Høykunst gjelder ikke for moderne fotografering.

Konseptfoto er et bilde om fotografering, kunst som analyserer kunst. Hun er engasjert i å undersøke seg selv: sitt eget språk, sin funksjon, sin rolle i sin natur.
Hovedoppgaven til kunstneren er å gjøre betrakteren til å tenke på det, mens det konseptuelle bildet er mer sannsynlig å stille spørsmål enn svarene gir. Mens bildet er opprettet, er det en studie, resonnement, de er viktigere enn det endelige resultatet - selve bildet. Fotoet er bare et media, en visuell form for et uttrykk for tanke, studier av kunstneren.
Serien i moderne fotografering har en ny betydning - dette er ikke et bildehistorisk, som i modernisme, og typologi, som Karl Blossfeldt. Med unntak av noen forfattere jobber kunstnerne mellom serien (uttalelsen er født bare i serien), hvor hvert enkelt bilde ikke er en slags historie.

I utgangspunktet var konseptuell fotografering estetisk stygt, dokumentarisk og bilde uinteressant. Dermed definerte artister et nytt språk av fotografering, et nytt formål. Fjern fra bildet Alle de kjente utløserne i den klassiske fotografien ("avgjørende øyeblikk", sammensetning, følelser, bevegelser, gjenkjennelig scene, tildeling av det viktigste tingen), artisterne forsøkte å tvinge betrakteren til å se på bildet selv, tenk om hennes natur. Konseptuelt bilde av ikke-frekvens, tørr og distansert.

Senere dukket det såkalte "Postconceptualbildet", som ble mer kjent fra estetisk synspunkt og dyrt i produksjonen, som henholdsvis påvirket prisen på det endelige kunstverket. Som regel er slike gjerninger som følger fotorealisme, stor størrelse, skutt på et stort formatkameraer og skrives ut på en slik måte at alle de minste detaljene er synlige. Takket være denne metoden for å sende inn bildet, nærmer bildet seg så mye som mulig, slik at betrakteren kan dele virkeligheten som er avbildet i bildet. Hyperteciliserthet gir hypertrophied hyperaity. Samtidig bruker mange artister for overføring av deres ideer estetikk av amatørbilder.

Kunstnere bruker et moderne språk på bildet, unntatt når de går inn i kulturdialogen med kunsthistorien eller historien til fotografering.

En konseptuell tilnærming til bildet kan først svekke interessen for fortsatt livets sjanger. Men takket være noen kunstnere har fotografisk fortsatt livet mottatt et nytt utviklingsstadium. Så, Jan Grouver (1943-2012) slått kjøkkenutstyr i dyktige komposisjoner. Gløden gir ofte preferanse for å danne over innholdet, mens nesten krysser temaet fra sin kreativitet. Dens komposisjoner består ofte bare av kanter av objekter forkortet utover anerkjennelse. Teksturet er like viktig som skjemaet. Bildene av denne serien, lysene er mindre i mindre grad er øyeblikksbilder av kjøkkenutstyr, og i mer komplekse, noen ganger abstrakte bilder av romlige arrangementer, inkludert form, farge og tekstur.

Jan Ground. Uten navn. 1978.

Arbeidet med sveitsiske kunstnere Peter Physley (s.1952) og David Weissa (1946-2012) godkjenner et fotografi som et middel som kunstneren er i stand til å presentere en ordinær, men i deres tilfelle den peaned, betinget, tvilsom. For sin serie "likevekt / stille middag" tok de husholdningsartikler og balansert dem i ustabile strukturer på en slik måte at underlige skulpturer balanserer på randen av ødeleggelse. Deres alvorlighetsgrad av skulpturer er ikke utsatt for tyngdekraftenes handling og disarrangementet, og den evige kom til kameraet.

Peter Physley og David Weiss. "Silent middag." 1984-1985.

Nobuessi Araki (r. 1940), som kalles geni og den største av de nå levende japanske fotografer, nærer en spesiell interesse for temaet femininitet, kvinnelig figur og kjønn. Med hjelp av en moden kjerne gjentok en litt rynket frukt av Araki skjemaene til det kvinnelige organet. Opprette en serie "Eotos" i 1993, kom Araki opp med navnet, som forbinder to emner i den, og spilte en nøkkelrolle i hans kunst: temaene Eros og Tanatos (ifølge Aorden Z. Freud, Eros - Kjærlighet , skapelse, sex, liv, "Tanatos" - strever for grusomhet, aggresjon, sadisme og død). I fotografier av Araki, er disse kreftene ansikt: en kilde til mannlig lyst blir en frukt, som allerede har begynt å være dekket med mugg og kollaps. Kunstkritiker Jerry Badger sa: "Pornografi er faktisk i seerenes øyne."

Nobuessi Araki. "Eotos". 1993.

Fotografi MAGNIETA Smoothiders "Kjærlighet vinner alle" gir opphav til motstridende følelser. Den har en merkbar innvirkning på bildene av XVII-tallet og hørte ekkoene i temaet hjemkomfort. Skjønnhet her er uløselig knyttet til fading. Det ser ut til at blomstene i bildene, som speedders ofte gjør med hjelp av speil, er i ferd med å vises. Hun ringer til blomstene "skuespillerne", som skildrer "hele verden, med alle relasjoner og dramatiske situasjoner." På dette bildet er en viss vag trussel merkbar: arrangementet her og det er buede grener, og den vannrike blå tomheten i midten truer med å oversvømme hele maleriet og ødelegge skjøre blomster. Speeders fungerer i den klassiske tradisjonelle sjangeren, men hypertrophied, uvirkelige farger skaper en skarp effekt, vanligvis ikke typisk for bilder med blomster. Som mange moderne fotografer, så Speeders i naturen døden og uunngåelighet av forfall. Blomster på bildet ser ut til å være separate deler av kroppen, som tenner og språk som er dømt til dekomponering. "Storslåtte og uvanlige erotiske malerier presenterer deg til en annen dimensjon. Store speil, fancy glass vaser, tette draperier, frukt og beskjærte buketter - dette er hva disse "canvases" består av Magritet Speeders selv om hans verk.

Margrieve smulders. "Kjærlighet vinner alt." 125x1100 cm. Fragment. 2005.

Dette arbeidet er i god oppløsning på forfatterens nettside http://www.margrietsmulders.nl/index.php?pid\u003d10&gallery\u003d7 Det er det mulig å bla i et praktisk tempo og holde fast i noen del
Delightful Speed \u200b\u200bnettsted med andre arbeider http://www.margrietsmulders.nl

Den amerikanske fotografen James Welling (r. 1951) kaller sin praksis "Revival of modernism, men i en historisk sammenheng." "Flower" -serien er en dyp analyse av tidligere fotografering, dens status som den er evolusjon. Welling plasserer stengler av planter på en svart og hvit film og utstillinger, deres hvite skygger reflekteres på en svart negativ bakgrunn. Deretter eksponeres forskjellige former med fargefiltre igjen. Som et resultat oppnås lyse fotograder av farger - deres mørke skisserer på en hvit bakgrunn med myriader av myke skinnende nyanser. John Herschel - forfatteren av begrepet "fotografi" (jeg skriver lys), mens William Henry Fox Talbot foreslo et annet begrep - "sciografi" (skyggens kunst). "Flower" -serien er frukten av begge definisjonene: i første etappe (etableringen av det negative) brukes skyggen av anlegget, på den andre (skaper en farge positiv) - skyggen er fylt med et sterkt lys, gir fødsel til et bilde. Welling minner om at skyggen spiller en like viktig rolle når du lager et bilde, som lyset. "Ikke at jeg ikke var interessert i innhold, men innholdet er ikke det eneste som gir betydningen av bildet," sier Welling.

James Welling. Fra serien "blomst". Copyright Photogram Technique. 2006.
Photoogrammer av farger på welling-området, kan du også finne andre prosjekter http://jameswelling.net/projects/17

Monumental Abstraksjoner av Christian Markley (R. 1955) - "påminnelse (overlevende den sterkeste)". Navnet fungerer som en nøkkel er en påminnelse om utdødd media. Med detaljert vurdering blir ødelagte kassetter merkbare, det blir klart at det lossede magnetbåndet strekkes langs hele bildet. For hans Allyusia på Darwins teori og "utryddelse" gjenskaper de magnetiske kassettene dyktig nesten forsvunnet teknologi av cyanotype av XIX-tallet og imitert den "utdøde" stilen av abstrakt impressionisme og Jackson Pollock.

Kristne marcles. "Den sterkeste overlever". Cyanotyper. 2008.

"Fra den virkelige, fortsetter" ex-kroppen "av kroppen stråling, berører meg, som ligger på et annet punkt; Med mine øyne forbinder kroppen av en fotografert ting skylden av navlestrengene, "skrev Roland Bart, og hans ord krysset ut med sagt om Susan Paraply at" bildet lar deg røre den for å berøre oss som en sen stjernestråler . " Trail, Pointer, enhver tråd som forbinder et bilde med virkeligheten, er interessant å bli vevd i arbeidet med den britiske fotografen Richard Leard (R.1966). I sitt verksted utviklet han en helt ny fototeknikk. Bruke rommet som et fotolaboratorium, skaper det store kluter på et positivt fotopapir. Lys, repulsted fra emnet, det samme som skinner til øynene dine. Som Bart sa, er emnet og publikum forbundet med navlestreng fra fotoner. Speil refleksjoner av LIARDES virker utrolig nært; Slike bilder av de første teoretikerne av bilder kalt "galskap av materie" eller, som Andre Bazen sa, "hallusinasjon, som samtidig er sant."
På bildet "Betongblokker med en hare" livløs kropp av en hare "holder" betongblokker i en semi-lignet tilstand, som er en frossen parodi av livet. Reproduksjoner av Liarda, som mange andre moderne kunstnere, finner sjelden et svar i publikums øyne. Den innovative fotograferingsteknikken lar deg lage monumentale bilder med utrolig skarpe detaljer, selv om vi vurderer å jobbe tett. Tilskuere tiltrekker store blad med hyperalistiske bilder. På bildene som presenteres her, skaper en slik maktkraft, slik sannhet en skarp kontrast med en livløs torso av et dødt dyr. Ved hjelp av lyratpositivt fotopapir forårsaker en av de første formene for fotografering i minnet (som har blitt populært for skyting død): Douburotype. Lyset går rett fra emnet og bosetter seg på overflaten av Dagerrothip, hvor så vel som i Liarda-teknikken, er det ingen mellomliggende negative.

Richard Liard. "Betongblokker med en hare." 2007.

Video om Libreder og hans kamera http://www.sfmaom.org/explore/multimedia/videos/694

De fleste verkene til den tyske mesteren i Thomas Demona (R. 1964) kopierte med bilder, inkludert fra nyheten, og fikk trippel sans: faktisk er det fotografier av papirskulpturer av det opprinnelige bildet. Gjennomføringen av dette fører betrakteren ned langs galleriet til speilene, hvor forskjellen mellom virkeligheten og fiksjonen blir åpenbar. Etterspørselen begynner å jobbe med valg av fotografering, og skaper deretter en tredimensjonal kopi av den naturlige mengden papir og papp, som ødelegger etter undersøkelsen. Kildefotografiene skildrer ofte kjente hendelser: Så med sitt arbeid "selektivt element", reproduserer det fotografiene i sentrum av nødsituasjonen Palm Beach, hvor presidentvalget av 2000-tallet ble holdt. Stillbildet setter spørsmålet om prosessen med "kontemplasjon av papir med hull i mer enn 6 uker, da når to hundre eller tre hundre ark vil vesentlig påvirke skjebnen til denne verden." Ved første øyekast ligner bildet i bildet et stort kontor. Men med nærmeste vurdering er det imidlertid merkbart at alle telefonene er de samme, overflaten flat og dette er et kontor laget av papir. Papiret er samtidig et lettelsesbilde av bildet og et objekt av bildet (bulletins). Slim informere virkeligheten, etterspørselen gjør et spørsmål om påliteligheten til bildet. Er det mulig å stole på bilder? Er det virkelig det som er avbildet på det?

Thomas etterspørsel. "Valgpunkt." 2001.
Defana fungerer på hans nettside (ikke glem at alt dette er bare papir) http://www.thomasdemand.info/images/photographs/

Folk oppfatter ofte bildet som en transportør av informasjon, sannferdig avtrykk av en partikkel av verden. ARI GERSHT (R.1967) kompliserer en slik mening, og tvinger betrakteren til å søke snitt mellom fotografering og menneskelig syn. Bildet av "eksplosjonen" fra serien "en gang med en gang" demonstrerer et hypereligistisk bilde som deler tiden for små partikler, som ikke er under kraften i det menneskelige øye. Det gjør også en spenning på overflaten som regjeringen mellom skjønnhet og grusomhet. GERSHT innrømmer: "Jeg er interessert i motsetninger - skjønnhet og avvisning, så hvordan øyeblikket av ødeleggelse under en eksplosjon av en bukett blir for meg tidspunktet for skapelsen." I begynnelsen løsner Gersht blomstene med flytende nitrogen, deretter plasserte en liten eksplosive skall mellom kronbladene og fanget eksplosjonens øyeblikk ved hjelp av høyhastighets digitale kameraer og en spesialdesignet elektronisk enhet som lanserte dem. En bukett med blomster ble utødeliggjort i eksplosjonens øyeblikk.

Orriner. "Blomsterbukett". 2000.

Et annet prosjekt på CRG Gallery Website http://crgggallery.com/artister/ori-gerersht/

Shanon Core (R.1965) studerte i utgangspunktet av kunstneren, og senere passerte omskoling på fotografen. Derfor tilbringer det en klar linje mellom disse to uttrykksformene. Når du går inn i en dialog med fotorealister, skriver du bilder med fotografier, COR skaper bilder på bildet. Snapshot "Epler" kom inn i serien "Colonial Style". Når du ser på dette bildet, ser det ut til at det bare er et bilde av bildet av æraen av gamle mestere. "Jeg isolerende" virkeligheten "av XIX århundre maleri når det gjelder belysning, ideer og skala ... for å få et resultat av et illusorisk bilde av en annen epoke." Hennes inspirerer ble Rafaelle Pealier, forfatteren mer enn hundre fortsatt liv skapt i perioden 1812-1824. Når du rekonstruerer sammensetningen fra bildet av pealier, forsøker å slå tredimensjonale elementer til pregede todimensjonale overflater fra kunstnerens malerier. Dens teknikk utfører en fettlinje mellom bildet og bildet, og tvinger publikum til å lure på om genren av ektheten og rollen som autentisitet.

Sharon Cor. "Epler." 2009.

Laura Lethensky arbeid (s.1962) "Untitled nr. 23" i sin stil ligner et gammelt stilleben, hvor nederlandske og flamske tradisjoner er tydelig sporet. Hun innrømmer at hun ble påvirket av den fancy blandingen av den nordlige og sørlige vekkelsen, og hennes kreasjoner reflekterer denne "tvetydige som fører til forvirring og en tung" følelse av plass. Preparatene i Letinsky presenteres i form av belysning. For henne er lyset også en aktiv person, "ikke egnet til å kontrollere ... lyset er i stand til å overraske." Når du skaper det meste av arbeidet, bruker den morgenlyset, men for "hunden og ulv" -serien valgte en fløyelsaktig twilight-stråling og en svært lang eksponering. Navnet på serien fungerer som en allusion til den franske twilight, hekenetiden, når hundene blir til ulv.
Dens store bilder skaper en atmosfære av tangibility og intimitet, som om det er nok bare for å strekke hånden til å nå opp til
emne. "Jeg ble rammet at" Last Supper "er en scene med måltider, hvor maten på bordet fungerer som et ekstra tegn, spiller rollen som en annen plan. Og jeg trodde at det ville være, hvis vi fjerner hovedaktørene, og alt annet er å forlate som det er. " Hovedvekten - på ideen om at bildet viser hva som ikke lenger eksisterer.
Den kastet ut av skallet halvt spist oransje og spredte skall fra pistasjenøtter - hele scenen ligner et bord uheldig etter lunsj. "Jeg fotograferer restene av mat og søppel for å analysere forholdet mellom modenhet og ødeleggelse, raffinement og klumpete, kontroll og sjanse." Perspektivet på bildet er svært uvanlig: Tabellen ser geometrisk uforholdsmessig, og pistasjenøtter på gulvet er praktisk talt fusjonert med skall på bordet. Ghost-sammensetningen av Letinsky skaper en smertefull atmosfære av upålitelighet og mangelen på menneskelig tilstedeværelse i det siste. "Jeg lurer på hva som skjedde" etter "hva som gjenstår ... og at jeg forlot uigenkallelig."

Laura Lethensky. "Untitled nummer 23". 2009.

Hver høst har sin egen tilnærming til stilleben, hver løser sine oppgaver ved hjelp av unike metoder for å skaffe et bilde og danne en presentasjon. Men i alle fall, i moderne stilleben, som i all moderne fotografering, kommer ideen til forgrunnen. Avhengig av uttalelsen er opptaksmetoden (iscenesatt eller dokumentar) valgt, og fremgangsmåten for presentasjon av det endelige bildet (plastiserings-, lysboks, opphavsrettsfotografier, bilder som er oppnådd ved hjelp av alternative utskriftsmetoder eller ved første fotometri-teknologier, etc.).

Den pittoreske fortsatt livene til XIV-tallet snakket om hyppigheten av all den jordiske og uunngåelig døden. De var fylt med symboler, hvis verdi i dag den vanlige seeren forstår vanskeligheter. Og hva forteller oss et moderne fotografisk stilleben? Hvilke temaer er bekymret for fotografer som arbeider i denne sjangeren? Vi lærer om det på seminaret.

Hva vet du?
- Har de viktigste temaene i stillhetene oppnådd fra middelalderen? Hva handler arbeidene i denne sjangeren i dag?
-Hva er det beste egnet for stilleben - frukt, sommerfugler, blomster eller søppel?
- Er det mulig å gjøre et stilleben på tusenvis av objekter?
-Hva gjør de mest opprørende fortsatt livene?
- Er det mulig å skyte stille liv under vann og hva som kommer fra det?
- Er det bedre å fotografere sammensatte sammensetninger eller bedre finne sammensetningene som har utviklet seg selv?
-Vel, når du trekker opp fortsatt liv, bruk Photoshop eller alt skal være "ærlig"?

Hvem er det?
Seminaret er designet for et bredt spekter av lyttere og krever ikke spesielle ferdigheter. Det vil ikke være noen interesse for alle som er tilstede i leksjonen, bare interessert i moderne fotografering er nødvendig.

Videoinformasjon
Navn: Fotografi som samtidskunst: stilleben
Andrei Zeigarnik.
Utgivelsesår: 2017
Sjanger: Seminar
Språk: Russisk
Løslatt: Russland
Varighet: 02:21:54

Fil
Format: Mkv.
Video: AVC, 1440x900, ~ 997 Kbps
Lyd: AAC, Lossy Kbps, 48.0 KHz
Filstørrelse: 1,1 GB.